Notas

ANDRZEJ ZULAWSKI
Emociones en primer plano

Nacido en Rusia en 1940, Andrzej Zulawski viajó con su familia (la diplomacia era la profesión de su padre) de su lugar natal a Francia, de allí a Checoslovaquia y por fin a establecerse en Polonia -hoy Ucrania- en 1953. Algunos años después ya en París se dedicó a estudiar cine en la FEMIS y filosofía, carrera que también cursó en Varsovia. Tomando fotografías -una profesión que hoy considera muy básica-, pagó estos estudios. Sus primeros trabajos fueron como asistente del maestro Andrzej Wajda en tres de sus filmes, “Samson” (1961), “Popioly” (1966) y “Warsaw”, episodio del film “L’amour à vingt ans” (1962) que Wajda comparte con el genial François Truffaut -que continuaba allí la historia de su personaje Antoine Doinel-, Shintarô Ishihara, Marcel Ophüls y Renzo Rossellini.La carrera como realizador de Zulawski dio comienzo en 1967 con los cortometrajes televisivos “Pavoncello”, inspirado por un cuento de Stefan Zeromski y “Piesn triumfujacej milosci” (1969) basado en otra historia del escritor Ivan Turgenev y cuyo guión escribiría junto con su padre Miroslaw al igual que el del corto anterior y el de su posterior y primer largometraje del año 1971 “Trzecia czesc nocy”, situado en la segunda guerra mundial.

Luego de filmar la inquietante “Diabel” en 1972, Zulawski comienza a tener problemas con las autoridades comunistas polacas y decide salir del país para seguir filmando. El destino elegido será Francia y su próxima película “L’important c’est d’aimer” (1975) será nada más y nada menos que con Romy Schneider en el papel de una actriz con problemas matrimoniales secundada por Fabio Testi, Jacques Dutronc y Klaus Kinski (en su único papel con un director ideal para su estilo).

A continuación Zulawski se dedicaría a la que sería su obra maldita y que no estrenaría hasta 1988, “Na srebrnym globie”. Filme basado en el libro de su tío abuelo Jerzy Zulawski que habiendo sido rodado en un ochenta por ciento en Polonia, debió ser finalizado abruptamente por la intervención de las autoridades que ordenaron la destrucción de todo el material fílmico. Luego de la caída del régimen en 1986, se inició el montaje de la película y ciertas escenas que no pudieron ser rodadas fueron reemplazadas por una voz en off.

1981 es el año de la notable “Possession”, obra maestra del melodrama no excenta de humor como la mayoría de los trabajos de este poco afecto a los encasillamientos director. Isabelle Adjani se come literalmente la pantalla con un personaje inolvidable que cuenta con el contrapunto de un exacto y también fuera de sí Sam Neill.

En 1984 el personaje central -otra vez una actriz- lo desempeñará una exaltada Valérie Kaprisky en “La femme publique”, basada en la novela de Dominique Garnier. Feodor Dostoievski es el autor elegido para, “L’amour braque” (1985), versión libre de “El idiota” en clave gangsteril y primera colaboración con la que sería su mujer y musa Sophie Marceau. Repite con ella en “Mes nuits sont plus belles que vos jours” (1989), “La note bleue” (1991) film biográfico sobre la relación entre George Sand (Marie-France Pisier) y Frédéric Chopin y en 2000 en el que es su último film hasta la fecha “La fidélité” en el que también actúan Pascal Greggory y Guillaume Canet.

De 1989 es la ópera filmada “Boris Godounov” y de 1996 la lograda y también pasional y bizarra “Szamanka” con las increíbles interpretaciones de Linda Boguslaw y Petry Iwona. El realizador ha dicho que tal vez realice la que sería su última película, pero hasta ahora no hay noticias de ella. Mientras tanto se dedica a la literatura. Lleva escritos más de una veintena de libros. El público cinéfilo, en tanto, deseando ver más pasión desbordada a la manera de Zulawski en pantalla.

****

ALAN PARKER
Filmes sombríos, personalidad equilibrada

Nació en el seno de una familia de clase obrera el 14 de febrero de 1944.

En su primer largometraje, el originalísimo musical “Bugsy Malone” (1976), el bajo mundo de los gangsters a finales de los años treinta es retratado con un elenco integrado por niños y una notable ambientación, característica ésta que marcaría el resto de su carrera.

Su padre, William Leslie Parker era pintor de casas, su madre, Elsie Ellen, era modista.

“Pink Floyd The wall” (1982) es otra de sus apuestas por el cine musical, también exitosa desde el punto de vista artístico y convertida además en película de culto entre la juventud adoradora del autor de la historia, Roger Waters y del grupo Pink Floyd.

Fue a la escuela secundaria en Islington, su ciudad natal. En los ’60 abandonó sus estudios.

La oscuridad temática insinuada en toda su carrera hasta el momento se asentúa en “Birdy” (1984), la historia de un joven que parece haber perdido la razón que llega a conmover profundamente con unos jovencísimos Matthew Modine y Nicolas Cage.

Al comienzo de su carrera como realizador hizo comerciales. Sus primeros filmes coinciden con su encuentro con el productor David Puttnam.

La ya negrísima “Angel Heart” (1987), propone un policial mezclado con brujerías, asesinos y presencias sobrenaturales que pone los pelos de punta y se convierte en otra destacable muestra de una constante búsqueda por experimentar.

Es seguidor del club de fútbol inglés Arsenal.

Es dibujante de historietas, aunque odia los storyboards para sus filmes. Le presta mucha atención al sonido, cosa poco habitual. Escribe desde siempre guiones y también novelas. Es un hombre simple y sin demasiadas vueltas, aun al tratar con grandes personajes del cine y de la música.

Tiene cuatro hijos y dirigió también “Angela’s ashes” (1999), “Midnight Express” (1978), “The Commitments” (1991), “Evita” (1996) y “The life of David Gale” (2003), entre otras.

****

MARIN KARMITZ
Calidad y negocio van de la mano

“Un productor es una persona que permite que la película sea mejor. Olvídense del prejuicio contra los productores. Es el primer espectador, el primer crítico, el primer técnico, el primer socio. Es una mirada exterior y muy justa. Es el responsable de abrir el diálogo con el autor sobre todo aquello que irá en beneficio de la película.”

Y si lo dice el hombre que produjo filmes como “Sauve qui peut (la vie)” de Jean-Luc Godard; “Mélo” y “I want to go home” de Alain Resnais; “Good morning, Babylon” de Paolo Taviani y Vittorio Taviani; “Ópera do malandro” de Ruy Guerra; la serie “Trois couleurs” de Krzysztof Kieslowski; “Profundo carmesí” de Arturo Ripstein; “Code inconnu: Récit incomplet de divers voyages” de Michael Haneke, “Yeojaneun namjaui miraeda” y “Geuk jang jeon” de Hong Sang-soo; “Sokout” de Mohsen Makhmalbaf; “Vénus noire” de Abdellatif  Kechiche; “No mans land” de Alain Tanner; “Rumba” de Dominique Abel, Fiona Gordon y Bruno Romy; “L’ombre rouge” de Jean-Louis Comolli y “Masques”, “Madame Bovary”, “L’enfer”, “La fleur du mal” y varios títulos más de Claude Chabrol; algo de crédito habrá que dar a sus palabras…

Nacido en Rumania en 1938, Marin Karmitz fue además asistente de Godard, Chabrol y Agnès Varda, dirigió tres largometrajes y otros tantos cortos y en uno de ellos contó con el  guión de Marguerite Duras. Ah, también es el dueño de varios complejos multisalas en Francia y por supuesto, de la productora MK2 (creada en 1964 con otro nombre) que posee sello musical propio y en la cual comparte responsabilidades desde hace unos años con su hijo Nathanaël.

En 2009 el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Strasburgo presentó una exhibición integrada por artistas de varias disciplinas desarrollada por Karmitz y basada en la interacción de los diferentes trabajos titulada Silences. Aquí buscó llenar un espacio que sentía vacío en cuánto a una revisión de lo producido en Francia en cuánto a escultura y pintura en el período de 1950 a 1973.

El método de Karmitz consiste en acercarse él a los cineastas de todo el mundo con los que le interesa trabajar. Con su compañía -y haciendo el camino contrario a otras en Francia- comenzó produciendo para luego pasar al negocio de la distribución de filmes, habiendo agregado antes restaurantes a sus cadenas. Todo un hombre de negocios que se declara pesimista -aunque nunca se deprime o da el brazo a torcer- y que ademásdetesta los efectos especiales y sobre todo la violencia gratuita en el cine.

****

GLAUBER ROCHA
Derrotero pasional

Glauber nace a finales de los ’30, el 14 de marzo de 1939 para ser más exactos en Vitoria da Conquista, una pequeña ciudad del estado de Bahía. Su padre construía vías de ferrocarril y su madre amaba la literatura y alfabetizó a Glauber antes de que comenzara a asistir a la escuela.

Finales de los ’40, Glauber y sus dos hermanas comienzan a asistir a un severo colegio religioso de Salvador, del cual es echado por sus excesivas argumentaciones y rebeldía. También allí se comienza a destacar en el teatro, disciplina en la que continúa incursionando, además de adquirir el gusto por el cine mientras participa de un programa de relacionado con ese mundo.

Mediados de los años cincuenta. Glauber comienza a frecuentar el cineclub de Salvador donde ve cine de todo el mundo. Empieza a leer a Lev Koulechov, Sergei Eisenstein, André Bazin, Georg Lukacs, Georges Sadoul, Bela Balasz, Aristarco…, participa de campañas contra la censura, estudia derecho, se casa con Helena Ignes y se va volviendo todo un periodista profesional.

Se convierte en uno de los principales teóricos del Cinema Novo brasileño, para tiempo después formar parte activa del grupo de realizadores que lo integraban: Nelson Pereira Dos Santos, Carlos Diegues, Leon Hirszman, David Neves, Joaquim Pedro De Andrade y otros. Su primera experiencia en la dirección fue con el cortometraje “O pátio” (1958) al que le seguiría en 1960 su primer largometraje “Barravento”.

Tras el éxito de “Deus e o diabo na terra do sol” (1964), Glauber presenta su reconocido manifiesto “La estética del hambre” donde habla de un Brasil incompetente para accionar desde sus propias necesidades y que actúa como colonia dependiente política y económicamente de las potencias extrajeras. Habla de una estética del hambre real de una sociedad que se opone a la representación perfecta que hace de la suya el cine de Hollywood imitado por algunos barsileños.

Luego vendrían algunos días de prisión por participar de una reunión política, “Terra em transe” (1967) y lejos de un Brasil fascista, ya en 1969 el premio a la mejor dirección en Cannes por “O Dragão da maldade contra o santo guerreiro”. Fuera de su país, en países como España, Marruecos, Francia, Italia o el Congo vendrían “Cabezas cortadas” (1970), “Der leone have sept cabeças” (1971), “Cancer” (1972), “Claro” (1975) y el documental “História do Brasil” (1973)

En 1976 vuelve a Brasil donde filmaría ya en 1979 el que sería su último filme: “A idade da Terra”, siguen los viajes y a los enfrentamientos con la burguesía y los políticos le suma choques con crítica, público y realizadores como Jean-Luc Godard y Pier Paolo Pasolini. El 22 de agosto de 1981, a las cuatro de la madrugada, Glauber Rocha muere en Rio de Janeiro por un paro cardíaco, luego de habérsele diagnosticado cáncer de pulmón.

****

RICHARD LINKLATER
Descubriéndose

En el estado de Texas, más precisamente en Houston el 30 de julio de 1960 nace Richard Stuart Linklater, que continúa viviendo en ese mismo estado donde realizó sus estudios primarios, secundarios y asistió a la universidad que abandonó en 1982 para irse al Golfo de México a trabajar en una plataforma petrolera. Luego volvería a Texas, aunque esta vez se iría a su capital Austin y, usando los conocimientos adquiridos luego de dejar sus estudios y comenzar a asistir regularmente al cine, fundaría una sociedad cinematográfica y comenzaría a rodar cortometrajes experimentales hasta que en en 1987 filma su ópera prima en Super 8 mm “It’s impossible to learn to plow by reading books” que se estrenaría al año siguiente. Dejemos que el hombre hable por si mismo.

“Fue natural hacerlo todo por mi cuenta. Nunca me gustó la escuela, no entraba en los programas académicos. Tampoco me gustan los sistemas oficiales de ningún tipo. Sin pensarlo me dí cuenta que esos lugares no eran para mí. Veía mi forma de filmar como en  un contínuo y largo desarrollo y no quería ser humillado de inmediato.”

“Al principio abrimos en Austin la Film Society eligiendo gente que compartiera nuestra creencia: ‘Cine: todos para uno’. Asumí toda la responsabilidad, los negocios, todo el pesado trabajo basura. Tengo el estómago para aguantar toda esa basura, esa burocracia que no es arte. Me viene de mi padre que trabajaba de ejecutivo de seguros. Y esto me ayuda a lidiar con los estudios.”

“Puede sonar rígido, pero trabajo lo mismo para cada filme. La gente puede decir que hay una diferencia entre trabajar con Ethan Hawke o con Jack Black, pero puedo decir honestamente que no es así. Trabajé con Jack y los chicos como trabajé con Julie (Delpy) y Ethan. Nos sentamos en un cuarto, leímos las escenas, las pensamos, las reescribimos. No me importa quién las escribió. Siempre digo el director en mí despide hasta al escritor, aunque el escritor sea yo.”

“El digital es una herramienta interesante, pero no la revolución que se piensa. No al nivel finaciero cuando la gente piensa que ya mismo puede hacer un filme. Puedes si estás satisfecho con editar tu trabajo en una computadora. Pero si quieres proyectarla en un cine te costará más. Es bueno para aprender, pero soy más de la vieja escuela. ‘School of rock’ es 35 mm y ‘Before sunset’ es 35 mm. Me gusta la película, me gusta como se ve el celuloide. Me gusta llevarlo al laboratorio, medirlo, almacenarlo. Hasta que la imagen no mejore con las cámaras digitales, seré todavía un tipo de celuloide. “

Los filmes de Linklater incluyen “Slacker” (1991), “Dazed and confused” (1993), “Before sunrise” (1995), “SubUrbia” (1996), “Tape” (2001), “Waking life” (2001), “Before sunset” (2004), “A scanner darkly” (2006), “Fast food nation” (2006), “Me and Orson Welles” (2008) y un proyecto emprendido en el verano de 2002, “Boyhood: Year 7″ en el que filma en tiempo real el crecimiento de un niño (Ellar Salmon) y la relación con sus padres (Ethan Hawke y Patricia Arquette).

“Creo que siempre me gustó la idea de personas que viven el proceso de descubrisrse a sí mismas. Creo que ese proceso nunca termina y con gusto sacaría un arma y me pegaría un tiro si empiezo a hacer filmes en los que encuentre todas las respuestas y predique mi gran conocimiento o sabiduría a los demás.”

****

HARVEY WEINSTEIN & BOB WEINSTEIN
Como los de antes

Corría el año 1993 y Quentin Tarantino llegaba a producir su segundo guión a la compañía Miramax de la mano del director Tony Scott y con “True romance”. Ya en el ’94 se estrenaba en el Festival de Cannes un filme que sería un suceso, ganaría la Palma de Oro y marcaría la consagración de los hermanos Weinstein y de Tarantino, ese cineasta relativamente conocido hasta el momento. Su nombre: “Pulp fiction”.

A finales de 1970, utilizando las ganancias de su negocio promocionando bandas musicales, los hermanos crearon una pequeña empresa independiente de distribución de películas llamada Miramax (por el nombre de sus padres Miriam y Max). Los primeros lanzamientos de la compañía fueron principalmente películas de conciertos.

En 1989 distribuirían “Sex, lies and videotape” de Steven Soderbergh, “Átame” de Pedro Almodóvar y “The cook, the thief, his wife and her lover” de Peter Greenaway, por éstas dos últimas la Junta de clasificación de la poderosa MPAA le dio una calificación X que dificultaría la salida a las salas de las mismas. Los Weinstein demandaron a la MPAA por su sistema de calificación y aunque su demanda fue descartada, la MPAA acordó introducir la nueva calificación NC-17 después de este episodio.

Nueva York, Flushing, 1952, Nace Harvey Weinstein. Misma ciudad, mismo lugar, 1954. Nace Bob Weinstein. Ambos graduados en la John Bowne High School y en la Universidad Estatal de Nueva York en Buffalo, donde junto a Corky Burger producen de manera independiente conciertos de rock bajo el nombre de Harvey & Corky Productions durante la década del ’70. Los dos crecieron junto a su pasión por el cine.

Y vendría la andanada de títulos que marcaron los noventa y principios del nuevo siglo atrayendo a crítica y público y dándoles a los hermanos premios, poder y notoriedad. “Prêt-à-porter”, “Blue in the face”, “The englishman who went up a hill but came down a mountain”, “Things to do in Denver when you’re dead”, “Smoke”, “Beautiful girls”, “Emma”, “The english patient”, la saga de “Scream”, “Jackie Brown”, “Velvet goldmine”,  “Shakespeare in love”, “The others”, la saga de “The Lord of the Rings”, “Jay and Silent Bob strike back”, “Gangs of New York”, las dos partes de “Kill Bill”, “The aviator”, “Sin city”, “Clerks 2″ y “Proof”.

Ya en los ’80 Miramax adquirió los derechos de dos películas británicas filmadas para la organización de derechos humanos Amnistía Internacional. Trabajando en estrecha colaboración con Martin Lewis, productor de ambas películas originales, los hermanos Weinstein, editan las dos películas en una para el mercado americano. La película resultante fue “The secret policeman’s other ball” se estrenó en mayo de 1982 y se convirtió en el primer pequeño suceso de Miramax.

Los Weinstein lentamente orientan su compañia hacia las películas de arte y ensayo, luego de pasar por películas menores, logrando la atención de la crítica y modesto éxito comercial. En 1986 dirigen su primera y hasta ahora única película también a dúo, con Marisa Tomei en el elenco y no muy buena recepción crítica: “Playing for keeps”. Miramax ganó atención en 1988 con la distribución y el estreno del documental de Errol Morris “The thin blue line” que se detallaba la lucha de Randall Adams, un preso injustamente condenado a la pena de muerte. La publicidad que rodeó el caso, dio lugar a la liberación de Adams.

Bob es conocido también por su faceta de productor teatral, mientras que Harvey es objetado por sus modales un tanto exacerbados, su fuerte carácter y sus agresivas tácticas publicitarias que lo emparentan con los productores de la época de oro de Hollywood. En 2005 los Weinstein se ven obligados a dejar Miramax por las deudas y fundan The Weinstein Company, que hoy continúa produciendo títulos como “Factory girl”, Zack and Miri make a porno”, “Capitalism: A love story” y “Death proof” e “Inglorious basterds” del todavía director preferido de los Weinstein, Quentin Tarantino.

****

MARÍA BARRANCO
Sonrisa hiperactiva

La histriónica y siempre divertida María Barranco comenzó estudios de medicina que abandonó para comenzar a estudiar arte dramático en Málaga, su tierra natal. Al poco tiempo se trasladó a la capital dónde se autobautizó con el seudónimo de Lola Menta. “Me puse ese nombre artístico al llegar a Madrid, porque cuando iba a buscar trabajo siempre me decían: ‘No tenemos nada, lo lamento’. Harta de que me dijeran siempre lo mismo, pensé: ‘Pues yo, Lola Menta’. Menos mal que aquella etapa duró poco,” dice. Tiene otro sobrenombre en casa la llaman cariñosamente Memi.

A propósito de su buen rollo o buena onda dice Barranco: “Soy cariñosa, es cierto, pero también tengo mi carácter. Lo que intento en la vida es tomarme las cosas con buen humor, dándole la importancia que tienen y no más. Yo no quiero llevar una vida estresante, ni encontrarme una y otra vez con que cualquier cosa me desborda.” ¿Qué cómo hace para mantener su buen humor? “Intento que me resbalen las cosas que son ilógicas. Y procuro no hacerle ni caso a la gente que hace o dice algo con la intención de herirte,” dice.Barranco nació en Fuengirola el 11 de junio de 1961 y asistió a un colegio religioso donde siempre bromeaba y se subía a los muebles. Asistió a varios grupos de teatro, actividad en la que debutaría años después en Madrid. Su primer trabajo en cine le llegó con el filem “El elegido” en 1985 junto a Amparo Baró, Chus Lampreave y José Luis López Vázquez; luego de rodar dos cortos “Natillas” y “No se lo digas a nadie”. Luego vendrían ya en 1988 “Tu novia está loca” de Enrique Urbizu y el filme que la consagraría definitivamente “Mujeres al borde de un ataque de nervios”.

Pedro Almodóvar escribiría a esa Candela, la inolvidable amiga de Pepa (Carmen Maura) y sus problemas con los violentos chiítas, que al igual que unos años después la Ely de “Las edades de Lulú” del siempre polémico Bigas Luna, serían dos personajes que marcarían su carrera. Manuel Iborra, Mathieu Carrière, Jaime Chávarri y “Las cosas del querer”, más Antonio Chavarrías, una nueva colaboración con Almodóvar, Fernando Trueba, “Don Juan mi querido fantasma” y “Todo por la pasta” directores y títulos que se sucederían durante los años siguientes.

“El rey pasmado” sería su primera colaboración con el que se convertiría en su marido y padre de su hija, el realizador Imanol Uribe con quien volvería a rodar en “El viaje de Carol” y “Bwana”. En 1993 con Julio Medem realiza la segunda película de éste “La ardilla roja” junto a Emma Súarez, Nancho Novo y Carmelo Gómez. En 1995 filma la interesante “El efecto mariposa” de Fernando Colomo, “Gaudi afternoon” la reúne con cuatro actrices de las más interesantes de Estados Unidos: Judy Davis, Marcia Gay Harden, Lili Taylor y Juliette Lewis. Ya en los 2000 con Ventura Pons rueda “Anita amorosa” junto Rosa María Sardá, “Tiempo de tormenta” con Pedro Olea y “Atún y chocolate” con Pablo Carbonell.

En 2006 rueda junto a Patricia Reyes Spíndola, Marta Aura y Alejandro Camacho “El carnaval de Sodoma” del mexicano Arturo Ripstein. Una de las actrices más prolíficas de España, ahora ya tiene listas para estreno “La daga de Rasputín”, “América” y “La vida empieza hoy” También ha trabajado en series televisivas y por supuesto hecho teatro. Durante los últimos dos años ha estado en gira por España con la obra Adulterios de Woody Allen dirigida por Verónica Forqué. No es poco para alguien que se considera floja. “En eso sí tengo vocación, pero no puedo ejercerla. Siempre hay mil cosas que hacer. Más que estar sin hacer nada, me gustaría pasar del reloj y de las agendas.”

****

VÍCTOR ERICE
Busquedas personales

“Siempre he sido un espectador de sala cinematográfica. Es el lugar ideal para ver las películas, el cine de otro tiempo junto al cine más moderno. O mejor dicho, junto a la expresión de eso que se llama “lo moderno”. Pues lo que quizá incluso sin declararse moderno, lo es más que lo que se declara moderno pero que está hecho hace 80 años. La cultura cinematográfica actual que puede circular por salas se limita a películas contemporáneas. Soy un continuo asistente a la filmoteca, única forma de ver en pantalla películas de autores que jamás han tenido distribución comercial. Recomiendo a la gente que busque, que elija las películas, que no las ‘consuma’. Que no sea un consumidor, que procure tener cierto criterio. La vida es muy preciosa para despilfarrarla perdiendo dos horas viendo cosas que no tienen ningún interés.”

Víctor Erice (Carranza, Vizcaya, 30 de junio de 1940). Entró a la Escuela de Cine de Madrid en 1961, luego de estudiar ciencias políticas y derecho. Hizo crítica cinematográfica en las publicaciones Cuadernos de arte y pensamiento y Nuestro cine. En 1973 realiza su ópera prima “El espíritu de la colmena”. Pasa algún tiempo dedicado a la publicidad y luego filmará “El sur” (1982), película basada en un relato de Adelaida García Morales, originalmente pensada para TV. Su último largometraje es “El sol del membrillo”, un retrato documental del pintor hiperrealista Antonio López.

“El espíritu de la colmena” se centra en una familia republicana marginada por las consecuencias de la guerra civil. La niña protagonista del filme está obsesionada con el Frankenstein de James Whale y sus acciones y pasa su tiempo buscándolo y tratando de descubrir el misterio detrás de él. “El sur” nos presenta la historia de otra chica que busca su identidad a través de la figura de su padre. Pero esta búsqueda es complicada porque su padre Agustín se aisla y no pasa mucho tiempo en su casa. Hay mucha distancia física entre los dos, pero un péndulo hace que de alguna forma estén cerca aún después de la muerte de Agustín. “El sol del membrillo”, como ya dijimos, muestra al artista español Antonio López García, en su búsqueda de la perfección durante tres meses.

“El cine tal como se ha entendido durante casi un siglo ha sido uno de los lenguajes. Para mi el último lenguaje artístico que ha inventado el hombre, es un hijo de la técnica y tiene la capacidad, como ningún otro, para reproducir las formas de la realidad, las apariencias de la realidad. En este sentido es el que tiene, en potencia, un grado mayor para capturar el movimiento y la imagen de las cosas.”

Los cortometrajes “En la terraza” (1961) “Páginas de un diario perdido” (1962), “Los días perdidos” (1963), “Entre vías” (1966), Los desafíos (segmento, 1969), “Lifeline” (incluído en “Ten minutes older: The trumpet”, 2002), “La morte rouge” o “Soliloquio” (2006), completan una obra muy personal y escasa. Desacuerdos con los productores han hecho imposible la realización de algunos proyectos de Erice, como una continuación de “El sur” y su visión de “El embrujo de Shanghai”. “Erice. Kiarostami. Correspondenciés” es el nombre de una serie de videocartas que intercambian él y Abbas Kiarostami. Durante su tiempo universitario, colaboró en guiones de Antonio Ecieza y Miguel Picazo.

“Creo que en los talleres de cine donde enseño también puedo aprender. Y sobre todo me hago una idea de cuál es el estado real de las cosas. Entre los profesionales a veces se puede perder de vista cuál es ese estado entre la gente que quiere aprender y que todavía es joven y que está en la etapa de aprendizaje. En estos talleres uno percibe muy bien o se hace una idea mucho más real y concreta de cuál es la situación del presente.”

****

DZIGA VERTOV
Investigador y cineasta apasionado

Denis Abramovich (luego Arkadievich) Kaufman comenzó estudiando piano y violín en el conservatorio polaco de Bialystok, disciplinas que debió abandonar al huir de la ciudad por la cercanía del ejercito alemán. Ya instalado con su familia en San Petersburgo, Arkadievich desarrolló sus estudios como médico perfeccionándose en el aspecto auditivo del ser humano, hasta el punto de crear el Laboratorio del Oído. Dziga Vertov, nombre adoptado tiempo después por el futuro realizador, declaró que “los oídos tienen la misma importancia que los ojos, por lo tanto el sonido debe ser cuidadosamente armado en un filme.”

También se dedicó a la poesía y a la novela, motivado seguramente por el trabajo como vendedores de libros de su familia, pero su verdadera profesión estaba en la elaboración y el montaje de imágenes y sonido, con los que empieza a experimentar alrededor de 1916. Sus estudios le llevaron a descubrir que desafiando al tiempo y al pensamiento “el ojo humano es capaz de registrar un plano cinematográfico de apenas dos o tres fotogramas”. En 1918 es nombrado director del primer noticiero dedicado al cine de Rusia: “Kinodelija” (“Cinesemana”). El primer largometraje como director sería “Godovscina revoljucy” (1919), al que seguirían dos cortometrajes: “Boj pod Caricymon” (1920) y “Agitpoezd VCIK” (1921),

Luego de su participación -con cámar incluída- en los campos de combate, realiza en 1922 “Istorija grazdanskoj vojny” (o “Historia de la guerra civil”) y entre ese año y 1925 desarrolla su serie de noticiarios titulada “Kinopravda” (“Cine Verdad”). En 1926 rueda “Sestaja cast’ mira”, en 1928 “Odinnadcatyj” y en 1929 la genial “Celovek kinoapparatom” que muestra la vida cotidiana en la ciudad de San Petersburgo. Luego llegaría “Tri pesni o Lenin” que ya en 1934, marca su apogeo como cineasta, cuyo desarrollo creativo fue obstaculizado a partir de ese momento por el partido. Vertov defendía el cine documental puro, sin manipulación alguna con actores o acciones prearmadas y pretendía “usar la cámara como un ojo fílmico más perfecto que el ojo humano para explorar el caos de los fenómenos visuales que llenan el universo.”

Sus filmes fueron considerados en su mayoría demasiado experimentales y alejados del gusto de la mayoría del público de la época. Según sus propias y radicales palabras Vertov quería “una decisiva limpieza del lenguaje cinematográfico, para su completa y total separación del lenguaje del teatro y la literartura”. Otras películas de su arriesgada filmografía: “Entuziazm” (1930), “Kolybel’naja” y “Sergo Ordzonikidze” de 1937, “Slava soveckim geroiniam” y “Tri geroini” (1938), “V rajone vysoty A”, “Krov za krov” y “Na linii oknja” (1941), “Tebe, front/Kazahstan frontu” realizada entre 1942 y 1943, “V gorah Ala-Tau” (1944) y “Kljatva molodyh”, su última realización que data de 1947.

Entre 1922 y 1925 forma el “Concilio de los Tres” junto a su esposa Elizaveta Svilova y su hermano Mikhail Kaufman y publican una serie de manifiestos que fijan su principios cinematográficos. Y allí dirá: “En adelante y para siempre prescindo de la inmovilidad humana; yo me muevo constantemente, me acerco a los objetos y me alejo de ellos, me deslizo entre ellos, salto sobre ellos, me muevo junto al hocico de un caballo al galope, me introduzco en una muchedumbre, corro delante de tropas que se lanzan al ataque, despego con un avión, caigo y me levanto con los cuerpos que caen y se levantan. Liberado de la tiranía de las 16-17 imágenes por segundo, liberado de la estructura de tiempo y espacio, coordino todos los puntos del universo, allí donde puedo registrarlos. Mi misión consiste en crear una nueva percepción del mundo. Descifro de una manera nueva un mundo desconocido para todos ustedes.”

****

NARCISO IBAÑEZ MENTA
Una máscara, todas las máscaras

Nacido en 1912 en España, Ibañez Menta desarrolló sus capacidades artísticas desde muy pequeño. A los ocho días de nacido ya estaba sobre un escenario. En Granada, alrededor de 1915, sin haber cumplido todavía los tres años de edad, Narciso subió al escenario al terminar su actuación uno de los actores y dijo: “Señores: voy a imitar a mis compañeros en algunas de las cosas que han hecho”. Nacía “Narcisín”. Sus padres eran cantantes y al principio también lo fue él. Desde pequeño recorrió hispanoamérica y terminó formando un hogar en Argentina junto a la actriz Pepita Serrador con quien tendría un hijo, Narciso Ibáñez Serrador alias “Chicho”.

Por primera vez en Buenos Aires, comenzó recitando poesías y el viernes 29 de agosto de 1919 debutó en el Teatro de la Comedia con la obra “Los granujas” de Carlos Arniches. De ahí en más, fue el sostén de la compañía; público y crítica no dejaron de aclamarle. En 1933 se inició en ese país en el género de terror que lo terminaría consagrando con una adaptación de “Doctor Jeckyll & Mr. Hyde” y otra de “Le fantôme de l’Opéra”. En Argentina protagonizó 45 películas, dirigió varias obras y trabajó también como guionista de radio y televisión. En este medio estelarizó series como “El muñeco maldito…”, “El hombre que volvió de la muerte”, “Un pacto con los brujos”, “El sátiro”, “La garra del mono”, “¿Es usted el asesino?” y “El pulpo negro”.

“La gente cree que soy un tipo truculento, violento, que mete miedo. Yo jamás meto miedo a nadie. Me fastidia los que recurren al susto como método. Prefiero el buen teatro, y lo que a veces se vuelve molesto es esa cosa de que a uno lo encasillen con un tipo de personajes. Si yo he hecho algunas cosas de terror, es sobre todo por que los grandes personajes del genero ofrecen un reto para el actor.” Declaraba Ibañez Menta que lo demostró durante toda su carrera en títulos como “Cuando en el cielo pasen lista” (1945) o “Almafuerte” (1949), “Vidalita” (1949), “La bestia debe morir” (1952) o “Cinco gallinas y el cielo” (1957).

Su primer papel para la pantalla grande fue en “Una luz en la ventana” (1942). La película, que fue publicitada como el primer film de terror del cine argentino, le da al actor una nueva posibilidad de recurrir a los trucos de maquillaje que venía utilizando en el teatro. Lo particularmente interesante es que, como es obvio cuando se lo ve en cualquiera de sus interpretaciones, no necesitaba de esas máscaras en absoluto. Su rostro expresaba una variada cantidad de emociones con sólo algunos pequeños y rápidos movimientos. Luego intervendría en películas como “El que recibe las bofetadas” (1947) junto a Guillermo Battaglia, “Corazón” (1947) y su primera película española en coproducción “Tres citas con el destino” con Amparo Rivelles y Nathan Pinzón.

Con Enrique Carreras en la dirección y basándose en tres adaptaciones de cuentos de Edgar Allan Poe, “Obras maestras del terror” era llevada al cine en 1960 con muy buenos resultados y en 1975 protagonizaría la muy divertida comedia de humor negro “Los muchachos de antes no usaban arsénico” de José Martínez Suárez junto a Mecha Ortiz y Mario Soffici. En España filmaría películas como “La saga de los Dráculas” (1972), “Odio mi cuerpo” (1974) -ambas con Luis Ciges- y “Tres días de noviembre” (1976) de León Klimovsky y la serie “Historias para no dormir” una producción a cargo de su hijo Chicho. Un mito de la pantalla grande y pequeña que se hizo un lugar para siempre en nuestro recuerdo y trascendió el lugar de actor de culto que se le tenía asignado para convertirse en un rostro popular.

****

JANE RUSSELL
Talento, inteligencia y belleza

Como tantas otras Ernestine Jane Geraldine Russell fue a estudiar interpretación con la famosa Maria Ouspenskaya, sumando además clases de canto y piano, por la influencia desisiva de su madre actriz aficionada. Durante su niñez vivió en Canadá, para luego pasar a California, en Estados Unidos. Además de probar con dibujo y diseño formó parte de puestas en escena de varias obras teatrales mientras cursaba sus estudios secundarios en Van Nuys. Trabajó como modelo fotográfica y secretaria. Fue descubierta por el magnate Howard Hughes y contratada para protagonizar el filme “The outlaw” en 1943, una versión de la historia de Billy The Kid. El estrellato llegaría instantáneamente.

Y la censura también se haría notar enseguida. Las poses y vestidos de Russell en el filme hicieron que el estreno se viera limitado y sólo se vería oficialmente tres años después de finalizada su producción. Luego de esto Jane se convirtió en “la” chica de tapa y en la preferida de las tropas que combatían en la Segunda Guerra. El mismo año del estreno de “The outlaw” filmó su segunda película “Young widow” para la RKO Pictures, estudio que la ayudaría a solidificar su carrera. El papel estaba centrado en su sensualidad, pero Russell hacía que tuviera una cuota de inteligencia, lo que la distinguía claramente del resto de este tipo de actrices.

En 1948 llegaría “The paleface” para la Paramount y junto a Bob Hope que la terminaría de catapultar a la fama y de la que harían una secuela. Llegaron luego una serie de roles en los que seguiría probando que no era sólo un cuerpo escultural, a pesar de que se la considerara la “bomba sexy” del momento. Trabajó con los actores más codiciados de entonces: Robert Mitchum en “His kind of woman” (1951) y “Macao” (1952), Frank Sinatra en “Double Dynamite” (1951), Victor Mature en “Las Vegas store” (1952), Scott Brady “Montana Belle” (1948) y Gilbert Roland en “The french line” (1954) y Underwater! (1955), entre otros. Los papeles eran especialmente escritos para ella y la actriz se encargaba de lucirse en cada escena, dotándolos de una calculada cuota de cinismo que la hacía inconfundible.

Casada en abril de 1943 con el futbolista Robert Waterfield, Jane descubrió que no podría ser madre, por lo que entre 1952 y 1956 adoptaron a sus tres hijos, Tracy, Thomas y Robert. Para colaborar con las parejas en su misma situación, Jane y su marido fundaron en 1955 WAIF, siglas correspondientes a la Fundación Mundial para la Adopción Internacional, una importante organización, pionera en su tipo, que ubicaba a niños extranjeros con matrimonios estadounidenses. Jane se interesó también en la caridad, y lideró grupos de ayuda comunitaria que recaudaban fondos para beneficencia.

La 20th Century Fox la requirió entonces para tres superproducciones que se transformaron en rotundos éxitos de la época. En “Gentlemen prefer blondes” (1953) interpretó a la corista Dorothy, que hacía palidecer a la diva Marilyn Monroe, mientras cazaban millonarios por el mundo; en el western “The tall men” (1955) compartía protagonismo con Clark Gable, Robert Ryan y Cameron Mitchell y en la divertida “The revolt of Mamie Stover” (1956) de Raoul Walsh junto a Richard Egan y Agnes Moorehead. En 1955 fundó su propia productora con su marido, la Russ-Field, y filmaron películas en las que no siempre aparecía Jane: la secuela del éxito de la Fox titulada ahora “Gentlemen marry brunettes” (1955), “A king and four queens” (1956) con el consagrado Clark Gable y Eleanor Parker, “Run for the sun” (1956) con Richard Widmark y “The fuzzy pink nightgown” (1957) protagonizada por la propia Jane Russell.

A fines de 1957 presentó su show unipersonal en Las Vegas, iniciando luego una larga y exitosa gira por casi toda América y Europa con el espectáculo. Jane fue así priorizando su carrera en el teatro, dejando de lado al cine que la hiciera popular. Durante los años posteriores continuó con sus tours por los estados más variados de su país y probó suerte en el medio televisivo sin demasiado éxito. En los setenta protagonizaría el musical “Catch me if you can” en Broadway con excelentes críticas y no volvería a trabajar, salvo muy esporádicamente, en cine. Una verdadera diva de Hollywood y una actriz con todas las de la ley.

****

SABINE AZÉMA
Picardía francesa

El rostro de Sabine Azéma puede expresar una muy variada cantidad de emociones, pero bajo -o sobre- todas ellas siempre se encontrará cierto rasgo de simpatía, de picardía, que nos hace admirarla aún más como actriz. Musa de su compañero actual, Alain Resnais, nos ha deleitado además con varias actuaciones que recorren buena parte del cine francés de los últimos años. Debutó en “On aura tout vu” (1976) una comedia escrita por Francis Veber, junto a Pierre Richard, Miou-Miou y Jean-Pierre Marielle a la que seguirían otra comedia junto a Michel Galabrú y un drama con Isabelle Huppert.

De pequeña y junto a sus dos hermanas hacía el recorrido en auto que su abuelo, veterinario, llevaba a cabo para atender a los animales de la región, mientras comenzaba a ir al Louvre con su padre abogado todos los domingos. Luego de terminar sus estudios, asistió al conservatorio para desarrollarse en la actuación, dando así lugar a la vocación que ya despuntaba en las representaciones caseras que realizaba con sus hermanas y amigos. Luego partiría a Inglaterra, dónde conocería a su primer marido el dramaturgo Michel Lengliney. Al volver a Francia, llegaría su debut teatral en 1974 con “La valse des toréandors” de Jean Anouilh con Louis de Funès, en un rol que la llevaría a la fama.

En 1981 aparecerá en su primer protagónico en cine junto a Pierre Vernier en “On n’est pas des anges… elles non plus” una comedia de Michel Lang, para luego encontrarse por primera vez con Resnais en “La vie est un roman”, donde compartiría cartel también por vez primera con Pierre Arditi, André Dussollier y Fanny Ardant más Vittorio Gassman y Geraldine Chaplin, sin pasar desapercibida. Luego vendría su heroína trágica teatral de “L’amour à mort” de Resnais con guión de Jean Gruault y entre estas dos “Un dimanche à la campagne” de Bertrand Tavernier y con Michel Aumont. “Zone rouge” de Robert Enrico y “La puritaine” de Jacques Doillon le permitieron codearse con compañeros de la talla de Michel Piccoli, Richard Anconina, Hélène Surgère, Sandrine Bonnaire y Jacques Nolot.

“Mélo ou le temps d’un retour” le terminó de dar el prestigio dramático, repitiendo por tercera vez con Resnais en la dirección y Ardant, Arditi y Dussollier como actores. En “Cinq jours en juin” un drama ambientado en la segunda guerra mundial, compartió cartel con Annie Girardot y en “La vie et rien d’autre” con Philippe Noiret. Repite por quinta vez con Arditi en “Smoking/No smoking” de Resnais en una comedia de Alan Ayckbourn que le permite un gran lucimiento. En 1995 aparece en un elenco estelar y multitudinario encabezado por Michel Piccoli en “Les cent et une nuits de Simon Cinéma” de la talentosa Agnès Varda.

Nacida en París, en septiembre de 1949, Azéma contó entre sus mejores amigos al fotógrafo Robert Doisneau, a quien dedica su único largometraje como realizadora hasta ahora, “Bonjour Monsieur Doisneau ou Le photographe arrosé” (1992). Jane Birkin, Jean-François Stévenin, Michel Serrault, Carmen Maura, valeria Bruni-Tedeschi, Olivier Martinez y Jean-Pierre Darrousin trabajaron con ella durante la década de los ’90 en películas donde se luce en papeles grandes o pequeños. Mientras “On connait la chanson”, “Pas sur le bouche” y “Coeurs” le dieron la oportunidad de lucir a pleno su capacidad para el humor y el canto. Todas por supuesto de la mano de Resnais que la vuelve a dirigir ahora en “Les herbes folles”. Llegamos así al final de este recorrido parcial hasta la época actual de la carrera de una de las primeras actrices de la comedia francesa.

****

LUC MOULLET
El particular humor de un desconocido

Parisino. Nacido en 1937. Hermano del actor, músico e inventor Patrice Moullet. Profesor en La Sorbona. Definido como “el primo chistoso de Godard” o, más justamente por Jean-Marie Straub como “el único heredero tanto de Buñuel como de Tati”. El comediógrafo/comediante desconocido de la Nouvelle Vague. Es el que cuando sus colegas críticos de “Cahiers du cinéma” hablaban de una “política de autores”, publicaba un libro llamado “Política de actores” sosteniendo que las estrellas pueden ser tan autores de las películas como los directores. Defensor del cine clase B y por sobre todo un gran desconocido, ese es Luc Moullet.

Tal vez por esa misma condición, Moullet decidió en “Le prestige de la mort” interpretar a un director que finge su muerte para conseguir apoyo financiero y renombre, cuando decidiera retornar. Pero le sale mal. Hay un director mucho más famoso que él que muere ese mismo día y adiós a los planes. Esta comedia tiene lo mejor del cineasta (¿o uniasta?), una serie de gags que a base de disparates hace que las carcajadas del espectador no tengan descanso. Para ello cuenta con la mítica Bernadette Lafont que lo acompaña en una parte de sus correrrías.

“Brigitte et Brigitte”, por su parte, empieza con un planteamiento donde la confusión de identidades, característica que comparte con “Le prestige…”, sigue con la descripción de una amistad y termina justo en el momento de la traición. Brigitte y Brigitte son dos estudiantes que le sirven a Moullet para reirse del estudiantado de la época y, como consecuencia, del actual con el agregado de que él mismo es profesor actualmente en la vida real. Además cuenta con cameos de Eric Rohmer, Claude Chabrol y Samuel Fuller.

Tanto en el largometraje “Parpaillon” como en el corto “La caballe des oursins”, Moullet muestra más de cerca su afición por escalar montañas que se extiende de una manera u otra por toda su filmografía. En la primera de ellas las competencias de bicicleta, tan populares en Francia, son la excusa para dejar clara una metáfora tambien repetida en su filmografía, la vida es cuesta arriba, el secreto está en como la enfrenta cada uno. En el corto el director compara diferentes tipos de montañas y terrenos, con alusiones obvias al cuerpo humano o a diferentes situaciones de la vida.

Jean-Pierre Léaud (actor fetiche de Truiffaut) y Sabine Haudepin (la niña de “Jules et Jim” algo más crecida) son los protagonistas de “Une aventure de Billy le Kid” y de “La comedie du travail”. En el primero, un western, se consigue una comedia extraña, surrealista, de tiros, de amor, ¿de celos? que resulta muy interesante por su cantidad de particularidades. “La comedie…” está compuesta por una serie de entrevistas laborales y tres personajes dos desempleados y una de las entrevistadoras que sirven a Moullet para hablar de la rutina, de los avisos clasificados, de accidentes y de muertes en el trabajo, todo en un tono exacto de comedia.

“Essai de ouverture” sobre las desventuras de un hombre que pasa toda su vida tratando de abrir un envase de gaseosa y “Ma premiére brasse” sobre la odisea de un hombre que desea aprender a nadar y no lo consigue, son dos cortometrajes geniales y muy divertidos. Por último “Les sieges de l’Alcazar” se divierte con la profesión de crítico cinematográfico, haciendo dudar a sus personajes sobre la valoración de una película al saber de antemano el nombre del director o creando diferentes categorías de butacas de cine. Un director que se divierte creando situaciones incómodas para sus personajes -entre los cuales se cuenta-, generando grandes momentos de humor.

****

MARLENE DIETRICH
Personalidad en pantalla

Nació el 27 de diciembre de 1901 bajo el nombre de Marie Magdalene Dietrich. La menor de dos hermanas, asistió a colegios en su Berlín natal y en Dassau. A los once años ya había adoptado el nombre de Marlene, nacido de una contracción de sus dos nombres de pila. Fue huérfana de padre a edad muy temprana, aunque tuvo una figura paterna en el segundo esposo de su madre que falleció cuando ella era una adolescente. Se interesó prontamente en la poesía y el teatro y tomó lecciones de violín pensando en volverse concertista hasta que se lesionó una muñeca.Durante su juventud no se privó de algún romance con un profesor y comenzó a asistir a cabarets para luego pasar a formar parte de las coristas que ofrecían sus espectáculos allí.

Había audicionado como actriz, pero no había logrado demasiado y tampoco llamaba la atención especialmente en sus shows nocturnos ni en sus apariciones esporádicas como actriz de reparto en algún drama teatral. Alrededor de 1922 hizo su debut en cine en un pequeño papel en “So sind die männer”. Ese año conoció a quien sería su esposo legal hasta el final de sus días aunque se hubiesen separado luego de cinco años de pareja. Su única hija Maria nacería en 1924. En teatro comenzaba a interpretar papeles escritos por Shakespeare, Wedekind o Shaw y en cine comenzaba a tener papeles más grandes en películas como “Café Electric” (1927) o “Ich küsse ihre hand, Madame” (1928). Pero era en sus shows musicales en vivo donde llamaba más la atención.

En 1930 llegaría su consagración cinematográfica con “Der blaue engel” de Joseph Von Sternberg que se convertiría en su descubridor y en su pareja. Inmediatamente se trasladó a Hollywood donde filmaría “Morocco” y se la promocionaría como la respuesta de la Paramount a la sensación sueca de la Metro Goldwyn Meyer, Greta Garbo. Luego vendrían todas bajo las órdenes de Von Sternberg “Dishonored”, “Shanghai Express”, “Blonde Venus”, “The scarlet Empress” y “The devil is a woman”, convirtiéndose así en la glamorosa femme fatale que todos conocemos y sin lugar a dudas no olvidamos.

Luego actuaría en películas de directores muy reconocidos como “A foreign affair” (Billy Wilder), “Witness for the prosecution” (Wilder otra vez), “Touch of evil” (Orson Welles), “Judgement at Nurenberg” (Stanley Kramer) y “Stage fright” (Alfred Hitchcock). Marlene fue tentada por miembros del partido nazi para regresar a Alemania pero ella rechazó la oferta y se convirtió en ciudadana estadounidense en 1939. Una vez declarada la segunda guerra mundial Dietrich encargadas de entretener a las tropas aliadas. Era abiertamente anti-nazi y despreciaba el antisemitismo.

En esa época grabó una serie de canciones al respecto que incluyeron la famosa “Lili Marleen”. Luego vendrían sus presentaciones como cantante en varios tours mundiales que incluirían canciones alemanas traducidas al inglés y otras tantas del famoso compositor Burt Bacharach. Algunas declaraciones de Marlene tienen rigurosa actualidad: “… En Europa se han desarrolado filmes adultos que consiguen una madurez que en Estados Unidos no es posible, salvo por algunas rarezas.” En otras se refiere al medio cinematográfico en sí: “Las películas son un medio completamente técnico, uno como artista tiene poco que decir, las máquinas son lo importante.” lo que se explica viendo los directores con quienes trabajó. Y por último una clasificación para los actores: “Hay dos tipos de actores, el que entra a la actuación para satisfacer sus propios deseos y ahorrarse la terapia y el que actúa para complacer al público. El primer tipo no puede ser objetivo con su trabajo el segundo sí. Yo me considero parte del segundo.”

****

JOHN LASSETER
Tras los cortos de Pixar

El estudio de animación más brillante del momento nació con algunos hombres sentados en el suelo pensando una serie de cortometrajes. Cortos que el fundador del estudio, John Lasseter ha decidido continuar dando oportunidad, a los jóvenes que trabajen con él y así lo deseen, de realizar su primera experiencia contando el apoyo que él recibió. Y así continuar con el espíritu Pixar. Desde la lentitud de los equipos con los que trabajaban al principio, casi anónimos, a la tecnología que disponen en este momento y siendo el principal creador de animaciones del mundo, se ha recorrido un largo camino.

La primera oportunidad de animar y crear personajes que se le presentó a Lasseter fue con “The adventures of André & Wally B.” (Alvy Ray Smith) allá por 1984, con una tecnología muy pobre se lograba un buen resultado. Luego vino la dirección del que sería el corto que marcaría el comienzo de Pixar, “Luxo Jr” la historia de una lámpara de escritorio, su pequeño retoño y una travesura. Todo nació de la pregunta: ¿Cómo sería el pequeño hijo de una lámpara? Para la época del siguiente, “Red’s dream” Lasseter contaba con un equipo más sofisticado pero que debía compartir con los demás.

Con estos dos cortos John Lasseter logra algo increíble, dotar de expresividad elementos inanimados sin utilizar ojos, bocas o narices. El siguiente fue un muy buen trabajo en colaboración de homenaje a Chuck Jones y la Warner Bros. “Knick knack”, luego del cual dudaron si continuarían ya que no producían dinero con estas pequeñas animaciones. Pero recibieron apoyo inmediato, ya que se habían ganado el respeto y la admiración de todos. Entre estos dos últimos había aparecido “Tin toy”, que mostraba a un juguete y su temor a un bebé, además de su necesidad de atención. Este fue el origen del primer largometraje de Pixar dirigido por Lasseter “Toy story”.

Le seguirían, manteniendo un increíble nivel de calidad y creatividad: “Geri’s game” (Jan Pinkava), “Boundin’” (Bud Luckey), “One man band” (Jimenez-Andrews) y los nuevísimos “Lifted” del excelente sonidista y colaborador desde el principio de Pixar, Gary Rydstrom y “Your friend the rat” (Jim Capobianco) una pequeña maravilla que combina distintas técnicas de animación. “Mike’s new car” (Docter-Gould), “Jack-Jack attack” (Brad Bird) y “Mater and the ghostlight” (Lasseter-Scanlon) fueron pequeñas e independientes continuaciones de los largos “Monster’s Inc.”, “The Incredibles” y “Cars”.

Para el final uno de los más divertidos, que posee los personajes más definidos, un gran guión y una animación notable: “For the birds” de Ralph Eggleston. La historia de varios pájaros pequeños que se enfrentan a un dilema cuando deben compartir su espacio con un pájaro más grande. Todas pequeñas maravillas imperdibles, para no dejar de ver y admirar la capacidad técnica e imaginativa del grupo de creadores de Pixar.

****

CLAUDE CHABROL
El lado oscuro de la burguesía

Evacuado durante la ocupación alemana en Francia, Chabrol ya organizaba en sus años de juventud funciones de cine junto a un amigo en un granero. Desempeñó durante un tiempo las funciones de proyectorista, programador y exhibidor logrando burlar las censuras del régimen. Al volver a París, luego de la liberación empezó a acudir a cineclubs dónde conoció a gente como Jean-Luc Godard, Eric Rohmer, Jacques Rivette y Francois Truffaut. Así fue invitado a colaborar en la legendaria revista Cahiers du cinema.

Trabajó como publicista de la 20th Century Fox parisina y junto a Rohmer publicaron un influyente libro sobre Hitchcock. En 1957, Chabrol filma gracias a una herencia dejada por su esposa “Le beau Serge”, película fundacional de la Nouvelle Vague que usaba por primera vez ciertas marcas que luego formaron parte distintiva de ese movimiento como el uso de actores sin experiencia y desconocidos, una edición cruda, grandes locaciones de filmación y mucho sentido de la espontaneidad.

Chabrol ha fundado su filmografía en la atención sobre la moral burguea, el asesinato, la culpa y el compromiso moral. Obras maestras como “L’enfer” -heredada de un guión de Clouzot y con una espléndida Emmanuelle Bèart-, “La rupture” -genial y negrísima visión del interior de una familia acomodada con la talentosísima Stéphane Audran- o “Madame Bovary” -una adaptación modélica de la novela de Flaubert con la única Isabelle Huppert- lo consagran como uno de los grandes directores contemporáneos.

Las estructuras de sus películas vienen de la confrontación de personas imaginarias con diferentes caracteres, no tienen una trama. Según él: “Los personajes se revelan solos, su relación evoluciona, establece su química y la audiencia no se da cuenta de que no hay argumento.” Así nos ha mostrado una serie de historias con personas que se revelan cada vez más oscuras como en “Masques”, “La demoiselle d’honneur”, “La fleur du mal”, “La cérémonie”, “Merci pour le chocolat”, “Violette Noziere” y “Une partie de plaisir”.

Aunque filma situaciones límite odia la tensión durante los rodajes. Ha incursionado en la televisión francesa en ciclos o miniseries como “Fantomas”, “Nouvelles de Henry James”, “Les dossiers secrets de l’inspecteur Lavardin” y más recientemente en “Chez Maupassant”. Gran director con un fino sentido del humor y la ironía, Claude Chabrol ha conseguido mantener su vigencia hasta nuestros días con trabajos como “L’ivresse de pouvoir” o su último opus “La fille coupée en deux”.

****

ALEJANDRO AMENÁBAR
Inquietar es lo suyo

De pequeño se pasaba el tiempo viendo películas, entre ellas su preferida “2001: A space odysey” de Stanley Kubrick, un poco más grande coleccionó bandas sonoras y luego comenzó con la música, que pronto le resultó difícil de separar de su otro trabajo cuando comenzó su carrera de realizador, apadrinado por José Luis Cuerda. Desde un principio sus propuestas llamaron la atención.

“Abre los ojos” significó una propuesta distinta, inteligente y sofisticada dentro del cine español. La historia de ese personaje banal interpretado por Eduardo Noriega que se ve enfrentado a demonios propios y ajenos, en un guión que juega con nuestras percepciones de la realidad y nos lleva a compartir su estado de desesperación y paranoia, resulta un excelente ejemplo de suspenso fantástico bien construído.

“Creo que una de las mejores formas de expresar las obsesiones y paranoias de los seres humanos es el género de suspenso. Tanto el horror como el suspenso tienen que ver con cosas que no conocemos, preguntas que yo me hago y que quiero que los espectadores se hagan. Preguntarse sobre la muerte por ejemplo…” Dice Amenábar.

“The others” marcó su primera experiencia en otro idioma y con una estrella de Hollywood, Nicole Kidman, en el papel de una mujer que comienza a percibir que ciertas cosas cambian a su alrededor, cierta extrañeza la comienza a abrumar y a crearle un entorno cada vez más hostil. Un buen ejemplo de suspenso y una muy buena forma de iniciar una carrera internacional.

“Me gusta jugar con lo no visto, con figuras ocultas, con sombras. Prefiero fantasmas humanos que no pueden caminar a través de las paredes. El no mostrarlo todo. He jugado con eso, me gusta lograr ese… miedo primario en la gente.” Sigue.

Autor de la idea y productor del corto “El soñador” de Oskar Santos Gómez. Compositor de las bandas de sonido de “Nadie conoce a nadie” y el corto “Allanamiento de morada” de su habitual co-guionista Mateo Gil, “La lengua de las mariposas” de Cuerda y de “Al lado del Atlas” de Guillermo González Groizard. Los largos “Tesis” y “Mar adentro”, además de los cortometrajes “La cabeza”, “Himenóptero” y “Luna”, completan su filmografía como director.

Para el final dejamos que él se defina: “Yo soy agnóstico. Pero creo en los fantasmas como metáforas, como excusas para hablar de otras cosas… relaciones de pareja, el lado oscuro de una familia, niños atrapados, relaciones de poder… No importa si resultan correctas o no. Los fantasmas de las películas son sólo la llave.”

****

PIETRO SCALIA
Técnica al servicio del talento

Este graduado de la Escuela de Cine, Teatro y Televisión de la UCLA en USA, nació en Sicilia, Italia en 1960. Luego se mudó a Suiza con sus padres. Al comienzo su idea era ser director cinematográfico y llegó a realizar guiones, un par de cortos, dos videodocoumentales y un film de tesis en 16 mm.

Como asistente de editor debutó en “Shy people” de Andrei Konchalovski ysu arte como montajista se puede apreciar en películas como “Gladiator” y “Hannibal” de Ridley Scott, “Little Buddah” y “Stealing beauty” de Bernardo Bertolucci, “The quick and the dead” de Sam Raimi y “Masked and anonymous” de Larry Charles de la que también fue productor ejecutivo.

Empezó con Oliver Stone, director al que admiraba por su trabajo en “Salvador”, en “Wall Street” y “Talk radio” a las que luego les siguió “JFK” donde compartió responsabilidades con Joe Hutshing en uno de los trabajos más grandiosos de edición de todos los tiempos.

“Es increíble descubrir el poder del montaje, lo que se puede hacer con la imagen, el sonido y los dialogos. Es una reescritura final y como lo ha dicho David Mamet, al final es en la sala de montaje donde se hace un film.” ha expresado.

La última tecnología a beneficiado notablemente el trabajo de Scalia: “Es increíble la calidad de los sistemas, como los de Avid, que tenemos a nuestra disposición. Realmente nos ayudan a manipular sonido e imagenes, y gracias a eso hacemos que el publico evoque sentimientos y podamos crear algo con carga emocional e interpretativa. Es muy importante llegar al publico desde la primera imagen, si puedes atraparlo desde el primer momento y mantener su atencion durante la pelicula, puede que influyas en como se sienten al terminar la proyeccion y mucho despues de haberla visto.”

Cortes, correcciones de color y previsualizaciones de efectos visuales, ademas de ciertos trabajos de sincronizacion de sonido, se hacen con esta configuracion de almacenamiento compartido y edicion de Avid. Por ella, todo el equipo de montaje puede disponer de multiples opciones creativas, con un gran numero de elementos visuales y de sonido. Gracias al sistema Avid Unity MediaNetwork, los montadores pueden dedicar menos tiempo a los aspectos tecnicos (transferir medios, intercambiar ficheros) y pueden centrarse más en su labor artistica.

Su anunciado debut como director que se producirá por fin con “Mexicali” a estrenarse en 2008, la reciente “Hannibal rising” y la próxima y la seguramente muy taquillera “American gangster”, nuevamente con Scott, son los últimos proyectos de este talento italiano con mucho por delante.

****

GREG CANNOM
Eclécticamente genial

Trabajos muy distintos e igualmente notables. Eso es lo que caracteriza el trabajo de Greg Cannom. “Bram Stoker’s Dracula” de Francis Ford Coppola, “Master and commander: The far side of the world” de Peter Weir, “The insider” de Michael Mann, “Batman returns” de Tim Burton y “The fury” de Brian de Palma se cuentan entre los filmes que han contado con el en sus elaborados maquillajes. A continuación una mirada detallada a uno de sus grandes trabajos en el genero de terror “A nightmare on Elm Street 3 Dream warriors”.

“Conocia al director, Chuck Russell, y sentia el potencial que habia para un real tour de force de efectos visuales de cualquier tipo. Sabia que iba a ser un proyecto divertido. Luego de ver el presupuesto que habia para nuestro trabajo supe que ibamos a tener que buscar la forma de hacerlo mas barato.”

Uno de los efectos mas logrados fue el de las venas y arterias del personaje de Phillip saliendo de su cuerpo para ser manejado como marioneta por Freddy Kruger (el genial Robert Englund). “La parte mas complicada fue la de encontrar un pegamento que sostuviera los tendones en las muñecas del chico y en los canales construidos dentro de un falso brazo, que no se saliera cuando la tension fuese aplicada”.

Pero su efecto preferido es cuando el cuerpo del personaje de Taryn se infla y sus venas se agrandan. “Inicialmente iba a ser un cuerpo falso, pero por falta de tiempo y dinero tuvimos que buscarnos una nueva forma de hacerlo. Tomamos una goma especial concentrada y la extendimos. Luego pusimos mangueras bajo ella que fueran con el cuerpo de la actriz. Quedo como un traje y se ve realmente bien cuando las mangueras cobran movimiento.” Luego surgió un problema con el lugar desde donde se haria la toma y esto costo mas de lo esperado.

Otro problema surgió en la toma donde la cabeza del personaje explota. “Habiamos hecho una cabeza de gelatina con explosivos dentro. La dejamos en un deposito hasta que la escena se filmara. Lamentablemente los pequeños explosivos se habian humedecido, entonces cuando exploto solo los ojos volaron”.

Lástima. En “Flatliners”, “Hannibal”, “Blade”, “The lost boys”, “Mrs. Doubtfire”, “Dick Tracy”, “The mask”, “The shadow”, “8 heads in a duffel bag”, “Roommates”, “Ali”, “Bicentennial man”, “Hoffa”, “Alien3″, “Star Trek VI The undiscovered country”, “Poscards from the edge”, “Cocoon” y “Thriller” se encuentran otros de sus logros. En television se destaca su trabajo en la serie “Tales from the crypt” y un capitulo que dirigio para la serie de culto “Monsters” en 1988. Un verdadero profesional ya se trate de crear maquillajes sutiles o recargados.

****

GARY RYDSTROM
Sonido al detalle

Rydstrom es uno de los grandes especialistas en esa disciplina generalmente olvidada o poco tenida en cuenta que sin embargo es esencial, el sonido.  Nacio en Chicago 1959 y entre sus trabajos se encuentran “Punch drunk love” de Paul Thomas Anderson, “X Men” de Bryan Singer, “Strange days” de Kathryn Bigelow, “Quiz show” de Robert Redford, “The terminator” y “Terminator II Judgement day” de James Cameron y “Remo Williams The adventure begins” de Guy Hamilton. En todas ellas realizo diferentes tareas, a cargo de distintas areas.

Con Pixar y John Lasseter en la direccion hizo los cortos de Luxo Jr. “Surprise” y “Light & Heavy” y el famoso “Tin toy” y los largos “A bugs life” y los mega exitos “Toy story” y “Toy story 2″. Para el mismo estudio hizo “Finding Nemo” de Andrew Stanton y Lee Unkrich y “Monsters, Inc.” de Pete Docter, David Silverman y Lee Unkrich. Ha sido diseñador, mezclador, editor y supervisor de sonido ademas de diseñador de efectos sonoros en más de setenta películas.

Una explicación práctica en sus propias palabras para entender cual es la diferencia, por ejemplo, entre mezcla y edición de sonido. “La edición es la creación. Es armar y elegir los sonidos, cada parte de ellos. Lo que termina siendo un equivalente a lo que realiza visualmente un escenógrafo. La mezcla tiene que ver mas con el director de fotografía, es tener el balance correcto entre todos los componentes que forman el sonido del film, o sea banda de sonido, diálogos, ruidos… Para conseguir que funcione emocionalmente.”

Piensa a su vez que “el sonido es subliminal, inconsciente. Tiene mucha importancia en como se percibe una pelicula, aunque la gente no este al tanto de ello. Es capital en el resultado final de un filme.” Al prestarsele tan poca atencion a esta area, en la mayoria de las producciones a nivel mundial tenemos dialogos que no se escuchan, disparos que no suenan como tales o doblajes de pesima calidad que no llegan bajo ningún concepto al nivel del original.

Disfruta mucho su trabajo y rediseña el sonido de sus filmes para las ediciones en DVD donde aprovecha para hacerlo mas “pegador y claro” y con una concepcion distinta a la de las salas cinematograficas. Esta nueva edicion se hace pensando en el balance de un ambiente obviamente mas pequeño y el sonidista confiesa que disfruta mas de los trabajos realizados por los demas de esta manera, en la traquilidad del hogar.

Entre sus intervenciones en animacion tambien se cuenta “James and the giant peach” de Henry Selick. Otros trabajos suyos: “Hercules”, “The yards”, “Ghostbusters 2″, “Backdraft” y “Cocoon”. En 2006 termino su corto de ciencia ficcion “Lifted” producido por Pixar que se estrenara con la producción del estudio “Ratatouille”. Un profesional para disfrutar en version original.

****

AGE & SCARPELLI
Indispensables

Una de las obras maestras que llevan su firma:
“Il buono, il bruto, il cattivo” de Sergio Leone

Algunos de sus diálogos en esa película:
Tuco: – dios está de nuestro lado porque odia a los Yanks.
Hombre sin nombre: – dios no está de nuestro lado porque también odia a los idiotas.
Hombre Sin Nombre: Verás, hay dos clases de hombre en este mundo amigo, aquellos con un arma cargada y aquellos que cavan. Tu cava.
Tuco: Si trabajas para vivir, ¿por qué te matas trabajando?

Agenore Incrocci (Age) y Furio Scarpelli escribieron juntos 120 peliculas. Cuantas veces hemos visto sus nombres los que seguimos el cine italiano de esa epoca, muchas sin duda.  Los reunió uno de los más grandes cómicos italianos Toto en “Toto cerca casa”. Con el hicieron varias películas entre las que se cuentan “Toto cerca moglie” y “Toto sceicco”. Los dos han estado involucrados en el ambiente teatral, el vodevil y los periódicos satíricos.

Nacieron en el mismo año, 1919. Scarpelli, hijo del director de un periodico nació en diciembre y se dedico desde joven al dibujo. Su hijo Giacomo se dedica como el a escribir peliculas y juntos hicieron “Il postino” de Michael Radford. Age se paso gran parte de su niñez de gira con sus padres actores, trabajo durante un tiempo en radio y estudio derecho. Estuvo en el ejercito frances y en el estadounidense. Fue prisionero de los alemanes durante la segunda guerra hasta que logró escapar.

Cada uno por su lado escribieron filmes como “Divorzio all’italiana” de Pietro Germi (de Age), “Celluloide” de Carlo Lizzani (Scarpelli) con Giancarlo Giannini y “Sinfonia d’amore” con Lucia Bose (Age). La situacion de estos escritores es especial porque han tenido continuidad durante largo tiempo. Age trabajó hasta su muerte y Scarpelli continua haciendolo.

Son los guionistas a duo de “I soliti ignoti”, “I compagni” y “L’armata Brancaleone” de Mario Monicelli, “I mostri” de Dino Risi, , “C’eravamo tanto amati” y “La terrazza” de Ettore Scola (donde Age trabajo también como actor), “Nudo di donna” de Nino Manfredi, “Il bigamo” con Marcello Mastroiani y Vittorio de Sica, “Bravissimo” con Alberto Sordi y “Signore e signori, buonanotte” dirigida entre otros por el recientemente fallecido Luigi Comencini. Dos de los indispensables para emprender un proyecto en el cine italiano en los ultimos cincuenta años.

****

KATHARINE HEPBURN
Única

“Bien, mi primer trabajo. Me habian llamado para preparame como suplente de la protagonista femenina. Naturalmente, estaba emocionada. Me aprendi el papel y me sente entre bambalinas absolutamente convencida de que podia hacerlo mejor que la protagonista. Era muy competente pero no tenia la ventaja de ser joven, absolutamente descarada y llena de una especie de confianza loca basada nada mas que en la energía y el ego.”

“En ese momento me parecía estar mortalmente asustada pero, recordandolo, no lo suficiente. Si abrían una puerta yo pasaba. Aunque la habitacion donde entrase estuviera en llamas. Una semana de ensayos y me piden que interpretara una escena. Debo haberla leído muy bien. Despidieron a la protagonista y me contrataron a mí.”

Introdujo en Hollywood una fuerza de caracter anteriormente poco deseada en los personajes protagonicos femeninos. Desde temprana edad fue motivada por sus progresistas padres a expander sus horizontes intelectuales, ser sincera y mantener una buena condicion fisica. Ella aplico lo aprendido durante toda su vida.

Su lugar preferido, Fenwick. Su familia siempre tuvo una casa alli, a orillas del rio Hudson, desde 1913 y Kate siempre la considero uno de sus paraisos. En la niñez pasaban los veranos alli, luego se convertiria en un lugar al que volvia recurrentemente a pasar temporadas con su hermano Dick. Fenwick esta rodeado de agua y esta a unos diez kilometros de Hartford, ciudad natal de Kate.

Alli pasó un huracán en 1938 que literalmente se llevo la propiedad, luego de que Kate y su familia la abandonaran momentos antes nadando. La reconstruirian y ella diria sobre el lugar: “Estamos aquí para bien o para mal. Es donde paso mi tiempo libre. Como podeis ver es la casa de una familia. Es algo rara pero funciona. Dick vive aqui. Yo vengo de visita: largos fines de semana.”

Nunca fue como otras estrellas. Opinadora e iconoclasta hizo lo que quiso negando entrevistas, usando ropa casual cuando el glamour era la regla y diciéndole a colegas mas experimentados que lo podían hacer mejor, si ella lo consideraba asi. Tuvo un excelente comienzo en teatro y volvía contínuamente a él.

“The Philadelphia story”, “The lion in winter”, “Bringing up baby”, “On golden pond”, “Guess who’s coming to dinner” y “Long day’s journey into night” son algunas de las películas en las que nos mostró su gran ductilidad y presencia. Se nos hace difícil pensar en una mujer igual.

****

DEAN TAVOULARIS
Un mundo en escenarios

Su primera pelicula “Bonnie and Clyde” de Arthur Penn. Una de las últimas que ha hecho “The ninth gate” de Roman Polanski. Nacido el primero de enero de 1932 en Lowell estado de Massachusetts. Su infancia y adolescencia transcurrieron en Los Angeles donde comenzo a respirar el aire hollywoodense. Tavoularis esta casado con la actriz francesa Aurore Clement, con la que se conocio en el plato de “Apocalypse now” donde ella tenia un papel que fue cortado en la edicion final.

Imponente. Grandioso. Detallista. Exacto. Minucioso. Clasico. Moderno. Contemporaneo. Son todas palabras con las que se puede definir el trabajo de este diseñador de produccion que se ha mantenido ligado durante la mayor parte de su carrera al director Francis Ford Coppola, con quien le une una gran amistad, que ya lleva varias decadas. Fue quien le contaba cuentos a su hija Sofia cuando era una jovenzuela acerca de la corte de Versalles y del siglo XVIII.

Suyos son los sets de “The conversation” donde muestra esos interiores de edificios tan normales, habituales y esas habitaciones repletas de equipos de sonido para saber lo que cierta gente dice. Sobre este trabajo cuenta una anecdota: “Sabiamos bastante tiempo antes que ibamos a hacer el film. El personaje de Hackman tenia que ser un mago de la electronica, por lo tanto me parecio bastante obvio suscribirme a esas revistas especializadas de esta clase de personas. Recibimos en total 30 de estas publicaciones, todas con el nombre y la direccion del personaje en ellas. Termino siendo un detalle muy importante.”

También “One from the heart”, un trabajo en estudios que transmite una estetica entre el pop y el kitsch con abundante neon, que se convirtio en una pelicula maldita y de culto luego de fracasar estrepitosamente en la taquilla. La estetica impresionante e imponente de los escenarios que recrean toda una epoca de Italia en “The Godfather Part III”. Los murales en las paredes de los despachos, los restaurantes, la ópera, asi como los cuartos mas pequeños de la familia Corleone y adversarios logran transmitir la atmosfera exacta del lugar.

El romanticismo del episodio “Life without Zoe” de “New York stories” resulta ideal para mostrar esas relaciones familiares en un entorno acogedor y “Tucker The man and his dream” con sus grandes salones de exhibicion y esos autos de epoca transitando esas calles perfectas son otras muestras innegables del talento todoterreno de este estudiante de arquitectura y pintura que tuvo un puesto en los estudios Disney como animador.

“Rumble fish”, “Peggy Sue got married” y “Jack” son otras películas en las que trabajo junto a Coppola. En el 2001 creo los escenarios del primer largometraje como director del otro hijo de Francis, Roman, titulado “CQ” con escenarios posmodernos adecuadisimos a la historia. Trabajó además con Michelangelo Antonioni, Wim Wenders y Philip Kaufman. Un hacedor de universos interiores y exteriores, un demiurgo cinematográfico.

****

EDITH HEAD
Hiperactiva e inventiva

Considerada la primera diseñadora para la mujer de todos los dias, Edith Head tuvo como uno de sus primeros trabajos ser profesora de frances. Comenzo estudiando arte y un dia se entero que en un estudio necesitaban dibujantes para los diseños de vestuario aunque le confeso a un amigo que no tenia idea siquiera de como dibujar una silueta humana, se presento. Enseguida se dieron cuenta que habia ido sin ninguna habilidad para el trabajo, pero no la despidieron, la contrataron como asistente del jefe de diseñadores. Aprendio muy rapido.

Se graduo en la Universidad de California y recibio un titulo de Stanford. En los sesenta supo sobrevivir a una epoca dura durante la cual se despedia a los vestuaristas de todos los estudios por ser muy caros, al comenzar el boom de la TV y temer una baja de publico por ello. Logro publicitarse y establecer lo que valia un vestuario de Edith Head. Paramount la animo a publicitar “mis peliculas” como ella solia llamarlas en el programa Linkletter’s House Party donde contaba con una audiencia de fans a las que aconsejaba como maquillarse, vestirse, peinarse o encarar una dieta. Era muy dura y honesta con ellas que la veian como su forma de contacto con las estrellas.

Vistio a las mujeres mas importantes del cine durante cuarenta años: Audrey Hepburn, Barbara Stanwyck, Anna Magnani, Grace Kelly, Bette Davis, Ingrid Bergman, Barbra Streisand, Shirley Mac Laine, Gloria Swanson, Veronica Lake,… Dirigio los departamentos de vestuario de la Paramount y de Universal. Cuando llegaron los tiempos en la que nadie la llamaba y se habia terminado su trabajo en los estudios ella personalmente llamaba a los directores para ofrecerse. Logro mantenerse en primer plano durante mas de cincuenta años. Realizo cientos de peliculas. Bette Davis realizo un discurso en su funeral al que asistieron estrellas como Cary Grant, Elizabeth Taylor o Natalie Wood, la llamo la reina de la moda.

“Pienso que los directores y productores astutos sienten que pueden agregarle seguridad a los actores por como los vestimos. Los actores a veces no tienen demasiado que ver con el papel y yo siento que les podemos dar la confianza necesaria, lo que resulta crucial.” Siempre sabia adaptarse al realizador de turno. “A Hitchcock le preguntabas: ‘Hitch, que te gustaria?’ y el contestaba: ‘Mi querida, solo lee el guion’ y luego tenia que ir a verlo con los diseños ya hechos. Con Mankiewicz fue solo una llamada me dijo ‘Amo tu trabajo, haz lo que creas que es correcto’.”

Sus colaboraciones con Hitchcock: “Family plot”, “Topaz”, “Torn curtain”, “Vertigo”, “Marnie”, “The birds”, “The trouble with Harry”, “To catch a thief”, “Rear window” y “Notorius”. Entre otros clasicos: “The sting”, “Sweet Charity”, “The nutty professor”, “The man who shot Liberty Valance”, “Funny face”, “The rose tattoo”, “Sabrina”, “Roman holiday”, “War of the worlds”, “Shane”, “All about Eve”, “Sunset blvd.”, “Samson and Delilah”, “The heiress”, “Sorry, wrong number”, “Double indemnity” o “Wings”. Edith Head una mujer hiperactiva de fuerte personalidad y unica en sus diferentes estilos.

****

JOE HUTSHING
Armando la vida

1981. Joe toma un libro de su compañero de cuarto en la Universidad de Oregon llamado “Introduccion al cine” y se siente atraido por la descripcion del trabajo de los editores porque tienen que manejar imagenes y poner musica alguna vez. Como Joe siempre disfruto de encadenar los ‘greatest hits’ y hacer colecciones musicales se imagino que ese trabajo le era adecuado. Se mudo a Los Angeles y puso su nombre en el boletin de la UCLA (Universidad de California, Los Angeles) ofreciendo sus servicios como editor. Casi inmediatamente fue llamado para montar un documental sobre cinco artistas. Con una total falta de experiencia en la edicion de video, fotocopio el manual de la editora de control “para tratar de entender como hacerla funcionar”. La produccion funciono muy bien y salio en TV.

Joe durante los siguientes años trabajando de voluntario en varios cortos de video de estudiantes en el AFI (American Film Institute).1987. Joe toma un trabajo de asistente con David S. Brenner, el segundo editor de Claire Simpson en una pelicula de Oliver Stone. Algunas de las sugerencias musicales de Joe llaman la atencion de Stone.

1989. Joe y Brenner forman un equipo y editan “Born on the fourth of july” de Oliver Stone. Joe esta presente en la filmacion de la escena crucial en Vietnam con Tom Cruise. Fue una escena agitada y el director cubrio de material a los editores. “Tomamos lo rodado, lo pusimos en diferentes cajas y lo ordenamos de forma que tuviera sentido. Fue un principio azaroso de edicion.”

1990. Otra vez Stone, con Val Kilmer en “The Doors”. Pusieron once horas de metraje juntas y en diferentes sesiones fueron quitando lo que no servia, como un escultor, para revelar la imagen deseada. Luego de que se les rompiera una sofisticada maquina, Joe con y Pietro Scalia, que lo asistia, tuvieron que realizar todo el montaje a ojo.

1991. El momento señalado. Se construia un monumento a la edicion cinematografica. Joe Hutshing y Pietro Scalia trataban de juntar todo el material rodado por Stone con la ayuda de 25 asistentes. “Este film era sobre conflicto. Stone queria reflejar el conflicto politico a traves de estilos narrativos conflictivos. Eso hizo del acercamiento a las imagenes algo muy desafiante, rompiendo todas las reglas convencionales.” El resultado: la epica “JFK” y su estimulante look visual.

Los años siguientes encontraron a Joe asistiendo la edicion de “Being John Malkovich” de Spike Jonze, editando “Jerry Maguire”, “Almost famous”  y otras producciones, juntando los fotogramas para que la vida de los personajes cobre sentido. No hay duda que era el trabajo adecuado para el.

****

RICK BAKER
Sobre monos y partes humanas

Helena Bonham Carter como una simpatica mona en “Planet of the apes”, Ron Perlman en el querible y grandote “Hellboy” y las transformaciones de Jack Nicholson en “Wolf” son parte de los trabajos increibles de este maquillador de primera categoria. Todo esta imagineria visual proviene de una infancia en la que se apasionaba por las peliculas de monstruos. El jovenzuelo Rick se preguntaba al verlas ¿como hacen esto? ¿como hacen aquello?

En la actualidad tiene construido el laboratorio de su pelicula preferida, “Frankestein” con un modelo de Boris Karloff incluído. Comenzó con maquillajes tradicionales y se fue interesando mas y mas en marionetas y animatronics -los alien de “Men in black” y su secuela-, porque le permiten hacer cosas que un simple maquillaje no. Aunque considera que la verdadera magia esta en tener un actor en el set con el maquillaje encima como sucedio con Martin Landau en “Ed Wood” de Tim Burton.

Los monos son parte importante en la filmografia de Rick Baker que tiene un especial afecto por ellos. Su primer trabajo en el tema fue en el “King Kong” de 1976. Siguio con “Gorillas in the mist” y con la citada “Planet…”, entre otras. “Los monos son individuos, tienen diferentes caracteristicas, como los humanos” dice, y asi llevo a cabo su trabajo en cada una de las peliculas, tomando en cuenta las razas y la mejor forma de representarlos en la pantalla, ya sea con cabezas mecanicas que parecen reales o con sutiles mascaras de goma para actores, para sus cabezas, pies o manos, que suelen ser las mas dificiles de hacer por la cantidad de movimiento que involucran.

Fue quien maquilló a Tommy Lee Jones y Jim Carrey -con el que también colaboró en “How The Grinch stole christmas”- como Two Faces y The Riddler en “Batman forever” y de el son tambien dos trabajos en peliculas fascinantes y perturbadoras como los rostros de “The fury” de Brian de Palma y las cintas de video saliendo de los cuerpos en “Videodrome” de David Cronenberg, o en la pelicula de culto “Escape from L.A.” de John Carpenter.

Con Eddie Murphy, el actor con el que mas ha trabajado, prepararon un video para convencer a los productores de la Universal de que necesitaban la escena con Murphy desdoblado en varios personajes en “The nutty professor”, luego de ver al actor con el maquillaje en tomas en las que les hablaba como los diferentes personajes, accedieron inmediatamente. “Coming to America”, “The haunted mansion” y “Life”, donde trabajo el paso del tiempo en Murphy y Martin Lawrence, han sido otros de los trabajos que compartieron.

Actualmente el origen de sus creaciones es a traves de las computadoras con programas como Photoshop y ZBrush, con los que ha aprendido a “Entrenar su ojo para ver lo que tiene frente a el” y no perderlo en alguna actualización. Ha colaborado en “Cocoon”, “Starman”, “Gremlins” y ha dado vida a “Ratboy” de la pelicula de y con Sondra Locke. Según él “Basado en la cara del actor con el que estes trabajando, hay solo cierta cantidad de cosas que puedes hacer antes de que un maquillaje deje de ser creible y se torne una mascara.” No hay duda de que Baker sabe manejar mas que bien ese limitado margen.

****

GABRIELLA PESCUCCI
La gran dama del vestido

Estudió en el Instituto del Arte de Florencia y en Paris, Milan y Roma. Debuto en el cine como asistente de Piero Tosi en películas de Lucchino Visconti (en “Morte a Venezia”), Francesco Rosi y Mauro Bolognini. Luego continuo su carrera alternando con directores como Dino Risi, Jean-Jacques Annaud y Anna Maria Tato. Colaboro con el sastre italiano Umberto Tirelli y tiempo despues recibio el prestigioso premio que lleva su nombre y es entregado por los mejores de esa disciplina.  Ha hecho trabajos para la television (“La traviata”, “Cavalleria rusticana” y “Manon Lescaut” todos dirigidos por Liliana Cavani), la opera y el teatro y es conocida por su apego al realismo historico de la epoca que le toca retratar. Pero vamos a ver algo mas de cerca un vestuario concebido por Gabriella Pescucci.

En la pelicula de Sergio Leone “Once upon a time in America” vemos a personajes de una elegancia en el vestir (como el de De Niro) que contrasta con la vulgaridad de otros (el de James Woods) y los sombreros, gorros o bufandas exactos para cada uno de ellos. Sin olvidar una escena en los que se lucen los trajes de baño enterizos, ni tampoco los vestidos sueltos y de escotes abiertos en el personaje de Elizabeth McGovern y en las demás  actrices en los años 20 y algun vestido mas conservador al final de la pelicula en los 60.

En “La nuit de Varennes” de Ettore Scola, Pescucci nos muestra un estilo a la vez elegante y teatral para narrar la historia de un escritor viajero (Jean-Louis Barrault) que en su travesía se cruzará con Casanova (Marcello Mastroianni). Muchas pelucas sombreros gigantescos, plumas y vestidos con vuelo para la época de Maria Antonieta. De la misma vestuarista son tambien los trajes de “La famiglia”, “Splendor” y “Che ora e” de Scola.

Junto al maestro Raoul Ruiz realizó “Le temps retrouve” la adaptación libre entre novela y biografia de Marcel Proust (Marcello Mazzarella). En esta oportunidad pudo vestir a Catherine Deneuve, Emmanuelle Béart, Arielle Dombasle, Chiara Mastroianni y Marie-France Pisier entre otras actrices galas, dándole a cada una de ellas lo necesario para resaltar su belleza natural.

“The adventures of Baron Munchausen” de Terry Gilliam marca el encuentro de Pescucci con un gran creador visual. Juntos desarrollan un estilo colorido y recargado para introducirse en la mente de un personaje tan extraño como el barón (John Nevile). También se marca la sutileza y la liviandad en las telas sobre todo en la aparición de Uma Thurman (Rose) como Venus. Para Gilliam trabajo ademas en la reciente “The brothers Grimm”.

Suyos son también las típicas camisas y pantalones de “Prova d’orchestra” y el anarquico vestuario de “La citta delle donne” de Federico Fellini. Le debemos el vestuario de la pasional e impactante “Addio fratello crudele” de Giuseppe Patroni-Griffi con quien volvio a colaborar con el en “Identikit” y “Divina creatura”. Podemos ver lo adecuado para cada clase social en los géneros de los trajes de “Charlie and the chocolate factory” de Tim Burton y lo maravillosamente estilizado y elegante del estilo de los varios trajes de “The age of innocence” de Martin Scorsese. Un paseo por la mejor ropa del cine, una gran creatividad al servicio de un viaje por tiempos reales o imaginarios que nos gusta creer y sentir. Y una modista de lujo, Gabriella Pescucci.

****

SERGEI EISENSTEIN
Los secretos intimos del cine

Desde temprana edad formó parte de un grupo de teatro fundado por él, ademas de saber alemán, inglés y francés a los que luego sumo las lenguas orientales. Dibujar formo siempre parte de su vida y gano dinero vendiendo caricaturas politicas con el seudonimo de Sir Gay. Sirvio en el ejercito ruso, estudio filosofia, psicologia, teatro y linguistica. En teatro formo parte de grupos avant-garde de su pais siguiendo el camino de Meyerhold en clara oposicion al teatro clasico representado por gente como Stanislavsky, ademas de actuar y hacer el vestuario y la direccion artistica de varias obras. En su puesta de “Hasta el mas sabio se equivoca” ensayo el reensamblado de varias de las escenas de mayor fuerza y se hablo por primera vez del Montaje de Atracciones que llevaria al cine.

Sergei Eisenstein, el maestro.”Stachka” (“La huelga”), su primera pelicula y su primera obra de arte está ya estructurada con angulos de camara expresionistas y un montaje que se constituia en un lenguaje con maximo poder de persuasion. Un poema visual que lleva las emociones a los extremos. Luego vinieron varios problemas con la censura de su pais que no lo dejaba estrenar sus filmes como el lo deseaba. Eran demasiado innovadores para el gusto de las autoridades. Algunos llegaban a buen termino, con modificaciones, otros no. El novelista James Joyce, el poeta y cineasta Jean Cocteau, el arquitecto Edouard Le Corbusier, la ensayista Gertrude Stein, el cineasta Abel Gance y ese fisico de apellido parecido, Albert Einstein se contaban entre sus admiradores de la época. Charles Chaplin fue uno de sus mejores amigos durante su estadia en Hollywood y despues de ella. En EEUU conocio y se volvio admirador de los dibujos de Walt Disney.

Luego se convertiria en profesor de cine al regresar a Moscu, mientras seguian sus problemas con el regimen de turno en Rusia. Escribio y mucho sobre cine. Aqui algunas frases suyas al azar, que ayudan a entender en que consiste el Montaje de Atracciones:
“El cine es semejante a un microscopio en el que un ligero matiz parece como una erupcion.”
“Pasar a un lenguaje poetico y metaforico sin la necesaria emocion y sin cautivar es absurdo.”
“En el proceso de filmacion el tono unico del film se fracciona en tomas separadas que existen por si mismas y que vuelven a cobrar unidad en una frase completa de montaje.”
“El juego compositivo es el resultado de la interrelacion entre la sensacion plastica causada por el cuadro precedente en colision o interaccion con el siguiente.”
“Así como sucede con los dipticos y tripticos de los grabados japoneses, la perfeccion de la obra acabada en cuanto a clima y tema solo se logra al observarlas en su conjunto.”
“Cada uno de los elementos sitúa al espectador bajo una accion sensorial o psicologica, mediante las cuales se obtienen de el determinadas sacudidas emotivas.”
“No nos hace falta un ‘cine-mirada’, sino un ‘cine-trompada’ resquebrajar los craneos con un cine-trompada.”

Dirigio “Las Walkyrias” de Wagner que fue atacada por los nazis porque decían que tenia “trucos judios deliberados”. Para alegria del gobierno de su pais dirigio “Ivan Grozny” (“Ivan El terrible”) y para su espanto la segunda parte “Ivan Grozny Boyarsky zagovor” (“La conjura de los Boyardos”), que nunca fue estrenada y el material de la que iba a ser la tercera parte destruido. Un resto que fue encontrado mostraba a Ivan interrogando a un mercenario como lo hacia la policia del regimen de su tiempo.

Con colaboradores como Grisha Aleksandrov -amigo, autor y co-autor de varios de sus proyectos teatrales y cinematograficos-, o dos profesionales de primera categoria con los que hizo gran parte de su obra cinematográfica como el gran Sergei Prokofiev en la musica y el director de fotografia Eduard Tisse, logro verdaderas composiciones en cada plano de sus filmes. “Ivan Grozny Boyarsky zagovor” se convirtio en su ultima pelicula y en ella logro lo que siempre quiso, la sintesis de gesto, sonido, vestuario, sets y color en una poderosa y polifonica experiencia.

****

BERNARD HERRMANN
El musico preferido de todos

”Yo pienso en mi como individuo, odio los cultos, modas pasajeras y circulos. Creo que solo la musica emocion e inspiracion es la que esta viva e importa.” Son palabras del compositor que todos hubieran querido tener y que algunos tuvieron. Un hombre que llevaba los tempos musicales hasta el paroxismo, produciéndonos como espectadores un gran placer.

Se conoció con Orson Welles en la radio y allí comenzó una colaboración que los llevaría desde ese lugar, donde estaban juntos en el famoso incidente con “War of the worlds” de H.G. Wells, hasta las partituras distintas y complementarias de “Citizen Kane” y “The magnificent Ambersons” en la que subrayó los dialogos incrementando la importancia de las palabras. Welles -que se burlaba del temperamento irascible del músico- decia tiempo despues de estrenada “Kane” que Herrmann -al que le decían Berny- era su responsable en el cincuenta por ciento. Mientras Berny no aceptaba aparecer en los creditos de “Ambersons” por la duración de la pelicula.

Con Alfred Hitchcock tuvo una colaboracion que daria varias de las mas inventivas partituras de la historia del cine. Desde “The trouble with Harry” hasta “Torn curtain” -pelicula que provoco su enemistad y que termino haciendo otro musico- hicieron juntos nueve filmes entre los que se cuentan “Marnie”, “Vertigo” y “The birds”. Pero fue “Psycho” sin duda la que termino de sellar el prestigio de Herrmann y tambien de Hitchcock. Usando solo una orquesta de cuerdas para complementar un filme en blanco y negro que necesitaba una musica en blanco y negro, Hitch no queria musica en la escena de la ducha pero Berny se salio con la suya y consiguió colocarla. La música imita los chillidos de los pajaros, lo que anuncia la identidad del asesino. El violin fue el primer instrumento que Herrmann toco en su vida.

Francois Truffaut se cruzo en el camino de Bernard brevemente para otra discusion de estilo -el director de la nouvelle vague queria una musica mas futurista- en “Farenheit 451″ que termino con Herrmann triunfando, la pelicula volviendose un fracaso y Truffaut mandandole una nota que decia: “Gracias por humanizar mi pelicula.”

Su carrera tambien incluye una relacion bastante menos problematica con Brian De Palma y cuatro filmes con Ray Harryhausen en los cuales le dio personalidad a cada uno de las criaturas creadas por este mito viviente, mediante la utilizacion de diferentes instrumentos con cada uno, incluida la mitica “Jason and the argonauts”. Un virtuoso de la musica con una personalidad fuerte y dominante, que logro su lugar en la historia del cine con musica que segun el “…puede colmar la pantalla con terror, grandiosidad, alegria o miseria con solo hacerla subir o bajar propia y suavemente.

****

PEDRO ALMODÓVAR
Rosa flor, rojo sangre

El autor del melodrama en el cine actual. Situaciones que en manos de otros se convierten en mera diversion o acumulacion de excusas argumentales, en manos de Pedro alcanzan dimensiones liricas y de disparate del bueno.

… Assumpta Serna & Nacho Martinez… Antonio Banderas & Eva Cobo… Carmen & Eusebio…, que fuerza, que altura dramatica alcanzan las escenas de la brutal “Matador”. Los colores saturados, las miradas enfermizas, esa unica posibilidad de amarse a traves de la pasion, el dolor, la muerte. Una autentica cumbre del cine en su estado puro.

Dos colaboraciones con Marisa Paredes en el protagónico, dos melodramas unicos “Tacones lejanos” y “La flor de mi secreto”. Victoria Abril y Paredes forman una pareja estelar con una quimica pocas veces vista en la pantalla. Hija y madre enfrentadas por el amor de un hombre. Un asesinato. Un travesti y un juez todo en uno, el inigualable Miguel Boseé Y Marisa cantando y su lagrima cayendo sobre el rouge en el suelo del escenario. Esa escena del polvo tras bambalinas entre Bosé y Abril. Momentos inolvidables para cualquiera que sienta el trepidar de esos tacones que se acercan.

Leo y su melancolía, Leo y su abandono y los zapatos que ajustan. Un marido ausente y la escritura como recurso para aliviar penas. Chavela Vargas cantándole a Leo su propia suerte. Una Amanda Gris “tan débil que no puede fingir, es incapaz de cualquier ficcion, de escribir una ficción que no siente y tampoco de ver la realidad que la rodea, que es muy negra y ella no tiene fuerza para volverla de otro color”, según Almodóvar. Una Paredes con momentos brillantes y una película con un personaje como pocas veces se le han escrito a una mujer madura. Un verdadero deleite para amantes de las novelas rosas.

Almodóvar y la risa mezclada con las neurosis femeninas. Otra vez Maura…, la admirable Barranco, Serrano, De Palma, Manver, Lampreave, criaturas fascinantes. “Mujeres al borde de un ataque de nervios” y un guión genial, con Banderas, Montesinos y Guillen como hombres timidos, abrumados o simplemente ególatras. Carcajadas y sonrisas se funden en una descripción cristalina de la vida acelerada de una ciudad.

Sólo algunas de las joyas de ese tesoro de personajes, escenas y situaciones para recordar de una filmografía única en su tipo con sus altos y bajos, como la de cualquier pequeño o, en este caso, gran director. Un autentico creador de los que todavía tienen mucho por ofrecer.

****

Críticas/Notas/Investigación/Especiales/Recopilación Entrevistas por:

GERÓNIMO ELORTEGUI

copyright 2006/2017