Entrevistas

LUC DARDENNE & JEAN-PIERRE DARDENNE
Sutil equilibrio entre realidad y ficción

Los belgas Jean-Pierre Dardenne (1951) y Luc Dardenne (1954) comenzaron su carrera cinematográfica en 1978 con el documental “Le chant du rossignol”, luego de haber estudiado teatro con el reconocido Armand Gatti, quien los incitó a filmar sus primeros videos. Jean-Pierre trabajó en una fábrica de cemento para juntar dinero para comprar equipo para filmar. Luc obtuvo un grado en filosofía y dio clases de guion y estética en la Universidad Libre de Bruselas. Ambos fundaron las compañías productoras Dérives (1975) y Les Films du Fleuve en 1994. Entre sus filmes encontramos los documentales “Lorsque le bateau de Léon M. descendit la Meuse pour la première fois” (1979), “Pour que la guerre s’achève, les murs devaient s’écrouter” (1980), “R… ne répond plus” (1981), “Regard Jonathan/Jean Louvet, son oeuvre” (1983) y “Gigi, Monica… et Bianca” (1997).

¿De dónde nacen sus argumentos?
L: Generalmente partimos de la realidad para construir una ficción. Partimos de hechos y situaciones comunes, los más ordinarios –incluso triviales, si se quiere–, que el público puede compartir fácilmente  y tratamos de evitar desarrollarlos de forma novelesca o de crear tensión excesivamente dramática. Muchos directores buscan conscientemente, ya desde el guión, escenas muy dramáticas, que a veces funcionan y otras no; a nosotros en cambio nos basta con mirar alrededor para encontrar, por ejemplo, una bicicleta. Se trata de dar vida a los personajes, dejarlos vivir y no dominarlos.

La situación económica de los personajes no es la mejor…
L: Los problemas económicos que mostramos en nuestras películas tienen que ver con procesos de reconversión industrial y pérdida de puestos de trabajo. Eso es lo que sucedió, entre mediados de los años ’70 y comienzos de los ’90 en la ciudad de Seraing, que es donde transcurren casi todas nuestras películas. Una verdadera conmoción económica y social. Incluso actualmente el cuadro general sigue siendo muy serio. Esa es la situación que reflejamos en nuestros filmes.

Ustedes no viven en Seraing, ¿verdad?
JP: No, nacimos y vivimos en Lieja.

¿Por qué eligen Seraing para filmar?
J.P: Porque allí vivimos en nuestra adolescencia. Además Lieja y Seraing están a sólo diez kilómetros una de otra.

¿En qué momento del rodaje deciden cómo van a contar el film?
JP: Trabajamos en continuo. Definimos la estética a la vez que escribimos el guión. Es parte de un todo. La dirección de la película debe estar en el guión escrito. Luego vienen los ensayos y el rodaje y algunas cosas cambian, pero en general todo suele estar preestablecido. Cuando el guión se cierra, la película está finalizada.

¿Adaptan su punto de vista especialmente a cada una de sus historias?
JP: Eso es el cine. La puesta en escena debe estar al servicio de lo que queremos contar. De lo contrario el cine estaría muerto.

Completan su filmografía los films de ficción “Leçons d’une université volante” (1982), “Il Court, il Court, le Monde” (1987), “Falsch” (1987), “Je pense à vous” (1992), “La promesse” (1996), “Rosetta” (1999), “Le fils” (2002), “L’enfant” (2005), “Dans l’Obscurité” (2007), Le silence de Lorna” (2008) y “Le gamin au vélo” (2011).

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DORIS DÖRRIE
Crisis + Incomunicación = Risas

Dirigió su primer documental “Ob’s stürmt oder schneit” en 1976 y tuvo su primer suceso internacional con “Männer…” en 1985. Luego vendrían otros como ¿Bin ich schön? de 1998 y “Erleuchtung garantiert” al año siguiente. Entre otras carreras cursó arte dramático, filosofía y psicología entre 1973 y 1975 en Estados Unidos. Al volver a Alemania estudió cine en la Hochschule für Fernsehen und Film de Munich. Ha dirigido óperas, sabe latín y griego y da clases de escritura de guiones en la HFF de Munich. Escribe novelas y relatos, que al igual que sus filmes han tenido gran éxito.

“Mis películas derivan de mis cuentos. No sabía escribir guiones porque cuando estudiaba en Alemania no había cursos de guion. Para mí se trata de encontrar la propia voz y creo que algo parecido ocurre con la literatura, es como cantar.” Comenta para comenzar Dörrie.

¿Y qué la atrae del mundo literario?
Me interesa y atrae como lectora la escritura visual, por eso trato de escribir con imágenes. Para mí la división entre guionismo y literatura no es tan grande: en guión cuento las imágenes de la literatura y en literatura quiero usar imágenes.

O sea que ambos mundos tienen mucho en común…
El guionismo y la escritura tienen que ver con escuchar y ver algo; mi escuela de diálogo fueron las películas documentales que sigo haciendo, ahí aprendí que raramente los diálogos son lógicos, raramente alguien responde a lo que se le pregunta, hay pocos momentos de verdadera comunicación.

Interesante.
También estoy convencida de que necesitamos una buena historia, pero cómo ocurre y cuánto sabor tiene, cuán profunda es, no tiene que ver necesariamente con la lógica, lo que es demasiado lógico no me interesa, se reduce a fórmulas que ya sabemos de memoria.

¿Y cuál sería una buena historia?
Es muy difícil decirlo, no hay reglas, las fórmulas son muy cuestionables. La transformación de los personajes es lo que me atrapa y también me interesa la descripción de un mundo desconocido… Saber algo nuevo de ese mundo interior o exterior, experimentar algo.

Experimento cuyo resultado seguramente generará varias risas o sonrisas cómplices del espectador conocedor y no conocedor del humor de Dörrie. Nacida el 26 mayo 1955 en Hanover ha dirigido además filmes documentales y de ficción como “Love in Germany” (1989), Keiner liebt mich” (1994), “Nackt” (2002), “How to cook your life” (2007), “Kirschblüten Hanami” (2008), “Die friseuse” (2010) y “Glück” (2012).

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PAULO BRANCO
Apostando al cine diferente

¿Qué le aporta su desempeño en la producción?
Un placer lúdico, el apetito por el riesgo, el privilegio de poder compartir con artistas su mundo, más interesante que el mío.

¿Cuánto interviene en la parte artística de las películas?
Eso cambia cada vez. Cada película es una aventura de pleno derecho. Las películas son, antes que nada y a menudo el fruto de encuentros.

¿Podemos encontrar un hilo conductor en los doscientos y tantos filmes que ha realizado?
Tratar de evitar lo polìticamente correcto o de rodar lo que resulta evidente. Para crear una brecha para lo diferente no para revolucionar el cine. Busco producir filmes que no sean maníqueos y para simple entretenimiento.

¿Por qué tantos filmes?
Por ser fiel a los cineastas con los que he trabajado. Fidelidad necesaria, según mi punto de vista, porque el sistema es muy cruel con aquellos realizadores que no tienen éxito comercial.

En su ya extensa carrera Paulo Branco posee largometrajes de realizadores como el mismo Oliveira (“Francisca”, “Le soulier de satin”, “A Divina Comédia”, “Vale Abraão”, “Um filme falado”), Raúl Ruiz (“Les trois couronnes du matelot”, “Fado majeur et mineur”, “Généalogies d’un crime”, “Ce jour-là”, “Mistérios de Lisboa”) João César Monteiro (“Silvestre”, “O último mergulho”, “As bodas de Deus”), Sharunas Bartas (“A casa”, “Septyni nematomi zmones”), Pedro Costa (“Casa de lava”, “Ossos”), Wim Wenders (“Der stand der dinge”, “Bis ans ende der welt”), Luc Moullet (“Le prestige de la mort”), Barbet Schroeder (“Tricheurs”), Jerzy Skolimowski (Cztery noce z Anna”), David Cronenberg (“Cosmopolis”) y Alain Tanner (“Dans la ville blanche”, “Requiem”, “Paul s’en va”).

Luego de haber estudiado química y en 1971 haber dejado Portugal por la dictadura que regía ese país, se radicó en París donde comenzó a asistir a la Cinemateca Francesa y se convirtió ya en 1974 en programador del Cine Olympic. En 1979 se lanza de lleno y un poco por azar a la producción con una serie de TV dirigida por Manoel de Oliveira y con dos cortometrajes realizados por Marguerite Duras. Tiene una compañía productora (Mandragoa Filmes) y dos distribuidoras (Atalanta Filmes, Medeia Filmes) en Portugal y la productora y distribuidora Gemini Films en París. Branco nació en Lisboa el 3 de junio de 1950 y es además un dedicado entrenador ecuestre.

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ELSA ZYLBERSTEIN
Inquietante dulzura

Zylberstein es un misterio, un enigma latente que se adivina como un pequeño torbellino parisino y cuando uno la conoce descubre que no está alejado de la realidad. La actriz de filmes como “Van Gogh” (1991) de Maurice Pialat, “Farinelli” (1994), “Jefferson in Paris” (1995) de James Ivory, “Metroland” (1997), “Demain on déménage” (2004), “La petite Jerusalem” (2005) de Karin Albou, “Il y a longtemps que je t’aime” (2008) y “Combat d’amour en songe” (2000), “Ce jour-là” (2003) y “La maison Nucingen” (2008), tres de Raoul Ruiz, cumple con los presagios.

¿Cómo fue su niñez?
Tuve una infancia bastante común y tranquila en los suburbios. Mi padre era un físico, mi madre trabajaba en Dior. Había como algo ritual, como un capullo estructurado y cerrado. Hice muchas clases de ballet, comencé en el dibujo y la música, pero hablaba poco, era tímida, había algo en mí que todavía no quería salir. Era una vida basada en el “tal vez”, sentía que tenía que esperar más.

¿Y entonces?
Asistí a Cours Florent. Yo era pequeña, no tenía senos, llevaba un jersey azul marino. Y los ojos de los demás te definen cuando se es tímido. Sin embargo, en la primera prueba me sentí elegida, era mi vida. Esa fe nunca me abandonó, Y ahora ha crecido. Y lo he escrito en un cuaderno con comillas. Copié la frase de Rilke: “Un año no tiene valor y diez años nada son. Ser artista es: no calcular, no contar, sino madurar como el árbol que no apremia su savia, mas permanece tranquilo y confiado bajo las tormentas de la primavera, sin temor a que tras ella tal vez nunca pueda llegar otro verano. A pesar de todo, el verano llega.”

¿Cómo encaras a un personaje?
El pelo y los zapatos, porque la apariencia te va dando la forma de conocer el caracter del personaje. Me encanta la moda, el estilo, las zapatillas. Cada vez más voy al modelo y sé lo que me conviene: cardigans simples, el blanco y negro. La femineidad del alma que está emergiendo.

¿Cuáles son tus personajes preferidos y cómo los llevas?
Me encantan los personajes al borde, incandescentes, los papeles fuertes y complejos. Cuando las cosas difíciles del papel han pasado a mí lo he tomado como que el filme me dio una vida caótica, extraña, compuesta de deseos, decisiones, reuniones, memoria, el abandono de uno mismo. Y para mí es la vida real. Pero si me ofrecen actuar a un panadera que tiene problemas matrimoniales, también me puede interesar. Nunca es trivial para mí, es sólo el destino de historias particulares que no tienen nada de extraordinario. En este caso la motivación sería buscar bajo las capas, en lo no dicho.

Todo muy pasional…
Es que al principio siempre tenía miedo de las emociones, los sentimientos, el amor… Ahora dejé el control, no calculo, vuelo directo al corazón, soy muy instintiva, casi hasta el punto de locura. Me protejo cada vez menos. Sólo hay dos cosas que me interesan: el amor y el cine. No tengo miedo a quemar mis alas. Me espanta el miedo de los que no se atreven a declarar sus emociones.

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DANIEL DAY-LEWIS
Evadirse, buscar, llegar a ser otro

Daniel Michael Blake Day-Lewis: Actor británico nacionalizado irlandés. Nacimiento: 29/04/1957. Esposa: Rebecca Miller (directora/guionista/novelista). Hijos: Gabriel-Kane Day-Lewis, Ronan Cal Day-Lewis, Cashel Blake Day-Lewis. Padres: Jill Balcon (actriz de teatro), Cecil Day-Lewis (poeta inglés). Hermana: Tamasin Day-Lewis (documentalista). Abuelo: Michael Balcon (productor de cine). Suegro: Arthur Miller (escritor). Lugares de estudio: Sevenoaks School, Bedales, Old Vic Theatre School (Inglaterra). Primer Filme: “Sunday bloody sunday” (1971).

¿Qué es lo que lo que te convence para hacer un trabajo?
Debo decir que, quizá gracias a la educación que recibí de mis padres, amo la lengua inglesa. Un criterio esencial a la hora de trabajar en una película es que me guste lo escrito en el guión, no es solo una cuestión de juntar palabras. El lenguaje debe crear una cosmología propia. Estoy hablando de un misterio que me intrigue, de un mundo desconocido del que no pueda escapar aunque quiera.

Así terminas convirtiéndote en el personaje…
No sabría calcular hasta qué punto me sumerjo en el papel. Pero sí sé una cosa: puede que haya actores capaces de entrar en el papel y salir de él a su antojo, de encarnar al personaje en una escena tremendamente intensa, luego salirse del personaje para tomar un café, y acto seguido volver a derrochar dramatismo en otra escena. A mí me parece aberrante. Si tratas de llegar lejos en tu trabajo, de explorar ciertas cuestiones, no puedes andarte con frivolidades. Mi trabajo es ir a la oscuridad esperando encontrar algo que valga la pena. Es algo que tiene que ocurrir de manera inconsciente, a nivel subterráneo. Ahora, todo lo que se publica acerca de cómo desaparezco completamente dentro de la psicología de mis personajes me parecen auténticas tonterías. ¿De verdad alguien puede creer que soy tan insensato, tan estúpido? Es un trabajo, por Dios, es un juego. No voy a sacrificar mi vida ni a volverme loco por ello. Lo obvio sería decir que llevo a cabo un proceso de estudio y aprendizaje, pero eso no explicaría lo fundamental, que consiste en descubrir la vida interior de una persona distinta a ti. Se trata de crear la impresión o ilusión de creer que somos capaces de ver el mundo a través de unos ojos distintos a los nuestros, y al hacer eso también pensar que existe la posibilidad de que otras personas lo compartan. Es un juego, que en unas ocasiones es sofisticado y en otras más primitivo; pero sólo se trata de un juego.

¿Te importa provocar empatía en la gente con tu actuación?
No me importa lo que mi personaje provoque en el público, en ese sentido tengo que ser completamente irresponsable. Obviamente hay peligros, y uno de ellos es alejar a la gente de la película, pero parte de mi trabajo es no juzgar y tener una identificación muy fuerte con mi personaje, algo que se desarrolle de un modo muy íntimo, de un modo en el que no importa nadie más. Para bien o para mal, cuando trabajo no tengo conciencia de lo que provoco con mi personaje. Si especulás con el resultado, chocás el auto, porque ahí no yace el verdadero trabajo del actor.

Se dice también que sos un hombre que busca aislarse.
Sí, otro cliché que circula sobre mí es que soy una especie de ermitaño, y es falso.

Otros filmes: “Gandhi” (1982), “The Bounty” (1984), “My beautiful laundrette” (1985), “A room with a view” (1985), “The unbearable lightness of being” (1988), “Eversmile, New Jersey” (1989), “My left foot: The story of Christy Brown (1989), “The age of innocence” (1993), “In the name of the father” (1993), “Gangs of New York” (2002), “The ballad of Jack and Rose” (2005), “There will be blood (2007), “Nine” (2009).

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ALBERT FINNEY
Públicamente, sólo actuar

“Mi trabajo es actuar y por por eso es que odio las entrevistas o las conferencias en las que tengo que exponerme frente a una audiencia.” Albert Finney nació el 9 de mayo de 1936 en Londres, hijo del matrimonio entre un corredor de apuestas y una ama de casa, cuyo nivel económico impidió su formación secundaria. Sin embargo, estudiaría interpretación en la Saldford Grammar School y en la Royal Academy of Dramatic Arts. En 1955 ingresó en la Birmighan Reportory Company. Tres años después debutó en teatro en el West End londinense dirigido por Charles Laughton. ¿Su debut en el cine? “The entertainer” en 1961 dirigido por Tony Richardson, con quien trabajaría en varias oportunidades.

¿Qué lo entusiasma de la actuación?
Todavía disfruto de conocer gente nueva, nuevos lugares, siempre hay algo nuevo. Es una vida maravillosa, una vida gregaria la de los actores. Somos afortunados en ese sentido. No como los escritores o pintores que deben sentarse frente a una superficie en blanco y preguntarse: ¿Por dónde comienzo? ¿Cómo comienzo?

Cuándo rueda un filme, ¿cuál es su motivación?
Lo más esquivo en el cine es lograr dar aliento, vida en cierto sentido. Es algo que raramente consigues, pienso. Cuando ves un filme después de terminado, de los noventa minutos hay aproximadamente cuarenta o cincuenta segundos, bueno en realidad diez o veinte recortados aquí o allí en los que piensas, ¡Eso es! Pero pongo toda la concentración mientras lo hago. Es algo muy interesante, bastante obsesivo, pero realmente lo disfruto. Y creo que en el teatro es igual, se trata sobre todo de tratar de enviar mensajes.

¿Cómo encara las escenas difíciles, más duras?
Para ser un un personaje que siente una emoción profunda, uno debe recurrir a su memoria emotiva y mezclarlo con algún triste recuerdo de su vida.

¿Los actores mienten?
No creo que mintamos necesariamente. Quiero decir trabajamos de pretender ser otro. Personalmente no cuento cuentos chinos, siempre digo la verdad.

¿Y los premios? Sabemos que no son de su agrado.
Creo que el sistema de premios es adecuado para algunos, esos que salvan vidas, los que trabajan sin descanso en hospitales por muchos años, por ejemplo. Pero no son para aquellos como yo.

Alguno de los filmes que incluyen sus más que notables actuaciones son “Saturday night and sunday morning” (1960), “Tom Jones” (1963), “Scrooge” (1970), “Murder on the Orient Express” (1974), “The Duellists” (1977), “Annie” (1982), “The dresser” (1983), “Miller’s Crossing” (1990), “Erin Brockovich” (2000), “Big Fish” (2003), “Corpse Bride” (2005) y “Before the devil knows you’re dead” (2007). En 1967 dirigió su único film como realizador “Charlie Bubbles”. Tuvo un hijo, Simon, con su mujer desde 1957 a 1961, Jane Wenham y en 1970 se casó con la actriz Anouk Aimée con la que estuvo hasta 1978. Sobre escribir su autobiografía el esquivo Finney dice: “No planeo escarbar en aquello que he tapado con mi pie. ¿Por qué querría escarbar todo aquello y examinarlo como un arqueólogo?”

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BERNARDO BERTOLUCCI
La realidad a través de una cámara

¿Cómo ve a la sociedad, a los jóvenes hoy en día?
Creo que lo que sucede hoy con los jóvenes es que no tienen memoria; ni histórica, ni política, ni cultural, ni cinematográfica. Los chicos de hoy en día, como mucho se remontan a “Pulp fiction”. Esto me entristecía profundamente, sin embargo, ahora pienso que a través de su experiencia de vivir el presente con intensidad, tienen una relación con la vida más estrecha y más íntima que la que tuvimos nosotros, los de mi generación. Durante los años 70 y 80 hubo una sobredosis de política, y la gente acabó aburriéndose, la política ha terminado perdiendo la urgencia que tenía antes.

¿Encuentra la nostalgia positiva en su obra?
No. Esta palabra tiene un sentido negativo para mí. Incluso el juicio que la palabra requiere me lleva a la misma reflexión sobre la política y la ideología: términos que me traen una gran carga negativa. Pero siendo sincero, cuando la política ha acabado siendo defenestrada del término ideología… me ha dejado de interesar. Ahora mismo, la política es un instrumento tecnológico y empresarial que sólo interesa a los técnicos. Son dos palabras que han perdido todo su significado en el lenguaje de hoy.

¿Cómo continúa en el presente, después de tantos años de carrera?
Yo empecé en 1962 y, hoy, sigo haciéndome preguntas y, sobre todo, tratando de reinventar el cine en cada película que hago. Observará que los directores que más han crecido artísticamente en todos estos años son aquellos que han seguido preguntándose “¿qué es el cine?”: Scorsese, Wenders, Lynch, Almodóvar… siguen reinventándolo. En cada película, soy una persona distinta… aunque el ojo que mira desde detrás de la cámara siga siendo siempre el mismo.

¿Y esto en la filmación cómo se presenta?
Cuando filmo un plano es como si estuviera filmando un thriller. La cámara es el instrumento que crea el suspenso. El misterio siempre está sugerido por el ojo que mira, por el ojo de la cámara que cerca el misterio en aquello que ocurre frente a ella. Es una realidad que no es mi realidad y que trato de descubrir, de interrogar, incluso de seducir, de transformar en objeto de identificación, de mimetizar…, toda aquella serie de movimientos instintivos del cuerpo y de la mente en el momento del completo extrañamiento, que espero que esté en el film con toda su fascinación. La cámara es un dios menor. A veces debe asistir, emocionada, sin poder evitar tragedias o derrotas. A veces se enamora y persigue a ciertos personajes, pero no puede hacer nada para evitar su destino.

Nacido el 16 de marzo de 1941 en Parma, Italia e hijo de un poeta y crítico de cine, Bertolucci escribe poesia desde joven y estudia en la Universidad de Roma. Comienza en el mundo del cine filmando cortometrajes en 16 mm con su hermano Giuseppe. En 1961 se convierte en ayudante de dirección de Pier Paolo Pasolini en “Accattone”. Un año después se estrena como director con “La commare secca”. Le seguirían “Prima della rivoluzione” (1964), “Il sosia” (1968), “La strategia del ragno” (1970), “Il conformista” (1970), “Last tango in Paris” (1972), “Novecento” (1976), “Silenzio e complicità” (1977), “La luna” (1979), “La tragedia di un uomo ridicolo” (1981), “The last emperor” (1987), “The sheltering sky” (1990), “Little Buddha” (1993), “Stealing beauty” (1996), “Besieged” (1998), “The dreamers” (2003), más documentales y varios fragmentos de filmes colectivos.

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AKI KAURISMAKI
Menos palabras, más cine

“El cine debería tener cada vez menos palabras e imágenes. Si quitas a las personas ya no necesitas los diálogos; la gente habla demasiado sin decir nada. Y si quitas la sombra aparece la vida”. Pensamiento del realizador finlandés que nos deja con poco más para desarrollar la conversación. Pero así suena generalmente Kaurismaki y debemos continuar. Autor de filmes como “Rikos ja rangaistus” (1983), “Calamari Union” (1985), “Hamlet liikemaailmassa” (1987), “Tulitikkutehtaan tyttö” (1990), “I Hired a contract killer” (1990), “Mies vailla menneisyyttä” (2002) y “Laitakaupungin valot” (2006), dice: “Mis puntos de vista políticos, sociológicos y económicos del estado de la sociedad, la moral y el amor pueden encontrarse en mis películas. Para bien o para mal no puedo añadir más”.

Dice poco pero en realidad resulta mucho…
Un filme siempre se lleva hasta cierto punto. Si éste comienza con disparos y explosivos, entonces ya nada será suficiente. Si se lleva a un nivel minimalista aún el simple sonido de una tos puede ser bastante dramático. Si el personaje principal se resbala y cae en una alcantarilla, el espectador inmediatamente se interesa por lo que le va a pasar, aún cuando en otras películas tiran a la gente desde aviones y estos sobreviven sin un rasguño.

Cierto. Una pregunta personal. ¿El alcohol es una forma de perder la memoria, una perdida de conciencia temporal?
Hace tiempo que dejé de tener conciencia, mas bien me abandonó durante mi nacimiento y no le estoy mintiendo. Aquí arriba hay algo que no funciona bien. (Se toca con el dedo índice la sien).

¿Qué es exactamente lo que no funciona bien?
Ni idea. Incluso mis médicos están ante un acertijo y por favor no se ria, lo digo completamente en serio. Nunca fui normal, en el sentido en que se entiende normalidad. Soy un niño grande medio salvaje. No estoy diciendo que en cualquier momento me vaya a incendiar el pelo o que experimente con drogas. Solo soy un alcohólico. Y sin embargo siento las cosas de diferente forma a la mayoría de la gente. Por tanto, no estoy seguro si soy yo el que tiene razón o los demás.¿Es usted cineasta por convicción?
No, por pura debilidad de concentración. La verdad es que quería ser escritor. Pero cada vez que me sentaba en casa, solo frente a un papel en blanco, me entraba sueño y tenia que irme a la cama. El cine es mucho mas fácil: se cita al equipo un día concreto y en un lugar determinado. Como realizador, te ves obligado a hacer acto de presencia, da igual si tienes un texto o no. El cámara, la script, el iluminador, todos esperan y te miran esperanzados, así que no te queda mas remedio que empezar a trabajar.

¿Cómo se considera, comediante o moralista?
Una mezcla de ambos. Creo que se le llama clown.

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DAVID LYNCH
El camino de la percepción

Lynch. Autor de “Eraserhead”, “The elephant man”, “Blue velvet”, “Wild at heart”, “Twin peaks: Fire walks with me”, “Lost highway”, “The Straight story”, “Mulholland Dr.”, “INLAND EMPIRE”…

Sus filmes generalmente son de difícil comprensión…
Para mí están clarísimos, pero su interpretación es subjetiva. Hágale caso a su propia intuición. Es ése precisamente el aspecto fascinante del séptimo arte: el poder descubrir, cada vez que se encienden las luces y se alza el telón, algo sorprendente. Cada uno debe tener su propia interpretación. Y es que ni yo mismo cuando filmo sé exactamente como voy a proseguir. Una vez en el plató, sé lo que estoy haciendo, al igual que los actores. Pero tengo la impresión de que la película me transporta a donde ella quiere ir, casi como si tuviese vida propia. Los elementos se repiten en mis películas, es cierto. Y mientras más hago, más familiares se vuelven. Tengo siempre la impresión de que un filme existe antes de ser hecho. Sólo debemos juntar las piezas, los rostros, las palabras, los sonidos. Es un proceso mágico. Y así también sucede en la realidad. Aunque, para mí la comprensión es una abstracción que proviene de la intuición. El cine posee un lenguaje común a los seres humanos, un lenguaje que habla a nuestra intuición. Todos tenemos la capacidad de intuir las cosas que suceden a nuestro alrededor. Pero como no nos fiamos de ella, la escuchamos muy poco, desgraciadamente.

¿Y qué es para usted la intuición?
Es la integración del intelecto y la emoción, del pensamiento y los sentimientos. Cuando estas dos facultades se fusionan, llegamos a comprender lo que antes nos parecía incomprensible.

El cine tiende a documentar la realidad pero usted va en la dirección opuesta, retratando miedos, pesadillas y misterios. ¿Se siente comprendido?
Hoy, tanto el documental como la ficción que se inspira en la crónica gozan de un buen momento porque hay mucho que decir del presente. Pero no se puede pensar que éste sea el único modo de rodar un filme. Si lo haces, corres el riesgo de no osar más, de sentirte prisionero de un género, de vivir encerrado en un cofre sin las llaves del candado. Yo prefiero el abstracto. Afortunadamente, en el cine hay lugar para todos.

¿Extraña el celuloide?
El celuloide es bellísimo, pero lento, pues no te consiente cambiar de idea velozmente. El formato digital, en cambio, te permite hacer maravillas. Es un sueño hecho realidad. Es más flexible y ligero y no se deteriora con el tiempo, a diferencia de la película. Seguro que no volveré al celuloide.

¿Qué significó para usted comenzar con la meditación trascendental?
Fue como una total inmersión en mi propio interior, una caída libre dentro de un ascensor al que le cortan los cables de suspensión. Es una gran bendición, una experiencia que te lleva a ser mejor persona. Mi vida privada, la creatividad artística, la energía, todo ha mejorado en mí.

¿Qué haría si no hiciera cine?
Pintura, fotografía, música, lo que hago siempre. Construir cosas, mesitas y lámparas. También me gustaría aprender a hacer laca japonesa. Una vez vi en televisión a una mujer que trabajaba a un ritmo maravilloso, haciendo un plato durante un largo período de tiempo. Se tomaba un descanso, iba a la orilla del mar y volvía para emprender el siguiente paso del proceso.

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PAUL NEWMAN
Reflexiones de un triunfador

Ha realizado casi 80 filmes, entre ellos “The sting”, “Cars”, “Twilight”, “The Hudsucker proxy”, “Mr. and Mrs. Bridge”, “The color of money”, “Cat on a hot tin roof”, “From the terrace”, “Sweet bird of youth” o “Winning” que lo llevó a descubrir su pasión por el automovilismo. A estado casado durante 50 años con una de las más hermosas y notables actrices de Hollywood, Joanne woodward. Tuvo éxito en los deportes en general y se decantó por la actuación, participó brevemente de la segunda guerra mundial, tiene talento y atractivo físico y sin embargo Paul Newman no se ve a si mismo como un mito viviente.

¿Ya que no se considera una leyenda, quién crees que sí merece semejante título?
Brando, por ejemplo. Pero hay demasiados. No debería nombrarte a nadie más porque me olvido y no sería justo dejar a nadie afuera. Tendría que revisar mis libros y pensar durante cinco días. Hay demasiada gente que todavía admiro. Y Joanne, mi esposa, también está en esa categoría. Tenía que decirlo. Me podría considerar muerto si me olvido de ella.

¿Se puede decir que el Actor’s Studio fue tu gran escuela?
Mi escuela fue el teatro. Casi todo lo que aprendí como actor en aquellos años en el Actor’s Studio de Nueva York, no lo sentí sino hasta mucho después. Así que toda mi carrera fue un proceso de aprendizaje.

¿Se pueden comparar la actuación y ser piloto de competencia?
La concentración es una similitud. Todo lo demás es completamente diferente.

¿Cómo resulta el rodaje de una película?
Hay tantos ingredientes en la preparación de un filme. El director, los actores con los que estás trabajando, el tiempo de ensayo, si logras sintonizar con el personaje a tiempo… Hay tantos componentes diferentes que hacen una interpretación. Es muy difícil decir que actor realizó la mejor actuación. Alguien pudo haber empezado con un pedazo de basura y convertirlo en algo condenadamente bueno. Otra persona puede comenzar con un guión maravilloso, un personaje muy bien definido, un maravilloso director y un cómodo calendario de filmación y tener todo en orden y sin embargo…

¿Qué podría decirle a los ejecutivos de los estudios para que hagan mejores películas?
No tengo la menor idea. Tienes que tener la suficiente audiencia que se muestre curiosa acerca de los problemas sociales, de personalidad o políticos, si no tienes esa audiencia no vas a conseguir la financiación para esa clase de películas. Pienso que Hollywood está enamorado de las secuelas, si es exitosa una vez entonces apresúrate y haz la siguiente. Me parece desafortunado.

¿Cuál su posición política?
Soy algo así como un anarquista… Generalmente voto a los demócratas en mi país. Aunque los republicanos son muy buenos, no hay grises o terminos medios para ellos. Eso vuelve las cosas más simples. Eso es muy inteligente… Digo además que soy un traidor a mi clase. Nuestro presidente actual le ha dado beneficios en los impuestos a personas como yo que no los necesito. Tengo tanto dinero que puedo poner mucho en una media y enterrarlo sin darle importancia.

¿Cómo funcionan sus obras de caridad?
Éramos una broma cuándo empezamos, pero llevamos entregado mucho más de 150.000.000 de dólares, o sea que nos volvimos una broma muy práctica.

Newman tiene una compañía de  comida, la Newman’s own, que dona sus ganancias a diferentes instituciones que luchan contra las adicciones y también maneja campos que dan atención a niños con diferentes tipos de enfermedades de gravedad. Una estrella de Hollywood que siempre se ha mostrado comprometida con los asuntos sociales y que ha sabido dejar atrás el prejuicio de la apariencia.

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JULIE CHRISTIE
Mujer lejos de todo

Julie Frances Christie nació en la India, hija del matrimonio formado por Rosemary Ramsden y Frank St. John Christie, una ama de casa preocupada por el medio ambiente y un operario de una plantación de té ubicada en ese país. Recibió clases en un convento de la India del que fue expulsada luego de un enfrentamiento con una religiosa y posteriormente ya en Inglaterra, estudió arte dramático y pronunciación, viviendo una vida bohemia y empezando en el teatro. Su primer papel protagonista en cine fue en “Billy liar” junto a Tom Courtenay y se dio luego de sólo dos años en la profesión. Enseguida llegarían también el reconocimiento y la fama.

¿Se siente cómoda en el mundo del espectáculo?
Es un mundo que no me gusta demasiado, hoy en Hollywood todo es publicidad y sólo eso. Tal vez debería pedir disculpas porque suena muy desagradecido. Por supuesto que recibí mucho y me alegra que mi vida haya evolucionado como lo hizo. Pero no puedo evitarlo, me deja cierto gusto amargo en la boca.

Se ha comenzado a preocupar por otras cosas, como su salud…
Me preocupa más qué está pasándole a la gente en el resto del mundo que cualquier cosa que pueda llegar a pasarme a mí. Pero no siempre fue así. He releído cartas -uno de sus pasatiempos favoritos- que escribí en los años ’60 a una amiga y sueno horrible. De lo único que hablo es de hombres, fiestas y música.

Fue su vida durante esa época y también la década siguiente…
En los ’70, me asombraba que hablaran de mí como un sex symbol de los ’60. Yo no me sentía esa persona, como una especie de muñeca del pasado. Tuve que aprender a reconciliarme con eso. Es gracioso, es tonto, la ridiculez de haberle pedido tanto a la fama. En realidad yo no supe disfrutar la belleza, pero en mí adquirió la forma de una arrogancia inconsciente, todo muy confundido con la fama. Está todo demasiado relacionado con la juventud y la belleza, sin embargo, el respeto por los mayores no goza del mismo nivel de obsesión.

Su trayectoria se compone de películas como “Farenheit 451” de François Truffaut; “The go-between” dirigida por Joseph Losey y escrita por Harold Pinter; “McCabe & Mrs. Miller” de Robert Altman; “No such thing” de Hal Hartley; “The return of the soldier” con Glenda Jackson, Ann-Margret, Ian Holm y Alan Bates; “The secret life of words” de Isabel Coixet; “Don’t look now” de Nicolas Roeg; “Heat and dust” de James Ivory y con libro de Ruth Prawer Jhabvala; “Away from her” de Sarah Polley; “Miss Mary” de María Luisa Bemberg; “Hamlet” de Kenneth Branagh y otras más conocidas como “Darling”, “Afterglow”, “Dr. Zhivago” y “Heaven can’t wait”.

Hablemos ahora sobre como encara su trabajo…
Es tan tedioso hablar del propio trabajo, me gusta hablar, recibir información, dar información, crecer durante la charla. Pero bueno, puedo decir que encuentro la producción de películas tan turbulenta y estresante. Me causa mucha ansiedad, porque no tengo mucha confianza en mi misma. Además tienes que socializar todo el tiempo y yo no nací con esa cualidad. Soy una persona muy tranquila que prefiere hablar con poca gente y no con una multitud. No quiero vivir actuando, amo la vida real.

Esta es en algunas palabras, Julie Christie, una gran dama de la actuación y una mujer de fuertes convicciones en la vida, que prefiere una vida tranquila en su casa de Gales con algún paseo ocasional a su India natal.

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HAYAO MIYAZAKI
Imaginación de avanzada

1941. Tokio, Japón. Nace Hayao Miyazaki, el creador de los filmes de animación más imaginativos de los últimos tiempos. Luego de cursar economía, empezó su trabajo en los estudios Doei como dibujante en 1963, fue ganando responsabilidades en su trabajo, se convirtió en sindicalista y dirigió su primera serie en 1978. En 1982 el manga “Kaze no Tani no Nausicaa”, que se convertiría en la primera película de su ya legendario Estudio Ghibli, apareció por primera vez en la revista Animage. Era 1984, antes había dirigido “Rupan sansei: Kariosutoro no shiro” (1979).

¿Cuál es la filosofía con la que encara sus proyectos?
El sentimiento de los niños de que, por ejemplo, “hay una extraña forma de vida llamada araña de agua que respira aire desde el fondo” es lo más importante. Un insecto sale silenciosamente cuando la chica se queda en la casa abandonada. Ella dibuja una línea en el suelo y el insecto no la traspasa. Obviamente no puede ocurrir tal cosa en la vida real. Pero los niños juegan a menudo con ese tipo de reglas. Creo que no debemos perder esa manera de sentir. Y, a su vez, sentir que hay vida en todas las cosas que existen en este mundo.

¿Es costosa la animación?
Sólo para dibujar las ondulaciones del agua o las burbujas necesitamos muchos dibujos. Cuesta mucho dinero hasta la realización de cortos que nunca es un negocio. Sin embargo, ya poseemos un cine en el Museo del Studio Ghibli. No tenemos la necesidad de pensar en los beneficios. Raramente se encuentran trabajos tan placenteros. Una película significa una gran producción y, actualmente, un gran consumo. Si pulsas un botón puedes verla muchas veces. Considero que la posibilidad de encontrar una imagen ideal para los niños no existe en ese tipo de situación. Los cortos sólo pueden ser vistos en el museo. Si logro mostrar a los niños un enfoque diferente con las imágenes, ya me doy por satisfecho.

¿Es de comentar sus ideas?
Con nadie. Mi gas expira si hablo de ello. Pero el cerebro es un órgano misterioso. Si la habilidad perdura, comienza a pensar de manera automática. Lo dejaré todo cuando vea que no me surgen las ideas automáticamente. Mi creación es siempre un continuo arrepentimiento. Pero me sentí considerablemente satisfecho con “Sen to Chihiro no kamikakushi”, pues siempre quise dibujar un tren que viajase por encima del mar y la escena resultó bastante adecuada. La secuencia en la que aparece una estrella fugaz y explota he deseado filmarla desde la época en la que debía decidir si ser un dibujante o un animador. Fue posible crearla para “Hauru no ugoku shiro”. Tengo otras imágenes que me gustaría producirlas en la animación, pero no me queda mucho por vivir.

En sus películas se adivina cierto mensaje ecológico…
No me corresponde a mi educar a la gente en la ecología. Sin embargo, sí que proyecto mi experiencia personal en mis películas. Es verdad que ayudo a limpiar el rio que pasa cerca de mi casa. Prefiero los árboles al hormigón, pero nada más. No tengo intención de ser didáctico.

Miyazaki es el autor de varios personajes memorables, entre ellos el querible y redondo Totoro que se convirtió en el logo de Ghibli. Apareció en 1988 en “Tonari no Totoro” que posee una de las canciones más pegadizas de película de animación de la historia. Otros de sus títulos son “Mononoke-hime”, “Sen to Chihiro no kamikakushi”, “Kurenai no buta”, “Majo no takkyûbin”, “Tenkû no shiro Rapyuta” y la maravillosa “Hauru no ugoku shiro” de 2004. Un total de 17 obras entre cortos y largometrajes que se extienden hasta “Gake no ue no Ponyo”, que deseamos ver más extensa.

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CHARLES CHAPLIN
Inventando la risa

Los padres de Charles Spencer Chaplin eran cantantes y actores de variedades que alcanzaron un estimable éxito. Sobre todo la madre, Hannah Hili, hija de zapatero, menuda, graciosa y con una agradable voz. El niño nació a las ocho de la tarde del 16 de abril de 1889 en la calle londinense de East Lane, Walworth en un mal momento de la familia, ya que su madre se veía obligada a mantenerlos porque el padre tenía problemas con la bebida. Los años pasaron y su padre falleció y su madre fue internada en una institución mental.

Con Fred Karno perfeccionó y diversificó sus notables recursos mímicos y ya en la época en la que trabajó con Mack Sennett obtuvo éxito con sus filmes. ¿Cómo creó su traje de vagabundo? “Todo salió de una emergencia. El cameraman me dijo ponte algún disfraz gracioso y yo no tenía idea de que hacer. Fui al departamento de vestuario y en el camino pensé ‘Bien. Debo hacerlo bastante contradictorio… Pantalones anchos, saco apretado, pequeño sombrero. Andrajoso y al mismo tiempo un caballero. A la vez quería ocultar que era gracioso y se me ocurrió lo del bigote. Obviamente fue una tonta idea.”

“Lo que más disfruto de mi personaje es lo fastidioso y delicado que es. Es lo que cualquier tonto de taberna quisiera ser.” Sobre si hoy será posible un personaje así respondía: “Veo gente con pelo largo y ropa corta y supongo que quieren ser alguna clase de vagabundo, pero mi personaje tenía una humlidad que no va con estos tiempos.” En cuanto a el origen de sus ideas declaraba “Las mejores surgen en el momento. Si comienzo a patinar lo hago y no caigo como todos piensan sino que patino usando un pie. Un golpe, origina otro y otro y así. Todo depende de la situación. Hay días en lo que nada sale bien.”

“La pantomima es mucho más poética y universal que cualquier otra actuación si está bien hecha” dice, y además confesaba que “Pienso que la vida es algo hermoso y debe ser vivida bajo todas las circunstancias, aunque sea en la miseria. Por la experiencia, sólo por eso. Creo además que el humor te puede mantener sano. Es una defensa contra la tragedia, lo lastimoso de la vida.”

De sus experiencias actorales iniciadas en 1914 en cortos o mediometrajes como “Making a living”, “Between showers” y “Kid auto races at Venice”, Chaplin pasó a escribir y dirigir sus propios filmes y de allí salieron “The tramp”, “The kid”, “Modern times”, “The gold rush” y “Monsieur Verdoux”. Estuvo casado con Mildred Harris, Lita Grey, Paulette Goddard y Oona O’Neill lo sobrevivieron nueve hijos. Para el final otras palabras suyas: “Nunca supe lo que es un genio. Creo que es alguien con talento, con una gran emotividad y que es capaz de desarrollar una técnica. Todos estamos dotados de alguna manera.”

Poema de Chaplin.

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AKIRA KUROSAWA
Grandiosa poesía

Realizador en constante conflicto con su país de origen, Japón, Akira Kurosawa debió hacer concesiones en sus primeros filmes que se rodaron en la época de la segunda guerra mundial: “La guerra influyó sí, eso creo. La oficina de propaganda me pidió incluir ciertas cosas. Quería que yo incorporara elementos nacionalistas. Es lo que me pidieron. Intenté resistir. Pero si quería continuar trabajando en Japón en esta época, no podía decir no. Es en este modo que la guerra ha tenido un efecto sobre mis películas. Intenté no incorporar sus ideas, pero no tenía elección.” El realizador había entrado a trabajar en los estudios Toho como guionista y ayudante del director Kajiro Yamamoto en 1936.

Sus películas reflejan su filosofía de vida. “¿Si existe el mal absoluto? No tengo ni idea. Sólo que ciertas personas hacen cosas inimaginables en este mundo terrible. No se cuales son sus pulsiones. Simplemente, existen personas que piensan en exterminar a todos los judíos. Las personas normales no pensariamos jamás en hacer eso. ¿De dónde vienen esas pulsiones y ese mal? Creo que es algo innato. El sentido común nos evita pensar así. La pulsión nace de repente como una suerte de mutación. Hablo en general. No creo en el bien y en el mal absolutos. Soy japonés, y pienso en tanto que japonés y realizo mis películas con este estado de ánimo.”

“Los filmes japoneses tienden a ser assari shite iru (ligeros, llanos, sencillos, sanos) igual que ochazuke (té verde y arroz, un plato cuyas cualidades assari son celebradas) pero creo que debemos tener alimentos más ricos, filmes más ricos. Así pensé en hacer esta clase de filme, tan entretenido como para comérselo, por así decir. Claro que pensé así desde el principio pero, ¡qué trabajo da hacerlo en el Japón! Siempre pasa algo.”

Durante su carrera realizó dos adaptaciones del dramaturgo William Shakespeare, “Tomar a Shakespeare y adaptarlo a un contexto japonés no fue demasiado difícil. Por otra parte, el nô (teatro japonés) es una forma de expresión única en el mundo. Tiene un impacto formidable. Luego si yo no hubiera tomado esta expresión, los personajes no habrían tenido el mismo impacto. Yo adoro el nô y es normal que me inspire en él.” Kurosawa adaptaría en su filmografía a otros grandes escritores universales como Gorki y Dostoievski.

“Existen muchas formas de expresión. Uno puede contar una historia con diálogos. Pero es fastidioso explicarlo todo. Por tanto intento economizarlo. Para empezar, imagino mi película como una película muda. Siempre he intentado volver a los orígenes del cine mudo. Es por esto que continuo estudiando esas películas. Cuando realizo un filme, me pregunto como haría si fuera muda, que tipo de expresión es necesaria. A continuación intento reducir el diálogo al mínimo. Considero el cine como una concentración de artes. El cine es un trabajo complejo que reune elementos de la pintura y la literatura. Uno no puede hablar de cine sin hablar de literatura, de teatro, de pintura y de música. Muchas artes se convierten en una sola. Pero siempre, una película es una película.”

Su primer gran éxito fue “Rashomon”, después del cual vendrían otros que fueron populares en todo el mundo como “Shichinin no samurai”, “Kumonosu”, “Derzu uzala” y “Ran”. Otras películas suyas “Ikiru”, “Dodes ka-den”, “Akahige” o “Akira Kurosawa’s Dreams”. El maestro Akira Kurosawa nació en Omori, Tokio, el 23 marzo de 1910 y vivió 88 años. Descendiente directo de samurais, estudió bellas artes en su ciudad natal y llegó a ser un reconocido pintor. “Llegué al cine completamente por azar. Yo quería ser pintor, pero era joven y pobre. ¿Qué hacer?”

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CARMEN MAURA
Talento nómade

Viniendo de una familia influyente española, Carmen estudió filosofía y letras, idiomas y bellas artes en París. Luego de algún problema con su familia comenzó en la actuación. A fuerza de teatro, televisión y de cine construyó una carrera que empezó a los 25 y sin haber pisado nunca una escuela de actores. Para los setenta ya comenzaba a ser parte activa en la movida madrileña y desde entonces prácticamente no para de filmar, dentro o fuera de España.

¿Cómo fueron sus comienzos en el cine y cómo lo ve ahora?
Aprendí lo que era la cámara con los cortometrajes. Venía de hacer teatro durante ocho años y empecé a hacer cortos. Enseguida entendí que había que estar relajada. En cuanto a lo de intentar relajar a la gente que tengo alrededor, me quedó porque cuando empiezas, a veces, lo pasas muy mal, porque no te ayudan los que están a tu lado y saben más.

¿Ha notado la ausencia de papeles para mujeres de su edad?
Yo no he notado nada. La diferencia es que pasas de ser la princesa a la reina. Sigo teniendo papeles muy bonitos. De aquí a finales de año haré diferentes papeles que ya iré contando. Además, como sirvo tanto para un roto como para un descosido, pues me dan papeles de rica, de pobre, de simpática o antipática. Nunca he tenido suspicacias con los personajes.

Aunque tenga que aparecer poco agraciada…
No. De la misma manera que no tengo complejo de edad. Además hay una cosa: sales hecha un cristo en una película y tienes unas críticas estupendas. También tiene la ventaja de que cuando voy por ahí fuera a hacer luego la promoción salgo normal y todo el mundo me encuentra guapísima, claro, porque al ver la película alucinan. No es un esfuerzo de generosidad por mi parte aparecer así, la verdad.

¿Cómo te llevas con los problemas de la profesión?
No me dejo manipular. A veces puedo llegar a parecer maleducada. De vez en cuando, desaparezco y no soy actriz. Tengo mi campo, mi París y voy mucho incluso sin razones de trabajo. Hago más vida social allí que en Madrid, porque me puedo mover más libremente. Yo trabajo como una bestia, pero aprovecho muy bien los momentos libres. Aprender a estar sola es el mayor secreto para ser libre, aunque tengas una pareja divina. Es una asignatura que debería aprenderse desde pequeños.

Viajas siempre de aquí para allá…
Sí. Pero tampoco me importa mucho tener que viajar; ya me acostumbré y me lo tomo supertranquila. En realidad, también me tomo así los rodajes. Estoy habituada a llegar a sitios donde todos son desconocidos. La cámara siempre es la misma, que es lo importante. Y los técnicos de cine, aunque cambie de país, tienen mucho en común. Lo mismo ocurre con los directores. Es como una familia y eso es fantástico, me da seguridad. Ya me acostumbré a que llego, me disfrazan, me dan el marido y la casa, la historia y ya está. Trabajo tanto justamente porque no me pongo nerviosa. Es fundamental, porque cuando te tensas, pierdes mucha energía. Y delante de la cámara, la energía es oro. Llego abierta a cualquier cosa. ¿Qué soy rubia?, estupendo, ¿qué ando despacio?, fantástico. Estoy muy orgullosa de mis andares. Si se examinan mis películas, siempre ando distinto. ¡Bueno, algunas se copian a otras!. Pero es algo que me parece muy importante. Hay mucha gente que no sabe caminar. Cada uno tiene su sistema. Hay quien para hacer de monja necesita irse un año al convento. Yo no necesito eso. He visto tantas que ya me lo imagino.

Tiene dos hijos, Carmen y Pablo y una filmografía que incluye títulos como “Tigres de papel”, “Pepi, Lucy, Bom y otras chicas del montón”, “La ley del deseo”, “Gary Cooper que estas en los cielos”, “Matador”, “Tata mía”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, “Sé infiel y no mires con quien”, “La reina anónima”, “Alice y Martin”, “Lisboa”, “Reinas”, “La promesa”, “La comunidad” y “Valentín” entre muchísimas y muchísimas más. Aunque nunca tendremos suficiente de La Maura.

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SHINOBU YAGUCHI
Comedia al estilo japonés

Ver una de sus películas es una experiencia nueva. Los gags están perfectamente resueltos y las situaciones graciosas se suceden sin parar. Sus protagonistas son generalmente adolescentes o jóvenes que pasan por una serie de situaciones disparatadas que dejan al descubierto su torpeza o poco conocimiento acerca de ciertos temas. Shinobu Yaguchi nos acerca a esa parte juguetona que todavía guardamos en el interior de ese “adulto civilizado” que pretendemos ser.

En Japón te llaman “enfant terrible”…
¿Yo? Soy sólo una persona del tipo medio y amable.

Sabes que tus filmes funcionan perfectamente en todos los países.
Yo hago las películas para una audiencia japonesa y para provocar y alentar la risa japonesa. O sea que aunque estoy encantado de que funcionen en otros lados, es todo lo que hago. De hecho estoy sorprendido de que se produzca ese traspase tan bien.

¿Tienen que ver con tu trabajo gente como los Hermanos Marx o Los Tres Chiflados?
La verdad no he visto mucho de lo que han hecho. Estoy poco interesado en la gente que hace cosas tontas y encuentra humor. Me interesa más la gente que hace cosas cotidianas y encuentra humor en las pequeñas cosas que le pasan.

Cierto… a tus protagonistas les suceden cosas extrañas de repente…
Si, generalmente uso determinados acontecimientos que les ayudan a entender que pueden cambiar o cortar definitivamente con el pequeño mundo que ocupaban hasta el momento en que se produjeron.

¿Sos el típico hombre gracioso que se deprime cuándo no filma?

Para nada. No tengo stress. La gente dice que es muy difícil y estresante hacer filmes y que tienes que hacer cosas para quitarte el stress, pero yo no soy así. Mi gran alegría radica en hacer las películas que creo son interesantes y entretenidas para no estresarme.

¿Qué tienes para decirles a el público que va a ver tus filmes y espera encontrar el cine japonés de Kurosawa, Ozu o Itami?
Que van a encontrar algo distinto. Tenemos muchos directores independientes nuevos en Japón que no están interesados en lo más mínimo en enseñarles o comunicarles algo de la cultura japonesa per se. Estamos interesados sólo en hacer buenas películas entretenidas. Así que ya saben, no vayan a ver películas japonesas para tratar de aprender algo sobre la cultura de nuestro país.

Nacido el 30 de mayo de 1967, su filmografía consta de menos de una decena de películas que alcanzan como para darle un espacio de relevancia dentro de la comedia en el cine actual. “Swing girls” (2004), “Parco fiction” (2002), “Waterboys” (2001), “Adorenarin doraibu” (1999), “Himitsu no hanazono” (1997) y “Hadashi no pikunikku” (1993); más una serie de cortos hechos en colaboración con Takuji Suzuki en los que se debía hacer todo en un plano y sin mover la cámara llamados obviamente “¡De una pieza!” y otro llamado “Vigilando pájaros” que fue aclamado en varios festivales, van armando de a poco un mundo disparatado, alegre y vistozo al que vale la pena asomarse.

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SHARUNAS BARTAS
El artifio de la poesía visual

Es dificil describir la primera sensación que produce el cine de Sharunas Bartas. Primero exige contemplación, dejar atrás inmediatamente el mundo ruidoso que acabas de dejar. En un segundo momento te dejaras llevar por la música que descubrirás mágicamente relacionada con las imagenes. Luego vendrán los personajes y algunos dialogos que terminaran de crear una atmosfera para nada común en el cine. Sin duda conseguido con una gran intuicion que lo acompaña desde el principio de su corta carrera.

Tu experiencia en la escuela de cine de Moscú…
Yo tenía la sensación de perder el tiempo allí dentro y por eso no iba a clase sino únicamente a los exámenes. Me parecían una mierda las clases y no obtuve una mierda de ellas. Un caso similar sucede con lo siguiente: ¿cómo enseñas a nadar? ¿Con un libro o nadando? Lo mismo sucede con el cine. Se tiene que filmar. Hay que salir a filmar. Yo terminé y, por ejemplo, en cinco años hice dos largometrajes. Lo principal es hacerlo.

¿Cuáles son los cineastas que más te han influenciado?
No creo que haya una influencia clara o única. La verdad es que nunca vi tantas películas y creo que sería un error que ahora diese algunos nombres. No sé. Antes de ver películas me influyó la vida, los sonidos, las imágenes. Esto pesó mucho, antes de que yo empezara a ver películas. Por ejemplo, cuando empecé a rodar, con diecisiete años, ni siquiera había visto una sola película de alguien como Tarkovski.

¿Hasta dónde dejas lugar al azar y a la improvisación de tus actores y cómo te planteas la utilización de la palabra en el cine?
La vida y el trabajo van juntos. Sobrevivir a las circunstancias es algo de todos los días y la vida y el trabajo a veces se mezclan. Entonces, se puede planear o no planear y lo mismo pasa con los actores. Muchas veces tienes que dejar cosas a decisión de ellos, a ver qué puede pasar. Aunque sólo cuando todo está controlado se puede dar la sensación de que lo que pasa en pantalla está pasando en ese momento. Si filmaras directamente aquello que está pasando en un momento determinado obtendrías otra sensación, una sensación de caos y, por tanto, una inconexión entre planos. En cuánto al uso de diálogos, depende. Por ejemplo, en “Septyni nematomi zmones” hay mucho diálogo. Yo no estoy en contra de la palabra en el cine. Se puede hablar más o menos, es una elección y el cine tiene muchas posibilidades.

¿A qué de debe tu aversión hacia el trabajo crítico?
Es muy simple. Al crear yo no pienso en metáforas. Nunca. No necesito pensar en ellas. En todo caso, si algo ocurre en la pantalla es trabajo del crítico pensar el significado que pueda tener porque pueden haber muchos significados diferentes para lo mismo. Es una elección de leer allí lo que uno quiere. En el caso de los libros, por ejemplo, la gente no va al autor a preguntarle el significado de las cosas. Lee el libro. ¿No lo leíste? En mi caso, ¿no viste la película? Si no la entiendes es tu problema. Además, no puedes ir a la taquilla a decir “devuélvame mi dinero de la entrada”, por no entender la película. Nunca nadie le iría a preguntar a un escritor por el significado de su libro. En todo caso, léelo.

Sus escenas están armadas minuciosamente y no dejan de revelar a veces su artificio sin, por ello, desmerecer lo que se está contando. El lituano Bartas ha dirigido hasta ahora seis largos “Septyni nematomi zmones”, “Laisve”, “Namai”, “Musu nedaug”, “Koridorius” y “Trys dienos” además del mediometraje “Praejusios dienos atminimui” y dos cortometrajes “Tofolaria” y “Children Lose Nothing” que forma parte del largo “Visions of Europe”. Una filmografía que hace del ritmo interno una fuerza fundamental.

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JAFAR PANAHI
Conviviendo con limitaciones

La censura no permite que estrene sus películas en su país de origen, generalmente el parlamento se lo prohibe sin dar muchas especificaciones del por qué. Sus historias reflejan la vida de niños, mujeres y hombres de su país en lo que algunos han dado en llamar el neorrealismo iraní. La filmografía completa de Jafar Panahi comprende un puñado de obras pequeñas y significativas que van desde su último opus Offside -2006-, pasando por Talaye sorkh -2003-, Dayereh -2000-, Ayneh -1997-, Ardekoul -1997-, Badkonake sefid -1995-, Akharin emtehan -1992-, Doust -1992-, Kish -1991- hasta su ópera prima Yarali bashlar -1988-.

¿Su cine es eminentemente político?
No me interesa hacer películas políticas, me interesan los seres humanos con limitaciones. Yo hago películas sociales de arte. Soy consciente que todo cine social tiene un trasfondo político y que parte de una política errónea de fondo. Pero hay problemas culturales, religiosos, de libertad de pensamiento. Mis películas son un informe a la historia para que dentro de diez o veinte años se sepa como se vivía en Irán ahora y para que no vuelva a ocurrir.

Como la problemática del sexo femenino…
Las mujeres tienen muchas limitaciones en Irán. En casos de divorcio nunca les dan la tenencia de los hijos, sus maridos tienen que aprobar sus pasaportes, se quedan con menos parte de las herencias, y ahora, con el gobierno actual que es más conservador, ni siquiera viajan en los mismos autobuses que los hombres.

La relación del gobierno de su pais con los medios es caótica…
Ha cerrado varios medios, el acceso a internet está filtrado, hay aumento de la presión y del control. Todo tiene que ser del mismo formato y color. Creo que la humanidad entera vive metida adentro de un gran círculo. Y hay que tratar de ampliarlo, de que entren más personas, más ideas. Y que se acepten las diferencias.

¿Para usted la censura es un problema?
No voy a autocensurarme con mis películas. Cuando filmo, no pienso si se van a poder ver o no, me cago en la política, en el espectador y en todo lo que rodea al cine: lo que me importa es estar convencido de lo que hago. No trabajo para satisfacer el gusto de los demás. Quiero que el espectador me siga, que me corra si es necesario. Mis últimas tres películas no se estrenaron en Irán. Preferirían que no hiciera más cine. Pero no pueden impedirlo porque lo produzco yo, con mi dinero. Es un sistema cerrado en el que no se aceptan ideas nuevas. Con mis películas, los de la censura se ponen muy sensibles.

Sus películas están hechas para aumentar la percepción del espectador, que no quede encerrado en su propio microcosmos sin tratar de comprender otras ideas o a otros seres humanos. En sus tramas no hay personajes malos, él cree en la bondad interior de sus personajes, que si cometen algún acto reprobable es por la poca amplitud de sus propias miras. El arte es para él un medio para crear cierto impacto e instalar sus temas en la sociedad y a pesar de todo, Jafar Panahi parece dispuesto a continuar por el camino elegido.

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RAÚL RUIZ
La subjetividad de la realidad

Autor de filmes como “Comédie de l’innocence”, “Combat d’amour en songe”, “L’hypothèse du tableau volé”, “Généalogies d’un crime”, “Ce jour-là”, “Trois vies & une seule mort”, “Klimt”, “Días de campo”, “La ville des pirates”, “Shattered image” y varios más que forman una muy extensa y ecléctica filmografía en continuo aumento, Raul (o Raoul) Ruiz se ha hecho un lugar como uno de los personajes intelectualmente más estimulantes del cine de los últimos tiempos.

¿Cómo se plantea el desarrollo de sus filmes y cuál es su concepción del cine?
Juego con los tópicos usuales del cine para mostrar que las cosas no son siempre como se ven. Tomemos el cine como un espejo de la vida y yo propongo que el espejo tiene memoria.

¿El cine es un arte o no? La mayoría de la gente dice que es el séptimo arte, asumiendo que hay seis bellas artes, sin embargo en otras épocas como la medieval las artes liberales eran el “trivium” (gramática, retórica y lógica o dialéctica)y el “quadrivium” (aritmética, geometría, música y astronomía). Pero había algo así como veinte “triviums” y “cuadriviums”.

En esos tiempos había alrededor de trescientas artes conocidas. Incluso hay libros de esa época que definen el corte con cuchillo como un arte y todas estas artes están en el cine. La gente que camina practica el arte de caminar, la gente que corre, que habla, el arte del naturalismo, el arte de encuadrar, todos estos artes se pueden conectar en uno.

Dije que el cine es un espejo, el poeta chileno Jorge Tellier dice que tiene miedo de los espejos porque es muy narcisista y guapo. Hay algunos espejos que lo rechazan y hay otros que lo aceptan. Dice que hay que tratar al espejo como lo harías con un tigre, lo debes dominar.

No hay pactos con el demonio, me he dado cuenta que son realmente pactos con el espejo. El espejo se ha vuelto una gran metáfora en física cuántica, hay físicos llamados del espejo. Se habla de “El Espejo Turbulento” el título de un libro sobre la teoría del caos. La imagen es la del mundo como un río. En el río hay turbulencia y nosotros somos los vórtices. No es siempre el mismo agua pero es siempre el mismo vórtex. Somos el movimiento y formamos parte de la totalidad del río. Esta metáfora es increíble y se aplica perfectamente a mi cine.

Continuando con el concepto, puedes tener veinte dobles en cualquier parte. Van a restaurantes, comen, se van sin pagar y tu tienes que hacerlo. Son campos morfogenéticos, un electrón se mira en el espejo y se vuelve dos. La forma viene de afuera, se le llama función morfogenética, implica otro espacio del mismo nombre que hace que se produzcan consecuencias graciosas como estar en dos lugares al mismo tiempo.

¿De dónde provienen estas ideas? En gran parte de la lectura supongo…
Hay mucho de hablar con amigos, contar historias y leer por supuesto, a veces durante los rodajes. Un amigo me dijo en una ocasión que mis filmes eran las notas del libro que estaba leyendo durante la filmación.

¿Lo puede hacer porque ha desarrollado un sistema?
Lo hago por la libertad en la forma de filmar, no es cara. Muchos de mis filmes están hechos con un guión. Tengo una clara estructura imaginada en el principio del film para luego poder jugar dentro de él.

Nacido en Chile, se dedicó en sus inicios al teatro de vanguardia, estudió derecho, se entrenó en pintura y se convirtió en exiliado durante los setenta cuando se muda a Francia donde ha desarrollado la mayor parte de su carrera cinematográfica. Surrealista, irónico, abstracto, Ruiz ha sido llamado el fantasma sin padre del cine moderno, lo que no es extraño ya que como el mismo dice “Creo en la variedad de las identidades culturales, se necesitan muchas para llegar a ser uno mismo”.

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JOHN WILLIAMS
Búsqueda permanente de la nota correcta

Nacido en 1932 e hijo de un percusionista, John Williams fue un precoz pianista creador joven de su propia banda de jazz, que estaba predestinado al éxito. No dirige sólo orquestas, dirige películas. Sus composiciones son auténticas narraciones por sí mismas.

¿Cuál es el género en el que se siente más cómodo?
El área de la fantasía es la mejor que puede existir para la música. No hay que lidiar con las restricciones de las películas realistas. La orquesta va interpretando y el oído del que escucha acepta el bombardeo de la música aunque lo que sus ojos vean no concuerde con lo que los oídos están escuchando. La música tiene una parte muy importante, porque sólo ella puede hacer creer a la audiencia lo que está viendo. Sólo la música puede convertir la fantasía en realidad.

¿Esto cómo funciona?
Por ejemplo, cuándo un personaje vuela, la orquesta toca música que nos recuerda una danza rápida de un ballet. Esta es la música teatral o de ballet. Por otro lado en las películas de guerra la música tiende a subrayar la acción. Por ejemplo, si alguien hace una maniobra violenta se la sigue con énfasis, con cuerdas.

¿Compone la música luego de la filmación o antes?
Usualmente miro la película ya editada. Se ve en que partes necesita música y se discute la importancia de la música en cada escena. Cuando grabo en el estudio, exijo que la grabación se haga mientras estoy viendo la película en la pantalla. La orquesta está frente a mí y yo estoy frente a la pantalla.

¿De dónde saca las ideas?
No sé cómo contestar eso. No quiero que suene como algo fácil. Trabajo duro. Las cosas que parecen simples, hasta obvias, a veces son las más difíciles de hacer. Cuándo descubres que algo comenzó a sonar bien dices -‘Ah. siempre estuvo allí. Sólo que ahora funciona correctamente’ Pero si vuelves tres dibujos antes de ese, antes de cambiar el B-bajo por un B-natural, te das cuenta de cuan mal estaba y cuánto te falta para llegar a algo. Tienes cuatro o cinco notas, sacas una y mueves otra hacia otro lugar y haces un pequeño arreglo más y eventualmente, como dice el escultor: ‘En esa roca hay una estatua, hay que encontrarla’.

¿Cuánto tiempo lleva componer una banda sonora?
De ocho a doce semanas, pero siempre se puede tomar un poco más de tiempo. Aunque nunca es suficiente y una vez terminado ya no puedes arreglarlo.

En TV escribió temas para las míticas series “Gilligan’s island” y “Lost in space”. Filmes de los que ha participado como compositor: “Angela’s ashes” de Alan Parker, “Seven years in Tibet” de Jean-Jacques Annaud, “Presumed innocent” de Alan J. Pakula, “The accidental tourist” de Lawrence Kasdan, “The witches of Eastwick” de George Miller, “The fury” de Brian De Palma, “Nixon”, “JFK” y “Born on the fourth of July” de Oliver Stone, las películas catástrofe “The Towering Inferno” y “The Poseidon adventure”, “Home alone” en sus dos entregas y la última película de Alfred Hitchcock, “Family plot”. Un indiscutido en la composición musical cinematográfica.

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ANTHONY HOPKINS
Maestro de actores

“The silence of the lambs”, “The elephant man”, “A chorus of disapproval”, “Proof”, “Howard’s end”, “Magic”, “A bridge too far”, “Nixon”, “Hamlet”, “Titus”, “Bram Stoker’s Dracula”, “The Bounty”, “Alexander”, “Chaplin” o “The remains of the day” nos traen un nombre a la mente, el nombre de un gran actor, de los mas importantes que ha dado el cine: Anthony Hopkins.

Nacido en Wales, Inglaterra, se enamoro de la actuacion cuando era un adolescente. Comenzo actuando en teatro y a los veinticuatro años reemplazo a Laurence Olivier en una obra en el National Theatre of London. Su debut en cine fue a los 30 junto a Katharine Hepburn y Peter O’Toole en “The lion in winter”.

Era un fan del cine desde pequeño.
Si pero no era el unico. En el mundo post-guerra el cine era la gran cosa. Todo el mundo iba al cine, millones de niños iban al cine y yo era uno de ellos. Me encantaban las películas negras de la Warner. Las de gangsters con Bogart o Cagney. Y siempre iba al cine con mis padres. Mi padre fue un garn amante del cine.

¿Cual es la verdad en la actuación?
No hay verdad en la actuacion, es todo un truco. Estoy desmitificandolo, pero lo que trato de hacer, espero efectivamente, es crear una realidad como si estuviera pasando ahora, que estas tratando de pescar palabras del aire. Una vez que te conoces el guion o la obra lo suficientemente bien funciona como un partido de tenis. Todo lo que hago es repetir en mi mente, ahora, ahora, ahora, ahora, ahora. Esa palabra va conmigo una y otra vez en cada linea y entro en un estado donde esto sucede una y otra vez. Pero es todo un truco.

Motivaciones…
Lo que motiva una actuacion es la accion, el objetivo… Que estoy haciendo? No que estoy sintiendo. Que hace el actor en cada situacion? Una vez que tienes eso. Cual es tu objetivo? Que estas haciendo en la escena? Entonces las emociones y todo lo demas generalmente aparecen. Y si no, ya lo dijo Stanislavsky: “Si no lo sientes, hazlo tecnicamente, hasta que te apoderes de ello.”

¿Qué hace en sus momentos de ocio?
Cada vez disfruto mas de ellos. Actuo solo para divertirme. Toco el piano y amo hacerlo. Ademas leo y pinto y tengo una vida plena y creativa.

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EMMANUELLE BÉART
Talento y belleza

De raíces griegas, italianas, suizas y rusas Emmanuelle nacio en Saint Tropez en el sur de Francia en 1963. Hija de una modelo y un cantante folclorico, se crio lejos de Paris. Es madre de dos hijos Johan y Nelly. Llego a la actuacion como una profesión mas, no porque fuera un deseo a cumplir. Fue arrestada en 1997 en Paris por defender los derechos de los ilegales en una protesta. Es sin lugar a dudas una de las actrices mas sensuales del mundo.

¿Cómo te llevas con tu imagen de simbolo sexual?
En Francia el publico tiene esa imagen de mi y siempre estoy peleando contra ella. Es solo una de mis facetas. Quiero usar todos mis poderes, abrir todas las puertas y ventanas. He usado muchas caras y mi cuerpo de diferentes maneras. Hasta la forma de sentarte varia la impresion que proyectas. Tienes que ser lo suficientemente inteligente como para tomar ventaja de la imagen, en esta profesion todas esas cosas son muy importantes.

En tus peliculas generalmente no se remarca lo sexual.
Esta imagen se rompe. El punto de actuar es ponerse en los zapatos de otra. Si todo lo que hubiera hecho es la niña sexy e inocente todo el tiempo, hubiera sido muy infeliz. Ya no seria mas actriz.

¿Qué es lo mas importante al elegir una pelicula en la que intervendrás?
En la eleccion para mi es muy importante mirar a los ojos del director. Buscar su mirada, su deseo y tomar un trago con el para ver si deseo volver a hacerlo alguna otra vez. Lo mas importante para mi es no cuan bueno sea el filme sino si lo he pasado realmente bien los dos meses que he trabajado en el.

¿Te gustaria trabajar mas en otros paises?
Estoy tratando de hacer cosas fuera de Francia. Es genial actuar en otros idiomas. Es abrir otra ventana y respirar un aire diferente.

¿Siempre sos tan extrovertida?
Probablemente tengas la impresión de que me gusta hablar mucho, pero es porque tengo algo que decir sobre ciertas cosas. En la vida prefiero mirar. En realidad extraño un poco eso ahora que la gente me mira.

“Nathalie…” de Anne Fontaine, “8 femmes” de Ozon, “Le temps retrouve” de Ruiz, “L’enfer” de Chabrol, “Histoire de Marie et Julien” y “La belle noiseuse” de Rivette, “L’amour en douce” de Eduard Molinaro o “Les egares” y “Les temoins” de Techine nos han dejado suficientes pruebas de la versatilidad de Beart en papeles que le han supuesto varios desafios. Su carrera promete diversificarse aun mas y mantener un buen nivel de calidad.

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KIM KI-DUK
Pintura en imágenes

Aunque abandono el colegio a edad temprana, no tiene educacion alguna en cine o arte, trabajo en fabricas y estuvo en el ejercito Kim Ki-duk se ha convertido en uno de los directores mas importantes de la actualidad. Generalmente sus filmes estan protagonizados por gente marginal y hace un cine contrario a la produccion industrial. Este surcoreano tiene muchos detractores en su pais pero ha sabido cosechar un publico fiel.

Usted dice que el punto de partida de sus films es el odio.
Uso la palabra “odio” en un sentido amplio. La clase de odio de la que estoy hablando no es contra una persona o cosa, es el sentimiento que tengo cuando veo cosas que no comprendo alrededor mio. Ese es el motivo por el que hago peliculas, veo algo que no entiendo y hago una película para tratar de comprenderlo.

Habitualmente en sus peliculas el protagonista es una figura silente…
La razón por la que no hablan es porque generalmente son personas a las que algo o alguien los ha herido profundamente. Tienen su confianza en otros seres humanos destruidas por promesas no cumplidas, por desilusiones han perdido su fe y confianza y han dejado de hablar para comunicarse.

También suelen ser violentos.
La violencia que poseen prefiero llamarla lenguaje corporal. Me gustaria pensar que es expresion fisica no solamente violencia negativa. Son cosas que generalmente estan provocadas por experiencias en edades en las que no pueden responder al trauma, golpes recibidos en la infancia o adolescencia. Yo las he sufrido y me he preguntado ¿por que pasa esto? Esta pregunta se han quedado conmigo y ahora como director expreso como pienso y siento sobre estas cosas.

Sus peliculas no son para nada obvias.
Uso mis peliculas para ilustrar metaforas que son importantes para mi. Una vez lei algo  que decia que un director debe guardar sus palabras lo mas posible y dejar que sus filmes hablen por el. El estilo de vida y sus pensamientos deben estar ocultos a la audiencia. Creo que es la actitud correcta para un artista y un filosofo. No estoy diciendo que yo lo sea.

Si usted lo es… Aunque y porque genera polemica al respecto.
Mis films son como imagenes de un espejo para la audiencia. si una persona usa malas palabras para describir mis filmes, esa persona escuchara su propia voz. Cualquier vision de un film refleja la relacion de esa persona con la pelicula. Nos vemos nosotros mismos en los personajes y nos identificamos con ellos. Las audiencias son diferentes y es dificil decir quien esta en lo correcto y quien no.

Se dedico y se dedica a la pintura y le debemos una sucesion de grandes filmes (en su idioma original): “A-go”, “Yasaeng dongmul bohoguyeong”, “Paran daemun”, “Shilje sanghwang”, “Seom”, “Suchwiin bulmyeong”, “Nabeum namja”, “Hae anseon”, “Bom yeoreum gaeul gyeoul geurigo bom”, “Samaria”, “Bin-jip”, “Hwal” o “Shi gan”. Sus puestas de camara y de actores son fascinantes y nunca termina de sorprendernos. Es un artista, es Kim Ki-duk.

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DANNY ELFMAN
Dualidades

Recibió un reporte de sus maestros en la escuela que decia que “no tenía talento musical” y no tuvo educacion musical alguna, pero a pesar de eso con el tiempo fundo Oingo Boingo una banda de estilo muy tetral que dirigio durante varias temporadas. Cita a Carl Stalling, Prokofiev, Stravinsky y Bernard Herrmann como influencias. Tiene escritos algunos guiones para cine que todavia no realiza. Encuentra bizarro que a pesar de odiar la navidad ha sido asociado a ella por la partitura de “The nightmare before christmas”. En noviembre de 2006 estreno su primer concierto clasico en un album “Serenada Schizophrana”, le preguntamos acerca de el mismo y algun otro tema mas cinematografico.

¿Originalmente “Serenada…” no era una obra tan importante verdad?
No. Era un trabajo reducido, pero termino siendo una ambiciosa y loca coleccion de seis movimientos todos oponiendose contra todos. Estoy siempre atento al hecho de que hay dos compositores viviendo dentro de mi que no se gustan… uno quiere ser tomado mas seriamente y el otro cualquier cosa menos eso.

¿Tienes una forma particular de acercarte a la composición?
No, no tengo un proceso para escribir canciones, aunque desearia tenerlo. Si tengo tecnica para la composicion filmica. Nunca pude decir voy a escribir una canción, sentarme y hacerlo. Cuando estoy componiendo la musica de un film me mantengo concentrado porque requiere tanto esfuerzo y disciplina que no estoy relajado para nada. Sin embargo escribo canciones cuando estoy en un estado mental mas relajado. Cuando escribo una banda sonora tengo que escribir tanto por dia, inspirado o no; mantener esas melodias y piezas de musica en mi mente para que la partitura se mantenga unificada. Para eso mantengo una relacion no musical, sino visual y emocional con el director. Todo parte de ver la pelicula, partir de una base instintiva y consultar con el director sobre cuales escenas cree el que necesitan mas apoyo musical y sobre como siente tal o cual personaje.

¿Qué instrumentos usas para componer y en que genero te sientes mas comodo?
Mayormente compongo con piano o teclado, a veces una guitarra… En cuanto al cine me gusta la comedia pero me siento mas libre en el fantastico, puedes ser lo imaginativo que quieras y no te frustras por no poder salirte de cierto rumbo.

¿Cómo es trabajar con Tim Burton?
El me deja hacer lo que otros directores no. Es una cuerda mas larga, entonces estoy mas dispuesto a intentar algo nuevo que si no conozco tan bien al director.

¿Si tuvieras que componer musica para la adaptacion de un libro cual seria?
“Crimen y castigo” de Fedor Dostoievski.

El primer trabajo cinematografico de Danny Elfman fue en 1980 en un filme de su hermano Richard, “Forbidden zone” una pelicula que el define como salvaje y un film de culto, por supuesto. En TV realizo la musica de “The Simpsons”. Y sus partituras para el cine incluyen “Pee Wee’s Big adventure”, “Edward Scissorhands”, “Beetlejuice”, “Mars attacks”, “Sleepy hollow”, “Spider-man”, “To die for”, “A simple plan” y ultimamente “Tim Burton’s Corpse Bride” y “Charlotte’s web”. Un musico particular, con una vision propia, un inspirado compositor.

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BARBRA STREISAND
Conociendo su destino

Quién no la ha visto actuando en “Funny girl”, “Hello, Dolly”, “Nuts”, “Yentl” o “The prince of tides” las últimas también dirigidas por ella. Quién no ha sido capturado por su voz y su presencia en la pantalla alguna vez. Quién no sabe en su presencia que esta ante una de las grandes figuras del espectáculo estadounidense. Una de las mejores, Streisand.

¿Su personalidad ha ido cambiando con el tiempo?
Siempre he tenido una extraordinaria fuerza de voluntad. Mi abuela solia decir que yo ardia. No podia aceptar un no como respuesta. Aun no puedo. Quería llegar a la cima o a ningun lugar. No podia estar en un coro, sabes lo que digo, tenia que ser uba estrella porque mi boca es muy grande. Soy demasiado lo que sea que soy para terminar en algun lugar en el medio de. La parte excitante ha sido todo el proceso de llegar alli luego de ser hechada a las patadas de tantos castings.

¿Dirigiendo es igual que cuando actúa?
Cuando produzco o dirijo la estrella se va por las tuberias. Si fuera solo actriz saldria diciendo: ‘Por que no me filmas primero asi no luzco cansada… y blah, blah…’ Pero la parte que realmente me gusta de dirigir o producir es que la actriz queda descartada.

Ha tenido esa decision en todos los aspectos de su vida.
La verdadera Barbra, la real, está asustada o intimidada por cosas. Pero hay una parte de mi que atraviesa el miedo y se siemta en las salas de grabacion y dice: ‘No el oboe no va alli’ o ‘No, no esto no es asi’. Defiendo mis argumentos porque es mi vision del film y cada aspecto de el cada vestido, cada mueble, cada color es parte de esa vision. Hay una parte de mi que llora en los seminarios y hay otra, el guerrero que sale en este tipo de situaciones.

Se considera muy femenina?
No creo tener modos femeninos de actuar. Quiza lo hago incoscientemente pero como nunca tuve un padre nunca aprendi sobre manipulacion, o manipular hombres. No se como hacen para hablarles dulcemente y… Me gusta la masculinidad. Pero tengo que tener ese lado femenino del hombre para relacionarme caso contrario estoy perdida.

Le gustan las antiguedades y los zapatos y la ropa pasada de moda. Es de buen comer, tuvo una infancia dificil y fue una de las primeras en ver el talento y las particularidades de una cantante como Madonna. Ayuda a varias obras de caridad. Es multifacética. Es Streisand.

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DANTE FERRETTI
Un nombre entre los nombres

Seguramente hemos visto su nombre varias veces. Su primer trabajo fue a los 23 años nada mas y nada menos que con Pier Paolo Pasolini en la intensa “Medea” con Maria Callas en el protagonico. Le siguieron con el mismo director  “I racconti di Canterbury”, “Il fiore delle mille e una notte” y la magistral “Salo o le 120 giornatte di Sodoma”. Estudio arquitectura, hizo escenografias para operas en TV. Entre sus ultimos trabajos figuran “The black dahlia” de De Palma, “Titus” de Julie Taymor e “Interview with the vampire The vampire chronicles” de Neil Jordan. Esta realizando la direccion artistica de “Sweeney Todd” que marcara un encuentro cumbre con Tim Burton. Dante Ferretti, el hacedor del universo de los grandes.

¿Con que comienza cuando le traen un nuevo proyecto?
Lo primero que me interesa es saber de que va la historia. A traves de la ambientacion debo darle vida a la historia. Es importante interpretar bien el guion y pensar bien en eso. Y luego viene la investigación del periodo en el que se desarrolla para saber el tipo de ambiente que debo construir.

¿Es la parte mas dificil de su trabajo?
No, la de investigacion es la mas facil. Aunque uno se apega a la busqueda de datos para hacer un buen trabajo. Luego con todo el material junto veo que puedo hacer. Despues viene la parte mas dificil, pero tambien la mas bella, diseñar. Diseño la escena, hago los bocetos y los modelos tridimensionales para mostrarle al director. No todos trabajan asi pero yo siempre hago el modelo asi el realizador ve bien lo que voy a hacer y no hay lugar para equivoco.

Ha trabajado con varios de los mas importantes directores contemporáneos. ¿Cual ha sido el mas interesante para usted?
Para mi Fellini siempre sera el mas grande. No solo como director sino como persona. Ame trabajar con el. No subestimo a los otros, pero Fellini fue un mentor para mi. Lo que aprendi de el se volvio mi libro de texto. Era un soñador increible… y un mentiroso. Con el aprendi a mentir convincentemente. Lo cual es importante en el mundo del cine. Fellini era un monstruo, tenia una gran imaginacion. El me contaba sus sueños y la cosa empezaba a funcionar. Todas las mañanas antes de filmar el me preguntaba: Que soñaste anoche? Yo le contaba cosas, cosas que pensaba camino a Cinecitta. Sus sueños hacian que todo funcionara. Paso un tiempo y descubri que el era insomne. Todos sus sueños eran invenciones…

“La voce della luna”, “Ginger e Fred”, “E la nave va”, “La citta delle donne”, “Prova d’orchestra” fueron sus trabajos con el maestro. Realizo los escenarios de “La pelle” y “Oltre la porta” de Cavani, “The adventures of Baron Munchausen” de Gilliam, “La nuit de Varennes” de Scola, “Il futuro e donna” de Marco Ferreri y trabajo con gente como Luigi Comencini, Elio Petri, Dino Risi, Marco Bellocchio, Enrico Maria Salerno, Sergio Citti y Francesca Comencini. “Gangs of New York”, “Bringing out the dead” y “The age of innocence” son sus trabajos con Martin Scorsese. Su pareja es Francesca LoSchiavo que trabaja con el como escenógrafa. Ferretti nos hace desear ver su proxima pelicula para saber que mundo habra ayudado a llevar a la realidad al director de turno.

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LINA WERTMULLER
Decidida y con fuertes opiniones

A ella le debemos obras ironicas y grotescas como “Mimi Metalurgico ferito nell’onore”, “Film d’amore e anarchia, ovvero stamattina in Via dei Fiore nella nota casa di tolleranza” -ambas con los magnificos Giancarlo Giannini y Mariangela Melato-, “Pasqualino Settebelleze”, “Tutto a posto e niente in ordine”, “Una notte d’state con profilo greco, occhi a mandorla e profumo di basilico”, entre otras.

“Yo nunca he sido seria”, dice. “Siempre me interesaron temas interesantes pero tengo la tendencia a tratarlos con gran ironia.” y quien se lo puede discutir. Ella, que debuto en el cine como asistenta de dirección de Fellini, dice que es desconfiada y se asusta de la gente que se toma muy en serio. “Algo encantador del ser humano es ser capaz de reirse de si mismo, de tus propios miedos y debilidades. Recuerdo que Fellini habia colgado un cartel en la camara durante la filmación que decia: ‘Recuerda, este es un film comico’, pero por supuesto era muy dramatico”. De un rodaje dice: “No hay nada que cueste mas que las dudas. Tienes que tomar las decisiones siempre antes.”

Sus opiniones son muy claras con respecto a muchos temas. Si se le habla de la sociedad de hoy dice que “Hay miles de cosas seductoras en nuestra sociedad que hacen que las cosas al final resulten en crimenes o violencia. La publicidad, la calle, todo te tienta para tener. Motocicletas, zapatos, autos, refrigeradores. La gente se comporta como si tener fuera ser y eso no es asi. Pero esta enfermedad continua.” Y del rol de la mujer: “Lo importante es sobresalir, no como mujer, sino como ser humano”

Sobre el problema de la financiacion que hace tiempo aqueja a los directores en Italia no duda en poner la culpa en el estado “Gasta dinero en tantas idioteces. Es terrible que no puedan financiar sus films. Fellini nunca pudo hasta el fianl de sus dias, Antonioni, Rossellini todos han tenido problemas asi. Es imperdonable. Es importante que la produccion europea prospere, para la riqueza de ambas culturas europea y americana”.

De origen suizo, comenzo trabajando en TV en un equipo con gente como el musico Nino Rota. Su primer filme como directora “I basilischi” fue un exito de critica y gano varios premios. Hizo documentales. Es tambien guionista, autora teatral, ha dirigido operas, a tenido su programa de radio. Y nos ha regalado momentos de risas y carcajadas mezclados con la reflexion durante toda su carrera.

Si se le pregunta si los comienzos fueron duros, responde: “Nunca tuve demasiados problemas como mujer que queria dirigir. Por supuesto tuve algunos, pero mi pasion los apabullaba y enseguida sentian cierta simpatia e interes en mi. Estaba llena de vitalidad. Era muy extrovertida y pasional y la gente lo advertia.” ¿Estaba? ¿Era? Quizas no se de cuenta de lo que aun sigue transmitiendo. Wertmuller todavía es un huracán.

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ISABELLE HUPPERT
Descubrir el placer en la actuación

Dejemos que se presente ella misma.
De niña me sentí muy impresionada por dos cuentos, en uno la protagonista moria de amor, en el otro de frio. Me identifique con estas dos niñas. Se podria decir que tengo una predispocision a fascinarme con los personajes de ficcion. Y mi atraccion hacia esos personajes va muy lejos.

Sin embargo, usted parece en cierta forma impasible, de hielo.
Creo que se piensa de esa forma de los europeos en general en América. Es quiza como una caricatura de la mujer francesa. Pero por supuesto es verdad en cuanto a los comportamientos en otras partes del mundo y especialmente en la forma de actuar. Puedo entender que se diga eso por como son algunas personas, mucho mas obvias, menos sutiles. Pienso que la gente en general no expresa tanto en la vida como nosotros lo hacemos en la pantalla. La gente oculta sus sentimientos la mayoria del tiempo… Y la cámara te permite ser tan minimalista. Tienes que sacar ventaja de ello.

¿Cómo se acerca a sus personajes?
Es extraño. En realidad estoy lejos en mis pensamientos profundos, pero a la vez muy cerca porque estoy dentro mío cuando actuo. De hecho creo que estoy en ese estado durante esta entrevista.

Sus personajes generalmente poseen comportamientos extraños…
La gente siempre habla acerca de los personajes como perversos, manipulativos o lo que sea. Pero yo estoy segura que dentro de ellos sienten otra cosa. Se relacionan más honestamente con el personaje, mas emocionalmente, pero no lo aceptan, entonces prefieren dar esa clase de definiciones exteriores.

¿Qué es actuar para usted?
Es duro de explicar. Ya lo dije antes. Es un ejercicio de alejamiento de vos mismo, estando a la vez muy cerca. Asi es como se vuelve un placer. Es como bailar o cantar, lo haces y sientes el placer de hacerlo.

Dos últimas preguntas. ¿Qué cualidad prefiere en el hombre?
Femineidad.

¿Qué cualidad prefiere en la mujer?
El misterio.

Isabelle Huppert la actriz mas respetada del mundo cinematografico del momento. Ha sido la musa de Chabrol, Haneke, Godard, Chéreau, Ruiz, Cimino y los Taviani entre otros, los ha conquistado a todos. Nos ha conquistado a todos.

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DENNIS MUREN
Clase B de corazón

Autor de los efectos visuales de “The abyss”, “Terminator 2 Judgement day”, “Innerspace”, “Ghostbusters 2” entre otras superproducciones y supervisor en peliculas como “Deconstructing Harry” este hombre que de dirigir peliculas preferiria seguir por producciones clase B, por la libertad creativa, nos ha dado verdaderas creaciones en la pantalla.

¿Ha usado stop motion en los últimos filmes que ha hecho?
No desde que apareció el CG. Pero aún usamos modelos.

¿Desearía volver al stop motion?
No, pero extraño el hecho de sentir los modelos, podes sabre cuan duro es hacerlo. Realmente amo eso. Pero es imperdonable en lo complicado que es. Cometes un error y tienes que empezar todo de nuevo. Los resultados no son tan realistas como con CG. Pero estoy contento que se esten haciendo películas como “Tim Burton’s Corpse bride” donde el stop motion es una forma de arte y no trata de ser fotorealista.

Obviamente estarán frustrados de esperar a que las computadoras puedan desarrollar ciertas cosas…
No es frustrante. En realidad de lo que se trata es de dilucidar que es lo proximo. Al principio no habia tanto trabajo hecho y generalmente si se te ocurria algo terminabas con el morphing. Pero ahora se ha hecho mucho y lo realmente dificil es hacer algo nuevo, dependemos de las historias.¿Cuán cerca se está de crear un actor que sea creíble digitalmente?
Creo que se podria hacer ahora pero costaria demasiado y se tardaria mucho tiempo. Resultaria mas barato contratar a cualquier actor. Para que eso deje de suceder debemos estar a una decada de distancia. El verdadero problema es que estas cerca de la gente todo el tiempo, mucho mas que a dinosaurios, monos u otras cosas. Puedes salir bien en esos casos, porque la gente no los ve comunmente, pero gente ves todo el tiempo.

En 1970 estreno “Equinox” co-dirigida con Jack Woods sin figurar Muren -tambien productor- en los títulos. La historia va de cuatro amigos que son atacados por varios demonios que deben recuperar el libro que cayo en su poder, nada mas y nada menos que el Necronomicon. Hoy una clase B de culto, una joya para ver en cuanto puedan.

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VITTORIO STORARO
Técnica y arte para la luz ideal

Hijo de un proyeccionista, empezo a estudiar fotografia en una escuela tecnica a la edad de once, a los veinte fue operador de camara en el segundo filme en el que trabajaba. Se formo en literatura, escultura, pintura y musica y tambien ha dirigido operas.

Su interés por el mundo de la imagen viene desde…
Siempre quise estudiar fotografía. Pero me decían que era muy joven, empece a estudiar cine. Mi familia era muy pobre, yo estudiaba temprano y a la tarde trabajaba en una tienda de fotografía. Me tiraba en el suelo y desparramaba todas las fotografías que podía, no creeria la cantidad. Con el tiempo las empece a revelar y retocar.

¿Es un autodidacta?
En la escuela de cine aprendía sobre cámaras, lentes, tipos de películas, sensitometrías, pero nadie me enseñaba nada sobre como interpretar historias. Me di cuenta que debía usar la luz para expresar ideas y visiones. Nadie me dijo que estudiara a Faulkner, Caravaggio, Vermeer, Mozart y Rembrandt, lo hice por mi mismo.

¿Cómo fue su primera experiencia como director de fotografía?
En mi primera pelicula (“Giovinezza, giovinezza” 1969) senti que era capaz de contar una historia completa. Fue un viaje completo de luces, sombras y contraste. Comenzamos con palabras en el papel y las traducimos en una travesia en película que cuenta una historia. Fue como mi primer amor. Llore dos dias antes de terminar la filmación porque sabía que no iba a volver a sentir lo mismo otra vez.

¿Qué emociones le transmite trabajar nuevamente el material para las nuevas versiones de sus peliculas?
Hicimos “Apocalypse now” hace 30 años y los colores se estan desvaneciendo es doloroso ver tu trabajo desapareciendo tan rápido, lo ves durante tu vida. Pero al mismo tiempo, es maravilloso tener la chance de revitalizar tu trabajo, aggiornarlo y tratar de hacer algo mejor.

Un verdadero maestro de la luz, Storaro ha hecho la fotografía de películas como “Apocalypse now”, “One from the heart”, “New York stories” (episodio “Life without Zoe”), “Tango no me dejes nunca”, “Flamenco”, “Little Buddah”, “The last emperor”, “Novecento”, “The sheltering sky”, “Ladyhawke”, entre muchas otras. Un profesional y un artista de talento que siempre nos brinda imágenes de gran belleza y precisión.

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CHARLIE KAUFMAN
Aislamiento y tristeza

Si se piensa en un guionista que se haya destacado sin lugar a dudas en los ultimos tiempos, se habla necesariamente de Charlie Kaufman. Este neoyorquino que actualmente vive en Pasadena, California, a conseguido renovar el alicaído panorama de ideas del cine hollywoodense.

Empecemos por el principio. ¿Qué te inspira a escribir?
Trato de no analizarlo. De hacerlo se me presentarian cosas que serian tomadas por mí y por los demás cómo “los temas en los que estoy interesado” y este trabajo perderia interés.

¿No hay nadie que te inspire, de verdad?
No. Tal vez en algún momento. A veces paso por las librerías para buscar ciertas cosas, pero como los temas de los que hablo son siempre distintos, los libros también lo son. Podría tal vez citar una frase de Harold Pinter que siempre me ha gustado: “Todo lo que escriba tiene que estar mas desnudo que lo anterior”, creo que si no estas haciendo eso no sabes lo que estas escribiendo, al menos asi es para mí.

¿Los personajes aparecen ya formados en tu mente?
Aparecen totalmente formados. Y yo me sorprendo. Espero escucharlos, por eso me mantengo muy abierto cuando estoy escribiendo, para permitirles que vivan y empiecen a existir. Generalmente dejo que lo hagan por ellos mismos, no los categorizo con anterioridad. Amo a todos mis personajes y para mi es esencial. Luego, cuando se está haciendo la película, los actores se vuelven los personajes entonces ya no escucho a los personajes, escucho a los actores que los hacen suyos.

Siempre se refieren a vos como un escritor cerebral. ¿No crees que la gente valora poco la parte emocional de tu trabajo?
Pienso que todo lo que hago es realmente emocional. Todo lo que hago esta basado en alguna clase de lucha que tengo. Todo lo que he hecho. No se como escribir si no encuentro eso. Aunque sea un encargo. Hay gente que me ha dicho cuan tristes son mis guiones y estoy muy contento de oir ese comentario. Las peliculas son raras y tal vez eso las distancia de la gente, pero es duro para mi separar el trabajo de mis propias experiencias porque eso es lo que estoy pensando al respecto cuando lo estoy escribiendo.

Tus guiones se leen como un libro entretenido, a diferencia de otros. ¿Por que crees que pasa?
No lo sé. Creo que es importante escribir cosas que la gente quiera leer. Escucho mucho: “Bueno un guión es sólo una primera impresión, no es una pieza de literatura”. No estoy de acuerdo para nada. Creo que un guión es importante por muchas cosas. Uno, por mi orgullo. Quiero hacer algo que sea disfrutable. En otro nivel, si lo que estas escribiendo no es para el publico en general, es para la gente que esta haciendo o va a hacer la pelicula y tienes que convencerlos lo mas posible de lo que estas evocando. Parte de eso es hacerlo lo más fácil de leer posible.

Autor de “Being John Malkovich”, “Human nature”, “Adaptation”, “Eternal sunshine of the spotless mind” o la obra teatral que presento en Londres junto a los hermanos Joel Coen y Ethan Coen “Theater of the new ear”, Kaufman se presenta como uno de los pocos verdaderamente originales de un cine norteamericano en decadencia.

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Críticas/Notas/Investigación/Especiales/Recopilación Entrevistas por:

GERÓNIMO ELORTEGUI

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