LenteCreativo WoodyAllenWeb

El realizador argentino Eliseo Subiela admite en una entrevista con EFE que la vida, la muerte y el amor son los temas recurrentes de su cine, y del último de los tres añade que su falta “explica la tragedia actual de la Humanidad”. Subiela (Buenos Aires, 1944) está en España para asistir al Festival de Cine Iberoamericano de Villaverde (Madrid), donde ha presentado su largometraje más reciente, ‘No mires para abajo’, que ha conseguido el premio del público a la mejor película y galardones para los dos actores principales. Esas distinciones se unen a otras ya obtenidas por el mismo filme en meses pasados en los festivales de Guadalajara (México) y Lérida, algo que Subiela considera “un reconocimiento para la criatura”, en alusión a la película.

En “No mires para abajo”, que no se estrenará en las salas comerciales hasta octubre, Subiela cuenta la historia de la iniciación sexual de un joven a través de la relación amorosa con una mujer de más edad. “Es la película que me hubiera gustado ver con trece años” porque pretende explicar que el sexo es un “momento sublime del amor” y no un elemento “vapuleado y sórdido” que los medios de comunicación tienden a presentar como algo “obsceno”. El realizador ha confesado que su deseo es que la cinta pueda ser proyectada en los institutos de educación secundaria y subraya que el contenido es “anti-porno”, aunque admite que la temática es difícil de aceptar por algunos sectores.

Sin embargo, constata que las cadenas de televisión programan a horas de máxima audiencia contenidos de “dudosa moralidad” que se explican por la necesidad de tener un amplio seguimiento y que se caracterizan por su “chabacanería”. El director de “El lado oscuro del corazón” (1992), “No te mueras sin decirme adónde vas” (1995) y “Pequeños milagros” (1997), entre otras, reconoce que en su filmografía los asuntos presentes son el amor, la vida y la muerte. “¿Es que hay otros?”, se pregunta retóricamente el realizador, quien ahora quiere ampliar su espectro de trabajo y, sin dejar el cine, abrirse a la televisión y al teatro. En la actualidad se mueve para ver cumplido su objetivo de llevar a las tablas de un teatro una pieza que él mismo ha escrito y también tiene el proyecto de hacer una serie para la televisión pública argentina.

Sobre el futuro del cine, cree que pasa por las tecnologías y las nuevas formas de exhibición, aunque se muestra preocupado por la dificultad de que las películas nacionales consigan espacios frente al predominio del cine estadounidense. Recién llegado de Argentina, señala que la semana pasada el noventa por ciento de las salas de Buenos Aires estaba copado por tres cintas de Hollywood. Frente a esa situación plantea la conveniencia de que los poderes públicos actúen con algún tipo de legislación, a la manera de Francia, que es el país que “protege su cine con más eficacia”. En el caso concreto de Argentina ve positivo el sistema de ayudas público a la producción de películas, aunque apunta que autores consagrados como él, Fernando Solanas y Adolfo Aristarain, deberían tener un “trato especial” frente a los jóvenes realizadores de su país, sobre los que reconoce que hay “un salto generacional”.

“No sé por dónde empezar”. Se le nota algo nervioso. Se sienta Julio Medem en la cafetería del Círculo de Bellas Artes, de Madrid, y pronuncia su primera frase rotundo y sincero. Casi no busca las palabras. Se nota que lo ha estado rumiando todo durante largo tiempo, que lo tiene bien impregnado en su interior. Arranca y, a lo largo de casi una hora de conversación, casi de corrido, sin apenas respirar, el realizador donostiarra se confiesa a tumba abierta, sin cerrar la puerta a errores o fracasos personales. “Me toca cambio y me he visto en las condiciones propicias para cambiar, algunas son buenas y otras no”. Es su segunda frase, y la pronuncia con una contundencia mayor que la primera. En ese momento, uno sabe que la confesión no tiene vuelta atrás. A partir de ahí comienza un relato, en el que este realizador donostiarra, de 49 años, entra de lleno en sus sentimientos más personales y en sus sufrimientos del último año.

Muchos de los cuales proceden de ‘Caótica Ana’, la película en la que invirtió mucho dinero propio y que le ha dejado en una situación económica difícil, no ha conseguido llegar a la cantidad de gente a la que él quería y creía que podía llegar. “Tuvo 200.000 espectadores, una cifra por encima de la media de un filme español, pero estaba destinada por muchas razones a llegar a mucho más público”.

Habla de su crisis económica, del fracaso “total, extraño, escandaloso, triste”, de su búsqueda de la felicidad, de cómo algunos de sus fieles espectadores le han dado la espalda, de que nunca más formará parte de la producción de sus filmes, de lo que quiere cambiar en su cine y en su vida, del daño y el miedo que le provocan algunos “jueces” que, en su opinión, han intentado machacarle.

Pero detrás de todo ello, reaparece un nuevo Julio Medem. “Es el momento de cambiar de piel, intentar que, a través de ese cambio exterior, llegue el cambio interno”, asegura el director que prepara para el año próximo dos filmes que rodará por primera vez fuera de España y en inglés. Una tragedia griega, ‘Pericles y Aspasia’, y una comedia sexual, con el título de ‘Habitación en Roma’, ambas producidas por Morena Films y distribuidas internacionalmente por Wild Bunch. Dos filmes que se alejan de lo que ha hecho hasta ahora. “Quiero hacer un cine más directo para el espectador, salirme un poco de mí. Hasta ahora he contado lo que me ocurría dentro y me quiero distanciar”.

“Lo que me ha propulsado el cambio ha sido el fracaso de mi última película”. Medem se refiere a ‘Caótica Ana’, su filme quizás más personal, nacido de la pérdida de su hermana Ana en accidente de tráfico, y que, tras su estreno en agosto del año pasado, cosechó un rotundo fracaso de público y crítica. “Para asumir los errores tienes que ser muy sincero, ver lo que no ha ido bien, intentar entender el porqué estaba yo tan eufórico con la película a la que tengo un cariño especial, de la que, por otra parte, me siento muy orgulloso. Me viene bien admitir mis errores para quitarme vicios, defectos repetidos. Es una cuestión de claves de lenguajes, de planos, quiero ponérselo más fácil al espectador, aunque a mí me cueste más trabajo hacerlo. El caso es que tengo que abrirme un poco más”.

Asume sus errores pero también ataca. “Tengo que asumir que mi película no guste, estoy acostumbrado a ello y no me preocupa. Pero sí recibo mal las agresiones y esta agresión ha sido muy fuerte. Ha habido gente que se ha vuelto loca contra mí, han dicho cosas muy duras. Ciertos jueces, que no son muchos pero tampoco pocos, han entrado muy fuerte con la intención de machacarme”. ¿Con el término jueces se refiere a los críticos? “Sí, y ciertos comentaristas de prensa. Lo que me ha pasado no me lo esperaba. Uno se puede esperar de todo, pero en el fondo hay una parte de ti que no quiere esperar lo negativo y yo no me podía imaginar el juicio sumarísimo al que he sido sometido, después de lo que pasé con La pelota vasca. Creía que encontraría más ayuda, que me animarían el alma”.

No ha sido así. Tampoco por parte de sus compañeros de la Academia de Cine. Ni una nominación a los Goya -”me hizo daño, yo no esperaba nada para mí con todo lo que me había caído ya encima, pero sí confiaba en alguna nominación para Manuela Vellés (la protagonista), o la fotografía, o la música o la dirección de arte”-. Por todo ello Medem ha meditado mucho a lo largo del último año y ha viajado con la intención de escapar de la crisis. Y ha podido comprobar cómo ‘Caótica Ana’, en los festivales en los que ha sido proyectada, ha sido mucho más valorada fuera de España. Le duele y no lo niega, pero lo asume. “Siempre me ha pasado que mis películas han sido mejor entendidas y valoradas fuera de España, que ha habido un mayor reconocimiento, pero con ‘Caótica Ana’ la diferencia ha sido exagerada”. Por eso, entre otras cosas, se plantea rodar fuera de nuestro país por primera vez. “No es para nada una reacción en contra del público, pero hay algo de mí que prefiere salir fuera, garantizarme el mercado internacional”.

De momento, en abril y en Grecia, comenzará el rodaje de “Pericles y Aspasia”, una historia de amor situada en el siglo V antes de Cristo en Grecia y basada en hechos reales. “Pericles me ha salvado”, asegura el realizador. Ha estado documentándose y estudiando durante un año, se ha empapado de la época, el arte, la filosofía y el pensamiento de Sócrates, Eurípides y Sófocles, contemporáneos y amigos de Pericles. Contada desde una nave, en una operación militar en los comienzos de la guerra del Peloponeso entre Atenas y Esparta, Pericles cuenta a Eurípides su historia de amor con Aspasia, una joven de la que se decía que tenía la belleza de Afrodita y la sabiduría de Atenea.

“Pericles y Aspasia” será una gran producción, todo lo contrario de “Habitación en Roma”, cuyo rodaje está previsto para el otoño en la capital italiana. El filme, lleno de sexo y pasión e inspirado en “En la cama”, del chileno Matías Bize, narra el encuentro en un hotel entre un ruso y una española, papel que hará Elena Anaya. “Será la película más sencilla que haya hecho nunca”.

“Voy a disfrutar con estas historias”, dice. “Quiero ser muy feliz y lo estoy siendo, soy optimista, por fuera tengo una parte frágil pero por dentro soy un bloque. He tenido un público y lo quiero recuperar. Parte de ese público se ha lanzado al agua, no me engaño, pero estoy dispuesto a recuperarlo”.

Por Rocío García

El director austríaco vuelve a la palestra con “Funny Games U.S.” una película oscura y turbadora protagonizada por Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt, remake de otra película suya de hace diez años atrás.

¿Cómo piensa que han cambiado los medios en los últimos diez años desde el estreno de la primera versión de “Funny games”? ¿Cómo cree que ha cambiado la perspectiva de los espectadores en cuanto a su visión de la violencia?
Creo que la película es más relevante ahora porque las películas son más brutales y las estrategias de ventas son más refinadas. También me refiero a estrategias de ventas desde un punto de vista estético, no desde un punto de vista comercial, sabes, sino la forma en que se hace el marketing de una película ha cambiado.

¿Se ha planteado nuevas preguntas sobre la violencia y los medios con esta versión de la película, o son las mismas que planteó con la versión de 1997?
Las preguntas son las mismas, pero creo que su relevancia ha cambiado.
 
En la época que Ud. hizo la versión original, las películas “Saw” y “Hostel” aún no se habían rodado. Con la llegada de estas franquicias, ¿cómo ve la evolución del cine americano y el papel que se adjudica al espectador de ello?
De alguna manera, es la misma pregunta o está relacionado con el mismo tema de que todo se está empeorando, todo se está haciendo más odioso. Encuentro que las películas de hoy en día son cada vez más planas, más banales y al espectador le tratan como si fuera tonto y con esta película, intento protestar contra eso. Quiero que me tomen en serio como espectador y cuando hago una película intento pensar en mi espectador como una persona inteligente, no tonto, eso es todo.

¿Qué diferencias, si es que las hubiera, hay a la hora de hacer esta película para un público europeo en vez de un público americano? ¿Fue consciente de esta cuestión durante la producción de la remake? ¿Hubo algo diferente en su acercamiento al tema?
No es tanto una cuestión de hablar del público americano contra el público europeo. Lo que importa es que si hago esta película en inglés llega a la mayoría del resto del mundo. Llega a la gente en Asia y África, o donde sea, no solo a Estados Unidos, y eso no es posible con una película rodada en alemán.

Esta es una historia de la invasión de un hogar, pero la gente que invade no quiere robarles sino atemorizar a sus victimas. Por un lado, Ud. demuestra que tenemos hambre de ver violencia. Por otro lado, la película aprovecha los temores que tenemos de convertirnos en victimas. ¿Estaba intentando demostrar ambas ideas o se inclinaba hacia una de ellas?
Como principio, no me analizo a mi mismo, quiero que el espectador interprete mi película. Como espectador, puedes sacar la lectura que quieres de ella. Hay muchas complejidades en esta película?no se trata solo del consumo de violencia?aquello es solo un aspecto de la película. Espero que las otras complejidades sean claras para el espectador cuando la vea. No quiero dar una manual de instrucciones de cómo hay que ver esta película- todo el mundo puede interpretar la película como quiera, la película termina con el espectador. No termina con mi opinion.

El tema de la película es muy provocativo. ¿Por qué es este un asunto tan importante, sobre todo dentro del paisaje cultural actual?
Todo el que infringe la corriente principal de pensar y no me refiero solo al cine, generalmente es provocativo. Cualquiera que sea la antítesis a la norma y a la forma convencional, se le llama obsceno y provocativo. Así que si lo interpretas así, espero que todas mis películas sean obscenas y provocativas. Pero hay que tener en cuenta que lo obsceno es lo contrario de lo pornográfico. Mis películas no deberían ser pornográficas pero pueden ser obscenas y provocativas.

¿Cómo fue el proceso del casting? Con unos papeles tan comprometidos, ¿qué buscaba en los actores?
Una de las condiciones para que hiciera la película era que Naomi Watts interpretaría a Anna porque pensaba que ella sería ideal para este papel como una actriz de habla inglés. En cuanto a los otros actores, los buscaba según los criterios que siempre me guían cuando busco actores: la calidad del actor. No me interesa un tipo en concreto- me interesa un actor o una actriz que encaja en el papel, que trabaja en ese papel, y en este caso en concreto, necesitaba actores que podrían interpretar unos papeles muy comprometidos.

¿Cómo ha elegido los actores para los papeles de los dos intrusos en esta remake? ¿Buscó algo en particular?
Buscaba buenos actores?era el criterio más importante para mí. Era importante que fueran ideales para el papel y que fueran actores que son emocionantes de ver en pantalla y con Michael Pitt y Brady Corbet, creo que encontré aquello con ambos actores. Esta el hecho que estos actores son algo parecidos. Los dos son rubios, de un tamaño parecido etc., y tienen más o menos la misma edad, que es una coincidencia. A mí me da igual el color de su pelo. Por ejemplo, en la original en alemán, son unos tipos muy distintos. Yo simplemente buscaba los mejores actores para los papeles.

¿Qué películas en la filmografía de Naomi Watts le convencieron para elegirla para la remake de “Funny games”?
La vi en “21 grams” y “Mulholland drive” y me pareció una actriz increíblemente buena. Sencillamente quería trabajar con ella porque creo que es una actriz excelente.

Cuando trabaja con los actores ¿cómo consigue aquellas expresiones terroríficas y aquellas interpretaciones tan magníficas? ¿Cómo les ha ayudado a conseguir un nivel de intensidad y de emoción tan consistente a lo largo de la película?
Es imprescindible contar con actores de primera clase y hay que evitar errores. Por ejemplo, Fred Zinnemann un paisano mío que trabajó mucho en Hollywood. Hizo películas como “High noon” y “The nun’s story” él dijo una vez cuando le preguntaron básicamente la misma pregunta o sea de cómo conseguía tan buenas interpretaciones de sus actores, y él dijo que es bastante fácil. Necesitas a) un buen reparto y b) hay que evitar errores. Puede sonar banal, pero es verdad y hacer un buen casting no solo quiere decir conseguir buenos actores pero que los buenos actores encajen con sus papeles. Y cuando se habla de evitar errores, quiere decir que si ellos se desvían en algún momento del guión o de la visión del director, tienes que saber cómo hacerles volver y esto por supuesto, es muy complejo y muy difícil. No existe ninguna receta para esto pero básicamente se puede resumir con esos dos puntos.

¿Cuales son sus favoritas películas de los últimos cinco años?
Las películas de Abbas Kiarostami y Bruno Dumont.

Cuándo eras pequeño, ¿qué películas querías hacer cuando llegaras a ser un director?
De hecho, cuando era niño no pensaba en hacerme director, quería ser cualquier otra cosa según la edad que tenía. Quería haber sido músico pero desgraciadamente no tenía suficiente talento así que me convertí en director.

¿Piensa volver a hacer alguna otra de sus películas? Si es así, ¿cuáles?
No, desde luego no volvería a hacer ninguna otra de mis películas.

¿Cuáles son sus próximos proyectos?
Estoy trabajando en una película que se sitúa antes de la primera Guerra Mundial, sobre los niños que se han criado en esa época y que luego se convierten en la generación de los nazis.

Borja Cobeaga se pasa al largo. Nominado al Oscar 2007 al mejor corto por “Eramos pocos”, el cortometrajista vasco inició hace una semana en Bilbao el rodaje de su ópera prima, “Pagafantas”, una comedia romántica cuyo título esconde “un fenómeno de toda la vida.” Gorka Otxoa y la argentina Sabrina Garciarena son los protagonistas de esta producción en la que también participa el humorista Julián López, Kiti Manver, Oscar Ladoire, María Asquerino y Michel Brown. Veamos como anuncia el proyecto el director en su blog:

“No sé si el lector de este blog sabe que en Euskadi se folla poco. El País Vasco es la Laponia sexual, el Polo Norte de la libido, la sección de congelados de la ONU. Lo que sí sabrá el lector es que toda comedia adolescente y post-adolescente de los últimos 30 años se basa en el mismo conflicto argumental: ‘follo nada o poco, ¿cómo lo soluciono?’

Es curioso que en Euskadi nunca nos hayamos planteado la idea de hacer una película sobre el (auténtico) problema vasco. Para mí las películas de Medem contienen demasiado sexo como para considerarlas ‘cine vasco’. Son casi ‘caribeñas’. El verdadero cine vasco es célibe. Las parejas no se besan ni se desnudan. Como mucho se cogen la mano al segundo mes de salir. Beso en la mejilla a los seis meses. Y así sucesivamente. Siempre quise hacer una película situada en la Euskadi real: aquella en la que los bares cierran pronto y se folla poco.

Ser un ‘pagafantas’ puede pasarle a cualquier ser humano, pero la idiosincrasia vasca propicia que este fenómeno florezca. ¿Qué es un pagafantas? Un chico que aun teniendo un interés amoroso en una chica, esta le considera un amigo sin ningún peligro sexual. El chaval nunca dirá nada. Nunca confesará sus intenciones reales. Sólo estará merodeando a la chica, siendo su mejor amigo, su confesor, su paño de lágrimas, para ver si en algún momento cae algo, si en un instante de debilidad ella lo ve con distintos ojos.”

Blog de Borja Cobeaga