el blog de Lente Creativo

Agosto 31, 2008

“Gake no ue no Ponyo” fue presentada en Venecia

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El genial director japonés de animación Hayao Miyazaki sigue sin intención de cambiar su lápiz por gráficos hechos por ordenador y seguirá dibujando a mano sus películas tanto tiempo como pueda, aseguró el domingo. La nueva película de Miyazaki “Gake no ue no Ponyo” (“Ponyo sobre el acantilado”), que ya es un gran éxito de taquilla en su país, aspira al premio del Festival de Cine de Venecia, donde el director ya ganó un premio a toda su carrera en 2005. Inspirada por el cuento de Hans Christian Andersen ”La sirenita”, la película está dibujada a mano por completo y cuenta la historia de un pequeño pez dorado que desea convertirse en humana para estar con su amor Sosuke, un niño de cinco años.

“Creo que la animación es algo que necesita el lápiz, necesita el dibujo a mano del hombre, y por eso decidí hacer así este trabajo”, dijo a los periodistas el tímido y canoso director tras la proyección para la prensa. “En la actualidad, por supuesto, los gráficos por ordenador se utilizan mucho y, como he dicho antes, en ocasiones ese uso puede ser excesivo”, añadió, hablando a través de un intérprete. “Seguiré utilizando mi lápiz tanto tiempo como pueda”. Licenciado en políticas y económicas, Miyazaki se interesó por la literatura infantil en la universidad, y trabajó como dibujante para la japonesa Toei Animation antes de crear en 1985 Studio Ghibli, que aún dirige pese a los repetidos anuncios sobre su retiro.

Ahora, a los 67 años, Miyazaki comentó que sigue reclutando dibujantes jóvenes para nuevos proyectos. “Cuando haga mi próximo trabajo tendré más de 70 años, así que creo que probablemente necesitaré ayuda de una generación más joven”, repitiendo loq que viene diciendo desde ya hace un tiempo. Las primeras críticas de la historia de Ponyo, que ofrece la mezcla de magia y realidad característica de Miyazaki, están llenas de alabanzas, y la cinta recibió un cálido aplauso en Venecia. Según The Hollywood Reporter “Es una obra de gran fantasía y encanto que encantará a los niños de entre 3 y 100 años”, añadiendo que “Asoman excelentes perspectivas comerciales”.

Hayao Miyazaki, que ganó el Oscar a la mejor película de animación en 2003 por “Sen to Chihiro no kamikakushi”, ha dirigido tres de las cinco películas más taquilleras en Japón de los últimos siete años. “Gake no ue no Ponyo”, estrenada allí el mes pasado, ya es uno de los mayores éxitos de todos los tiempos del país. El cineasta comentó que al colocar un clásico occidental como el cuento de Andersen en un contexto japonés actual, “‘Ponyo’ atraerá a cualquier persona del mundo” y que aunque está dirigida principalmente a niños, no se había pensado para una audiencia concreta.

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Entrevista a Uma Thurman

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Más allá de la fama, Uma Thurman llama la atención por su distinguida altura y los clarísimos ojos azules que se abren todavía más cuando sonríe al saludar. Estrenando dos películas en una misma temporada, se explica la alegría de alguien que conserva hasta la última gota de humildad, aún cuando ocupa uno de los lugares más importantes de Hollywood. Desde que Quentin Tarantino la consagró definitivamente con la película “Pulp Fiction”, ya no precisa deletrear su nombre para que lo escriban bien. Y buscando conocer a la verdadera Uma, hablamos sobre su crianza budista, los principios como modelo y su papel como madre.

¿Qué esperaba conseguir en los comienzos, cuando recién se había decidido por la actuación como un estilo de vida?
Al principio, quería conseguir algo maravilloso como el cine de “Annie Hall”, “Silkwood” o “Pillow talk”. Quería interpretar esa clase de mujeres, comunicando la experiencia de ser una mujer, con humor y con drama. Era todo lo que quería hacer.

¿Y ahora qué quedó en el pasado? ¿Cómo recuerda aquellos primeros tiempos?
Me acuerdo que vivía en un cuarto piso por escalera, convencida de que era un buen ejercicio, pero igual no veía la hora de mudarme a un edificio con elevador. Lo peor era el momento de las valijas. Viajaba constantemente, en los tiempos en que volvía de Francia por el rodaje de “Dangerous liaisons”. Llegaba en taxi y ahí estaba yo, con tres valijas, tratando de ver cómo me las arreglaba para llevarlas hasta el cuarto piso, en plena medianoche. Quedaba exhausta. (riendo). Así fueron mis comienzos, siempre buscando llegar bien arriba.

En la académica ciudad de Boston, Uma Thurman nació el 29 de abril de 1970, con un nombre inspirado en la diosa hindú de la luz y belleza (su segundo nombre ‘Karuna’ significa compasión). Todo tiene más sentido al saber que su padre Robert Thurman, ya daba clases de religión en la Universidad cuando se consagró como el primer norteamericano convertido en monje budista. Conservando solamente la filosofía paterna, Uma siguió otros pasos familiares de la madre Nena Thurman y su abuela Brigit Holmquist, que habían sido modelos en Suecia. Y con apenas 15 años, la jovencita Uma Thurman aprovechó las vacaciones de verano para irse a Nueva York, buscando trabajo como modelo y actriz. Tampoco tardó en llamar la atención cuando gracias a los viajes y sus tres pesadas valijas, consiguió el personaje Cecile en la película “Dangerous liaisons” junto a Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer y un por entonces desconocido Keanu Reeves.

¿Teniendo a un monje budista como padre, también creció con los principios budistas?
Todas nuestras conversaciones en casa trataban de eso. Como filosofía, el budismo es muy bueno. Las simples reglas y responsabilidades de causa y efecto, el karma, me parece que son excelentes y así me crié.

¿Era fácil de entender la filosofía de aquella religión en la infancia?
Yo siempre quise ser normal como todos los demás chicos. Todo lo que se veía extraño o me separaba de la gente por mis propios miedos, era demasiado estresante. Y el budismo cayó en esa categoría. Yo quería ir a la Iglesia y cantar con todos los demás, sentirme parte del grupo, pero la receta era ser diferente. Y por eso supongo que hubiera captado mucho más si no fuera por mi desesperación por querer ser tan normal.

Igual conoce muy bien al Dalai Lama ¿Lo ve seguido? ¿Intimida estar a su lado?
No tan seguido. Es una persona muy ocupada. Lo peor de verlo personalmente es cuando te mira directo a los ojos y te pregunta “¿Para qué viniste? ¿En qué puedo ayudarte?”. Tu mente se vuelve completamente en blanco y sólo se te ocurre pensar “¿Qué puede hacer él por mí? Yo debería hacer algo por él” (rísas).

¿Parte de su infancia la pasó en la India, con sus padres?
Había ido primero, cuando era bebé y por supuesto no me acuerdo nada de esa época. Pero después volví a los nueve años y siendo tan chica, creo que resultó una experiencia increíble dejar Estados Unidos para pasar un tiempo tan largo en aquella cultura. Definitivamente me hizo vivir las condiciones de vida en un nivel diferente, viendo tanto sufrimiento, aunque también descubrí la increíble felicidad cuando falta el dinero. Es algo que no siempre se ve creciendo dentro de una familia de clase media. Fue una experiencia poderosa para mí.

¿La altura o la boca grande que hoy resulta tan sensual alguna vez fueron blancos de burlas durante la época de escuela?
Por supuesto. La altura era pésima y la boca grande o la nariz grande y los ojos tan espaciados resultaron un problema. Todo era un gran problema.

Las primeras escenas que le tocaron en las películas “Dangerous liaisons” o “Henry and June” eran bastante subidas de tono para alguien de su edad, en aquel entonces ¿Estaba preparada para algo semejante?
No, no lo estaba. A lo mejor, por ser tan alta o bastante independiente y muy precoz verbalmente, la gente me tomaba como alguien más adulto de lo que era, mucho más mujer. Y creo que siempre fue una especie de desafío, porque conseguía personajes con experiencias femeninas que yo ni siquiera había vivido todavía. Pero imagínate, a cualquier jovencita le gusta que la tomen como mujer. ¿No? Aunque no sepas lo que haces y termines imitando la madurez. Pero era difícil confrontar algo que yo no podía controlar. Para que la gente te vea sexy hay que sentirlo en la piel porque sino, suena muy extraño que proyecten cosas que no se pueden manejar cuando no se entiende realmente el significado.

¿En qué medida ayuda en su trabajo la realidad? ¿El hecho de ser madre, por ejemplo, facilita interpretar una madre en la ficción?
Estoy segura que hubiese podido interpretar el mismo papel aunque no hubiese tenido hijos. Supongo que muchas mujeres que no tienen chicos entienden profundamente lo que se siente amar a los niños y protegerlos con toda la pasión. Muchas mujeres hubiesen podido interpretar este personaje maravillosamente.

¿Qué edad tienen sus hijos hoy?
Tengo una hija de nueve y un varón de seis.

¿Todavía falta tiempo para lidiar con ellos la misma búsqueda de independencia adolescente que usted vivió en primera persona?
Ni la espero. No me gusta nada de la adolescencia. La pubertad da miedo, es un momento doloroso.

No ha hecho demasiados personajes de madre…
Me gusta hacer personajes más reales y en mi carrera no siempre me contrataron para ese estilo de cine. Por eso, es increíblemente gratificante poner mis manos alrededor de una historia humana. Supongo que resulté buena en otro estilo y el destino me empujó en otra dirección.

Agosto 30, 2008

Mario Monicelli en la Biennale

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Italia “es una península a la deriva que se sabe donde irá a naufragar” y la cultura italiana “no existe; apenas si el cine da últimamente señales de vida”: éste el el diagnóstico de Mario Monicelli. El director presentó hoy en el 65to. Festival de Venecia su último filme, sobre el barrio romano en el que vive, y al mismo tiempo una de sus obras más desafortunadas, “Toh, è morta la nonna”, de 1969. Para el director se trata de “un país que después del sacrificio de una generación en la última postguerra ahora quiere solo divertirse”.

La misma amarga ironía es aplicada para uno de sus colegas más ilustres: “No veo la hora de que desaparezca Manoel de Oliveira, que siempre ha sido mi obsesión: es más viejo que yo, mejor director que yo y lo invitan a más festivales que a mí” declaró con sorna. Monicelli, en efecto, tiene 93 años, siete menos que el maestro portugués, y ambos se hallan representados en el festival con sendos cortos, “Do visivel ao invisivel” y “Vicino al Colosseo c’è Monti”, respectivamente. Su frase cáustica refleja un cierto sentido de inferioridad ante un cineasta que todos los años es capaz de producir un largometraje mientras él a duras penas realiza uno cada cinco años.

Fiel a su imagen, el maestro de la comedia a la italiana, el último viviente junto a Ettore Scola, ostenta más de una frase corrosiva en ocasión del estreno de su corto de 22 minutos, dedicado al barrio Monti. “Quería contar la vida de un barrio romano, tal vez el más antiguo de la ciudad, no con el tono enfático que se merece una ex capital de imperio sino con el de la cotidianeidad, hablando de sus artesanos, de sus negocios de ropa curiosa y de sus escuelas de baile, teatro y música”. Y añadió: “Quería sobre todo acicatear la curiosidad del romano que desconoce la existencia de uno de los lugares más típicos y menos corrompidos por la modernidad que existan en su ciudad”.

“Z32″ de Avi Mogravi en Venecia

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El cineasta israelí Avi Mograbi da un giro a su carrera como documentalista crítico para trasladar sus armas políticas habituales al género musical y obtener un impactante experimento, “Z32″, que fue proyectado y ovacionado hoy en Venecia. En tono de filme-entrevista cuenta las impresiones de un soldado de elite israelí después de haber matado a dos policías palestinos, con puntuales desviaciones hasta el salón de la casa del director, donde, con orquesta incluida, interpreta canciones paródicas. Mograbi ejerce, entonces, de maestro de ceremonias de este cabaré casero en el que se lanzan los dardos en letras como “deja un hueco para la nariz y la boca para poder apreciar tu sonrisa” -en referencia a los pasamontañas usados por los soldados israelíes- y en el que la parcialidad nunca es un impedimento para el tono documental.

Pero, aunque no oculta en ningún momento su posición respecto a su entrevistado -ni siquiera al propio entrevistado-, el realizador insistió: “No quería perder en ningún momento la idea de que estaba entrevistando a una persona” y, por ello, para mantener su intimidad, convierte su rostro digitalmente en hasta tres modelos completamente diferentes. Así, se introduce de manera moralmente arriesgada -”¿qué hago cantando sobre él en vez de denunciarlo?”, se pregunta él mismo en una de las canciones- en la cotidianeidad del soldado, el que se despide de su novia diciendo que “tengo que ir a matar a seis palestinos” y se siente profesionalmente desaprovechado si no hay batalla que librar.

“Cuando estaba atacando, me veía desde fuera corriendo y actuando como un robot. Entonces se me dibujaba una sonrisa, supongo que por el ’subidón’ de adrenalina”, explica ante las cámaras, y añade: “Me decían que disparara a cualquiera que supusiera una amenaza, lo que para mí significa cualquier hombre de más de cinco años”. Mograbi crea el contraste al entrevistar al protagonista de este documental junto a su novia, ante la que confiesa: “Tengo miedo de que alguna persona a cuyo padre maté me reconozca por la calle y quiera vengarse”, y a la que pregunta: “¿Entonces, me consideras un asesino?”.

La complejidad está, entonces, servida en “Z32″. “Con las canciones queríamos demostrar la incapacidad de esta realidad para convertirse en algo bello”, explicó el director que, nacido en Tel Aviv en 1956, ha realizado documentales siempre en torno a la cuestión arabe-israelí, como “How I learned to overcome my fear and love Arik Sharon” (1997). ¿Y la efectividad? “El soldado ha visto la película y no sé si le ayudará a cambiar la visión de lo que hizo. Sólo sé que su pareja se rompió”, aseguró Mograbi. No obstante, originalmente, el director había concebido “Z32″ como un proyecto mucho más ambicioso, ya que la entrevista iba a ser material para hacer un libreto para una ópera. “Al final, por razones de presupuesto, fue imposible”, aseveró.

Agosto 29, 2008

Restauradora española dio conferencia en Valparaíso

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La experta en restauración fílmica, la española Rosa Cardona, representante de la filmoteca de Catalunya, dijo en Valparaíso (Chile) que el cine es “muy frágil” y que por lo tanto es muy importante restaurar los archivos fílmicos, que han sido víctimas de transiciones tecnológicas y dictaduras. Cardona, quien participó en el Seminario “Identificación y Conservación de Materiales Audiovisuales”, enmarcado en el 12 Festival Internacional de Cine de Valparaíso, destacó la importancia de recuperar los archivos fílmicos, para preservar el séptimo arte. La experta ibérica sostuvo que la clave está en cómo conservarlos, “porque el cine es un formato muy frágil y los soportes se degradan”.

“A nivel mundial ya ha habido una pérdida patrimonial muy grande, todos los archivos del mundo están luchando para recuperar las películas que se pueda, restaurarlas para darlas a conocer”, precisó Cardona, que también destacó que las nuevas tecnologías “hacen que cada vez este proceso sea más fácil”. La experta precisó que el cine “ha vivido momentos muy graves independientemente de cada país”, en alusión a las dictaduras latinoamericanas y, además, “a las transiciones de tecnología, con sus consiguientes repercusiones”. Agregó que “es muy importante que la gente que posee una película no piense que es una más, porque muchas veces conservan un filme que puede formar parte del patrimonio de la cinematografía de cada país.”

“Este es el sentido de las filmotecas, intentar recoger las películas darles más seguridad, pasarlas a un soporte que sea posible salvarlo 300 o 500 años, para que sean accesibles a todo el mundo”, indicó. Recalcó que “si una persona tiene una película de éstas en su casa, impide que el resto de la gente pueda verla”, explicó. Respecto al festival, la experta española indicó que se trata de un evento muy interesante porque “es la posibilidad de ver los resultados de la recuperación. Reúne el esfuerzo de las cinematecas, esfuerzos que son vitales para recuperar la memoria”, dijo y recalcó que “todavía hay mucho material que se puede recuperar en el futuro.

Denuncian posible desaparición de Muestra de Cine de Guadalajara y de la Feria del libro

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Un grupo de directores, guionistas, productores y actores de cine, dieron a conocer un comunicado en el que se oponen a la posibilidad de que desaparezcan la Muestra de Cine de Guadalajara (México) y la Feria Internacional del Libro, como consecuencia de las pugnas al interior de la Universidad de Guadalajara. En un comunicado firmado por Pedro Armendáriz, Felipe Cazals, Jorge Fons, Everardo González, Paul Leduc, Vicente Leñero y Bertha Navarro, señalan que las acusaciones surgidas en el sentido de que el presupuesto universitario no debe irse “a la farándula y a los negocios” ponen en peligro ambos encuentros, que “se han convertido en un faro continental de la cultura”.

Resulta alarmante –señala el documento– “que se diga que una universidad no debe intervenir en ‘actividades no prioritarias’, como si la difusión cultural no fuese un espacio académico determinante para la divulgación de las ideas y las obras libremente concebidas. Con argumentos similares, la cultura del país cada vez tiene menos apoyos para su fomento y desarrollo, continuando con la perversa intención de desaparecer las escuelas de cine y la industria cinematográfica nacional, extinguir las editoriales, librerías y lectores y convertir nuestras pantallas cinematográficas en el escaparate único de materiales extranjeros, por sólo hablar de estos dos campos”. En ese sentido, llaman a la comunidad cultural y a la opinión pública a “mantenerse alerta” ante este intento que va “contra el esfuerzo de las universidades públicas mexicanas”.

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