Woody Allen se presentó con su banda en Festival de Jazz de Montreal

El cineasta estadounidense Woody Allen cambió la cámara por el clarinete en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, donde su “dixie band” interpretó clásicos de Nueva Orleans y el famoso tema “La vie en rose”. Sentado en medio del escenario, con su pierna derecha cruzada sobre la izquierda, el pie marcando el ritmo y un aire pensativo, Allen encadenó junto a su New Orleans Jazz Band una quincena de temas que recordaron sus películas. “Espero que les guste. Es la primera vez que vengo a Montreal”, declaró Woody Allen, un poco tímido ante 3.000 personas que pagaron 10 veces el precio de una entrada al cine para verlo en vivo. Los solos de clarinete de Woody fueron calurosamente aplaudidos. “No quiero que otros músicos de jazz se enojen porque la gente viene a verme aunque no sea muy bueno. Hay que verme como un ‘amateur’ que se dedica a su hobby”, declaró el cineasta de 72 años al diario La Presse, en una entrevista.

Luego de 80 minutos en escena, Allen y sus compañeros de la New Orleans Jazz Band -grupo con el cual toca regularmente en un pequeño club de jazz de Nueva York- se retiraron del escenario en la Place-des-Arts de Montreal, pero el público, insistente, obligó a la banda a consagrarles otros 40 minutos. Woody Allen y los seis músicos de su New Orleans Jazz Band tenían previsto tocar por segunda vez el lunes en el Festival de Jazz de Montreal, uno de los más importantes del mundo, con una afluencia de casi 2 millones de espectadores cada año. El público también reservó un recibimiento entusiasta a un homenaje al cantante francés Léo Ferré, promovido por el pianista Roberto Cipelli. El regreso a los escenarios de Leonard Cohen marcó la primera parte del festival. Las presentaciones de los pianistas cubano Gonzalo Rubalcaba e israelí Yaron Herman también sedujeron a los críticos. La 29 edición del Festival de Montreal continúa hasta el domingo 6 de julio.

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La Academia de Hollywood homenajeará a Bergman

La Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMPAS) de Hollywood está planeando una gran retrospectiva/exhibición sobre la figura de Ingmar Bergman, que tendrá su debut en la sede de la institución ubicada en Beverly Hills en enero de 2010. La directora de exhibiciones Ellen Harrington visitó recientemente Suecia para armar la muestra que incluirá casi todos los filmes del genial realizador. Según Harrington, que en su estadía en ese país participó de la Semana Bergman en la isla de Farö, se han realizado nuevas copias de alrededor de 35 films. Aunque con algunas réplicas de documentos, ya que hay originales que no se pueden mover de Suecia, la Academia exhibirá tantos posters, vestuarios, guiones, cartas y fotos como le sea posible. “La carrera de Bergman fue de mucha influencia para toda una generación. Ahora queremos presentárselo a los más jóvenes.” Concluyó Harrington. Bergman ganó tres premios Oscars en el rubro de película hablada en lengua extranjera, por los filmes “Jungfrukallan” (1960), “Sasom i en spegel” (1961) y ”Fanny och Alexander” (1983), además de recibir el premio Irving G. Thalberg de 1970 y estar nominado en rubros como guión, dirección y película en varias oportunidades.

Filmoteca Vasca digitaliza archivos

La Filmoteca Vasca acaba de cumplir tres décadas, una fecha redonda que encara con la tarea de digitalizar buena parte de sus fondos. El proceso comenzó el pasado ejercicio con la compra de los equipos necesarios para este trabajo. Digitalizó una pequeña parte de material, pero el empujón se está dando ahora. A finales de año espera haber tratado 800 horas de película. Así lo anunció ayer el director gerente de la entidad, Mikel Arregi, quien explicó que la idea para el futuro no es digitalizar la totalidad de los fondos, pero sí el conjunto del material histórico documental sobre Euskadi (o País Vasco, en España) y todo lo referente al cine de ese origen. En cualquier caso, será un proceso “continuamente vivo”, ya que la Filmoteca sigue recibiendo películas cada año.

Arregi presentó la memoria de 2007 junto al viceconsejero de Cultura, Gurutz Larrañaga. Según consta en ese informe, la entidad recibió el pasado año 356 nuevos títulos, repartidos en 185 largometrajes, 167 cortos y dos mediometrajes. Ello supuso un incremento de 221.460 metros de material filmado, por lo que el fondo del archivo de la Filmoteca supera ya los 4,9 millones de metros de película. Durante 2007, la Filmoteca restauró dos filmes: “Bilbao?” realizado por Policarpo Fernández en 1960, muestra las chabolas que ocupaban entonces el espacio donde ahora se levanta el Museo Guggenheim; y “Gente de mar” (1957), de Carlos de los Llanos, se detiene en la pesca de la anchoa en San Sebastián. La entidad ha cerrado ya un convenio con la Filmoteca de México para intercambiar material y en breve hará lo mismo con las de Chile, Venezuela y Colombia.

Luigi Pirandello y los 141 años de su nacimiento

Escritor y premio Nobel italiano, considerado como el más importante autor teatral de la Italia del periodo de entreguerras. Pirandello nació el 28 de junio de 1867 en Villaseta de Càvusu -actualmente Xaos- en las afueras de Agrigento, ciudad de Sicilia, y estudió en las universidades de Roma y Bonn. Fue profesor de literatura italiana en la Escuela Normal Femenina de Roma, entre los años 1897 y 1921, cuando su creciente reputación como escritor le permitió dedicarse por completo a su carrera literaria. Se hizo mundialmente conocido en 1921, a raíz de la publicación de “Sei personaggi in cerca d’autore” (1921). Las obras más sorprendentes de Pirandello, son las teatrales, cuyos protagonistas, profesores, propietarios de pensiones y curas, entre otros, suelen pertenecer a la clase media-baja. En estas obras se reflejan las ideas filosóficas del autor, como la existencia de un arraigado conflicto entre los instintos y la razón, que empuja a las personas a una vida llena de grotescas incoherencias; igualmente considera que las acciones concretas no son ni buenas ni malas en sí mismas, sino que lo son según el modo en que se les mire; y, por último, cree que un individuo no posee una personalidad definida, sino muchas, dependiendo de cómo es juzgado por los que entran en contacto con él.

Sin fe en ninguno de los sistemas morales, políticos o religiosos establecidos, los personajes de este autor encuentran la realidad sólo por sí mismos y, al hacerlo, descubren que ellos mismos son fenómenos inestables e inexplicables. Pirandello expresó su profundo pesimismo y su pesar por la condición confusa y sufriente de la humanidad a través del humor. Sin embargo, éste es singularmente macabro y desconcertante. La sonrisa que despierta procede más bien de lo embarazoso, y a veces amargo, que resulta reconocer los aspectos absurdos de la existencia. Fue un importante innovador de la técnica escénica e, ignorando los cánones del realismo, prefirió usar libremente la fantasía con el fin de crear el efecto que deseaba. Ejerció una gran influencia al liberar al teatro contemporáneo de las desgastadas convenciones que lo regían, y preparar el camino al pesimimismo existencialista de Anouilh y Sartre, así como a las comedias absurdas de Ionesco y Beckett, y al teatro en verso, de carácter religioso, de Eliot.

Llevadas al cine: “Così è (se vi pare)” de la que Greta Garbo protagonizó una versión llamada “As you desire me” junto a Erich Von Stroheim; “Ma non e cosa seria” que sería protagonizada en cine por Vittorio De Sica, “Il fu Mattia Pascal” filmada por Pierre Chenal con el nombre de “L’homme de nulle part”; “Come prima, meglio di prima” con Claude Rains y Merle Oberon rodada bajo el nombre de “This love of ours” (1945) y luego bajo el nombre de “Never say goodbye” (1956) con Rock Hudson y George Sanders; “L’uomo, la bestia e la virtù” con Totó y Orson Welles; “Vestire gli ignudi” con las actuaciones de Pierre Brasseur y Gabriele Ferzetti realizada en 1953; “Liolà” llevada al cine en 1964 con Ugo Tognazzi, Pierre Brasseur y Anouk Aimée; “Il viaggio” (1974) con Sophia Loren y Richard Burton dirigidos por Vittorio De Sica; “Il turno” encabezada por Vittorio Gassman y Laura Antonelli; o “Enrico IV” (1984) dirigida por Marco Bellocchio con Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale y Leopoldo Trieste.

Los hermanos Paolo Taviani y Vittorio Taviani adaptaron varios cuentos suyos en “Kaos” con un elenco que incluía a Omero Antonutti, Enrica María Modugno y Ciccio Ingrassia; y en “Tu ridi” con Antonio Albanese y Turi Ferro entre otros. Mario Monicelli hizo otra adaptación de “Il fu Mattia Pascal” en 1985 con “Le due vite di Mattia Pascal”, personaje encarnado esta vez por Marcello Mastrianni, junto a Senta Berger, Laura Morante, Laura Del Sol, Andrea Ferréol y Bernard Blier. En 1986, el mexicano Felipe Cazals filma un cuento de Pirandello con el nombre de “Las inocentes” protagonizado por Ana Bertha Espín, María Rojo y Ana Ofelia Murguía. En 1999 Marco Bellocchio vuelve a dirigir una historia de Pirandello en “La balia” con Fabrizio Bentivoglio y valeria Bruni-Tedeschi. “Liolà” se ha vuelto a filmar en 2008 con Giancarlo Giannini, Sergio Rubini Mónica Cruz y Michele Placido. En 2001 Jacques Rivette incluye parte de un texto del maestro Pirandello en su filme “Va savoir”. Otras obras de Pirandello son “Il piacere dell’onesta” y “Questa sera si recita a soggetto”. Paralelamente escribió narraciones breves. Obtuvo el Premio Nobel de Literatura en 1934 y falleció dos años más tarde, el 10 de diciembre de 1936, en Roma.

Pirandello era hijo de Caterina Ricci-Gramitto y de Stefano Pirandello, comerciante garibaldino de clase media pero de ascendencia ilustre, inversor en la industria del sulfuro. Tanto los Pirandello como los Ricci-Gramitto eran fuertemente antiborbónicos y participaban activamente en el movimiento “Il Risorgimento”, destinado a la unificación democrática de Italia. Stefano llegó a participar en la famosa aventura de Los Mil, siguiendo a Garibaldi a la batalla de Aspromonte mientras Caterina, que apenas contaba con trece años, debió emigrar junto con su padre a Malta donde había sido enviado al exilio por la monarquía borbónica reinante. De los sentimientos de decepción que sus padres (especialmente Caterina) acuñaron tras el establecimiento de la unificación y su posterior y traumática realidad, Pirandello extraería buena parte de la atmósfera emocional que caracterizaría sus escritos. Es también posible que la sensación de traición y resentimiento inculcara en el joven Luigi la desproporción entre ideales y realidad que subraya en su ensayo “L’umorismo”. Como muchos niños de la época, Pirandello recibió su educación básica en su propio hogar. Quedó fascinado por las fábulas y leyendas de tono mágico que su tutora Maria Stella solía narrarle. A la precoz edad de doce años escribió su primera tragedia. A insistencia de su padre se inscribió en una escuela técnica, educación que complementó con el estudio de humanidades en el ginnasio, por las que sentía mucha mayor afinidad.

Andrew Stanton sobre “WALL·E”

El realizador estadounidense Andrew Stanton, dijo hoy que el éxito de los personajes animados de los estudios Pixar radica en que tienen características de los humanos y eso es lo que ha querido reflejar en su último trabajo, “WALL-E”, con el que ha buscado crear la sensación de que es un documental. La última película de Pixar, estudios que han revolucionado el cine de animación y que, estrenada el pasado viernes en Estados Unidos, ya arrasa en taquilla y es considerada la mejor película en lo que va de año para la crítica estadounidense. Stanton, ganador de un Oscar por la Mejor Película de Animación en 2003 por “Finding Nemo” y guionista además de “Toy story” (1995), “A bug’s life” (1998) o “Monsters Inc.” (2001), afirmó en declaraciones a Efe que los filmes de animación deben tener “personajes reales”. Personajes “con las mismas virtudes y defectos que todos tenemos. Que no todo sea felicidad o tristeza sino que haya de todo, y así sucede en nuestras historias”. En una visita promocional a México con motivo del estreno la próxima semana de “WALL·E”, Stanton señaló que en esta cinta se ha logrado mejorar la animación y que aumente la sensación de realismo “Quería que el público disfrutará de ver una película rica en todos los sentidos”.

“Hicimos un gran trabajo para que la película se viera así. Trabajamos mucho en la iluminación, en todo, para que se sintiera como si hubiera un camarógrafo ahí, para que tuvieras la sensación de tener frente a ti un documental’, destacó. Lo que no quita que el avance de la tecnología haga que esta parezca rudimentaria: “Un lema que tenemos desde que comenzamos con Pixar es que siempre haremos las peores películas de nuestras vidas, porque la tecnología cada día avanza más. Lo sabíamos y por eso hemos puesto tanto esfuerzo en las historias. Lo mínimo que podemos hacer es que el público se divierta, aunque luego en el futuro se vea realmente horrible. Algún día ‘WALL-E’ será una película especialmente fea.” El director señaló que hace catorce años nació la idea de hacer la historia del filme sobre el último robot que queda sobre la faz de la Tierra, ahora un paraje post-apocalíptico debido a la extrema contaminación y al calentamiento de la superficie. “Tuvimos que investigar mucho sobre el mundo de la basura. Fuimos a un centro de reciclaje para ver cómo comprimen la basura en bloques y observamos muchos documentales. Uno de ellos era sobre una comunidad que vivía en un basural en Guatemala. Luego también vinieron a Pixar muchas personas, como un experto de la NASA que nos explicó sobre lo que le sucede al cuerpo humano en el espacio para el diseño de los personajes humanos en la estación espacial, expertos en robótica e ingeniería aeroespacial.” Agrega Stanton.

La historia transcurre en el año 2700 y narra la vida de un pequeño robot que lleva setecientos años viviendo solo en el planeta, que fue abandonado por los humanos. “En un principio nunca concebí una historia con mensaje de salvar al mundo de la destrucción; sin embargo, conforme se creó la historia fueron tomando forma las ideas hasta llegar a ser una trama rica en mensajes positivos”, dice el director. Stanton afirmó acerca de una de las cintas más aplaudidas por la crítica de su país que está satisfecho del resultado de la misma, donde creó un planeta abandonado por los humanos debido a la polución para contar una historia de amor. “Utilicé todos estos elementos con mucha honestidad. Sólo lo hice para apoyar la historia de amor y para hacer la pregunta que se hace WALL-E en este mundo: ¿Cuál es el punto importante de vivir? ¿Qué son las personas y las relaciones? ¿Y el amarnos unos a otros?”, explicó. “WALL-E es un robot que tiene mucho de mí, podría decirse que soy yo, tiene mis miedos e inseguridades, aunque también es un romántico.”

Nelson Mandela conmemoró acto en su honor y festejó su cumpleaños en Inglaterra

“Ahora está en vuestras manos”, subrayó un emocionado Nelson Mandela al celebrar su noventa cumpleaños con un macroconcierto en el Hyde Park londinense el viernes, donde pareció pasar el testigo de la lucha contra el sufrimiento humano. “Decimos hoy, después de casi 90 años de vida, que ha llegado el momento de que nuevas manos soporten la carga. Ahora está en vuestras manos”, dijo Mandela ante un público entregado, que se arrancó de forma espontánea a cantar “cumpleaños feliz” cuando el líder sudafricano hizo su aparición.

Con una fragilidad evidente -tuvo que ser ayudado para llegar hasta el escenario y apoyado en todo momento en un bastón-, aunque sonriente, Mandela recordó a los asistentes que queda mucho trabajo por hacer, especialmente allí “donde hay pobreza y enfermedad, donde los seres humanos son oprimidoS”. “Nuestra misión es lograr libertad para todos”, subrayó el Premio Nobel de la Paz, quien regresó a la misma ciudad que acogió en 1988 un concierto en el estadio de Wembley para exigir su liberación, acto que se convirtió entonces en un emblema en la lucha contra el “apartheid”.

“Vuestras voces cruzaron el mar y nos inspiraron en las celdas de nuestra prisión”, aseguró Mandela en el concierto, celebrado bajo el lema “Está en nuestras manos” y cuya recaudación se destinará a la campaña del ex presidente sudafricano contra el SIDA. Dos años después del concierto de Wembley, Mandela fue finalmente puesto en libertad, tras 27 años en prisiones sudafricanas, y en 1994 se convirtió en el primer presidente negro del país, elegido en las primeras elecciones democráticas y multirraciales de la historia de Sudáfrica.

El concierto en Hyde Park arrancó con los sonidos emitidos por el músico armenio Jivan Gasparayan con su uduk, un instrumento antiguo parecido al oboe con el que hechizó al público, que integraban, según la organización, 46,664 espectadores. El número no es casual. Además de dar nombre a la fundación promovida por Mandela para concienciar de las consecuencias devastadoras del SIDA, 46664 es el número que tuvo el ex presidente sudafricano durante sus años de prisión bajo el régimen del “apartheid” en la cárcel de la isla de Robben.

En su primera intervención, el actor estadounidense Will Smith, encargado de presentar el evento, citó las palabras del músico británico Peter Gabriel para destacar que “si el mundo pudiera sólo tener un padre”, el hombre elegido “sería Nelson Mandela”. El grupo anglo-sueco Razorlight, Sugarbabes -presentadas por el piloto británico de Fórmula 1 Lewis Hamilton- y los británicos Annie Lennox y Simple Minds se sucedieron en el escenario, algunos acompañados por el coro de gospel de Soweto, para rendir homenaje al ex mandatario, que cumple 90 años el próximo 18 de julio.

La audiencia, entre la que se encontraba el primer ministro británico, Gordon Brown, y el príncipe Guillermo con su novia, Kate Middleton, pudo escuchar también las felicitaciones grabadas de quienes no pudieron estar presentes, entre las que destacó la de Bono y The Edge, ausentes por estar grabando un disco. Unas pantallas mostraban al público las palabras de ciudadanos anónimos de todo el mundo deseosos de mostrar su reconocimiento a quien fue aclamado como icono de la lucha contra la opresión, llamado cariñosamente Madiba. Los integrantes de Queen, acompañados por Paul Rodgers, interpretaron algunos de los grandes éxitos de la banda, y el concierto tuvo también representación española, con la actuación del dúo Amaral, embajador de la organización 46664 y que interpretó una canción de Bob Dylan.

Pero sin duda, la actuación más esperada fue la de Amy Winehouse, cuya aparición en el concierto había estado en aire hasta el último momento, tras ser hospitalizada para tratarse de un enfisema pulmonar. La cantante de soul, que salió dos veces al escenario, cantó dos de sus éxitos, “Rehab” y “Valerie”, con público y prensa siguiendo atentamente cada segundo de su actuación. Winehouse fue además la encargada de poner punto y final al concierto con la interpretación de “Free Nelson Mandela”, el que fuera himno para su liberación, acompañada por su compositor, Jerry Dammers, y el resto de artistas.

El concierto de Hyde Park puso punto final a una semana de homenajes a Nelson Mandela en Londres. El miércoles, políticos, actores y otras celebridades ofrecieron una cena al legendario luchador contra el apartheid. Will Smith, Jada Pinkett, Robert de Niro, Pierce Brosan y Denzel Washington fueron algunos de los famosos que participaron en la velada, a la que Bill Clinton acudió acompañado de su hija Chelsea. Clinton no perdió la ocasión de abrazar a Uma Thurman, mientras su compañero, Arpad Busson charlaba con Emma Thompson. La animadora americana Oprah Winfrey compartió mesa con Lewis Hamilton y Elton John. Mandela había tomado el té con la reina de Inglaterra. El patriarca surafricano es una de las pocas personas que se permite llamarla Elizabeth.