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Comparadas a menudo con el Finnegan’s Wake de james Joyce, las Historia(s) del cine de Godard, originalmente concebidas para la televisión francesa y elaboradas entre 1988 y 1998, conforman una de las obras más importantes, ambiciosas y complejas del cine contemporáneo, en su afán compilatorio, didáctico y autorreflexivo por sintetizar la Historia del cine y su relación con la Historia del Arte y la propia Historia del siglo XX en un ejercicio discursivo sin precedentes.

Fruto de su interés por construir un gran relato (hipertexto) que vincule y comunique todas estas historias, del afán por encontrar un nuevo modo de ensayo fílmico capaz de erigirse en forma pensante autónoma, las Historia(s)del cine reúnen una abrumadora cantidad de material que dialoga entre sí y con el propio Godard a través de un complejo sistema de montaje, ars combinatoria por excelencia, en el que las superposiciones de bloques y secuencias de imágenes y sonidos aspiran a encontrar un sentido global que nace de las fricciones y el ritmo entre la propia materia cinematográfica.

Una materia que tiene necesariamente a la palabra escrita, al propio Godard y al grano cavernoso de su voz, como epicentro de sentido. Es ese texto literario, presentado y analizado en un espléndido prólogo de Adrián Cangi y acompañado por una entrevista y abundantes referencias, el que ha aparecido al fin en castellano tras su edición original en Francia y después de una primera aproximación (Introducción a una verdadera historia del cine) traducida en su momento por Miguel Marías.

Un texto esencial, depurado y poético que se despliega y repliega en un constante juego de ritmos, rimas y ritornellos; un texto hermoso y evocador desde el que Godard organiza y vertebra las bases y trazos esenciales de su ambicioso y solitario proyecto de ensamblaje; un texto paradójico, fúnebre y vital al mismo tiempo, que salmodia el fin del siglo y de su arte, pero que también anuncia la posibilidad de un cine por venir.

Traídas a la intimidad y cercanía artesanal del vídeo (”cogito ergo video”), las Historia(s)… dan fe del cine como objeto crucial y testigo directo del siglo XX, diseccionan su doble condición de arte e industria, indagan en las fracturas que, por un lado, lo dotaron de una gran capacidad fabuladora o propagandística, y, por otro, lo convirtieron en testimonio (ocultado) de los crímenes más atroces contra la humanidad, cuyo epicentro se sitúa en los campos de exterminio.

Con este monumental collage, dividido en ocho capítulos y elaborado a partir de miles de horas de material de archivo, fotografías, reproducciones, fragmentos musicales, citas y textos expuestos a múltiples alternancias, sobreimpresiones, fundidos, reencuadres, sobreescrituras, reiteraciones, detenciones, ralentizaciones o distorsiones, Godard construye su lúcida reflexión sobre el cine y sus implicaciones en la representación (a veces visionaria y premonitoria) del siglo XX en una forma audiovisual autosuficiente que busca redefinir el papel del cineasta, su relación con la Historia, y para establecer un diálogo abierto desde su condición de ensayo fílmico capaz de superar en su propia naturaleza (tiempo, proyección y recuerdo) a otros relatos con similares aspiraciones.

Diez fotógrafos de la prestigiosa agencia Magnum evocan la huella imborrable que el cine ha dejado en su vida a través de una colección de fotografías e instalaciones multimedia que exhibe el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (España) con la ambición de provocar la reflexión. “Magnum 10 secuencias. El cine en el imaginario de la fotografía” es el título de la exposición, resultado de la colaboración del CCCB con la Cinémathèque française y que estará abierta al público desde mañana y hasta el próximo 7 de septiembre.

Los fotógrafos, representantes de diferentes generaciones y corrientes de la fotografía documental y seleccionados de entre una treintena de miembros de Magnum, fueron invitados por la Cinémathèque française a plasmar en su obra la influencia que el cine ha tenido en su psique. El resultado es una exposición en la que cada uno de los fotógrafos representados bucea en su herencia cinematográfica y es capaz a partir de aquí de generar una creación propia.

Así, el fotógrafo iraní Abbas presenta una serie de dieciocho fotografías que reproducen imágenes de la violencia que vivió Teherán en 1979 y que establecen un diálogo con algunos extractos de la película “Paisà” (1946) de Roberto Rossellini, cuya visión impresionó al artista cuando era un joven estudiante. Otro de los fotógrafos, Alec Soth (EEUU), ha recorrido miles de kilómetros en Texas para buscar salas de cine abandonadas y que han sido reconvertidas para usos, como una funeraria, guiado por el recuerdo de la película “Im Lauf der Zeit” (1976) de Wim Wenders.

Un vídeo documental creado como homenaje a “Ai no corrida” (1976) de Nagisa Oshima, y en el que el protagonista es el mismo fotógrafo Antoine D’Agata; y las instantáneas del británico Mark Power, que vuelve a la ciudad de su infancia, Leicester, y confronta sus trabajos con las películas antiguas de su familia son otros dos ejemplos del material que conforma la exposición. La muestra, que se presentó en la Cinémathèque française en el año 2007, está comisariada por Diane Dufour, directora de proyectos especiales de Magnum Photos, y Serge Toubiana, director general de la Cinémathèque, con la colaboración de Matthieu Orléan y Diana Saldaña.

El director del CCCB, Josep Ramoneda, ha destacado hoy en rueda de prensa que la muestra supone ‘un ejercicio de arqueología de la imagen’, al tiempo que provoca una reflexión sobre la imagen, la creación y la experiencia. Serge Toubiana ha subrayado que la muestra que se puede ver en Barcelona es diferente a la que se exhibió en París ya que aquí la fotografía y el cine son enfrentadas a la mirada del visitante en igualdad de condiciones, mientras que en la capital francesa ‘la fotografía era vista a través de la mirada del cine’. En paralelo a la muestra, el CCCB ha organizado un taller que invita a explorar el cine, la fotografía y la frontera que une y separa estas artes, y un ciclo de conferencias sobre cómo se produce la influencia del cine respecto al trabajo fotográfico.

Un aclamado productor de cine y el ex presidente de Fox Television Entertainment crearon una nueva clase de estudio, dirigido a la comunidad de aspirantes a cineastas de la web para encontrar a los próximos grandes talentos. Deepak Nayar, quien estuvo detrás de filmes como “Buena Vista Social Club” y “Bend it Like Beckham,” y Sandy Grushow, el ex presidente de Fox Television Entertainment Group, lanzaron el lunes Filmaka (http://www.filmaka.com) tras más de un año de probar la página y reclutar cineastas profesionales en todo el mundo.

La página solicita piezas cortas de video para un concurso, en el que actúan como jurado algunos de los grandes nombres de la industria, como los directores Werner Herzog, Wim Wenders y Paul Schrader, así como una audiencia regular de internautas. El ganador del concurso se anunciará la semana que viene y dirigirá una película producida por la empresa Filmaka, que tiene sus oficinas en Los Angeles.

“Estamos en el negocio de respaldar el talento y construir sus carreras,” dijo a Reuters Nayar, presidente ejecutivo, en una entrevista en Nueva York. “Este es un lugar para que cualquier persona de cualquier lugar del mundo tenga esa oportunidad,” agregó. Para los aspirantes a directores, el proyecto ofrece una nueva vía de entrada a Hollywood, con un contrato para presentar su primer talento a la Agencia William Morris para una posible representación.

Hasta la fecha, Filmaka ha recibido videos de casi 3.600 realizadores de 95 países. Como negocio, Filmaka aspira a formar y representar a una base de talentos, así como a identificar y otorgar licencias de entretenimiento para cualquier cosa entre series web y programas de televisión, publicidad y películas. Sus ejecutivos afirman que es un nuevo campo de oportunidades, mientras algunos los grandes estudios reducen sus listas de apuestas para delegar en los grandes éxitos de taquilla, y las pequeñas productoras luchan con un ciclo de adquisiciones y reestructuraciones.

“Había una gran necesidad en el mercado de contenido de buena calidad y bajo costo,” dijo en una entrevista Grushow, presidente de Filmaka. “Era enloquecedoramente difícil hacerlo desde adentro, y lo que pensé era que podríamos tener la oportunidad de hacerlo desde afuera,” agregó. Filmaka está trabajando en un sitio para la India en idioma local y considerando un emprendimiento similar en Japón.

El cineasta argentino Fernando “Pino” Solanas recibió un premio especial a la carrera de parte del jurado del Festival de Derechos Humanos que concluyó hoy en Bolonia, norte de Italia. “Por haber marcado la senda para un cine militante en América latina” destacó la motivación del premio “y por la coherencia, la continuidad, la voluntad y la capacidad de entender a fondo las más complejas dinámicas no sólo de Argentina sino de todo el subcontinente”.

El jurado agradeció además “la capacidad de sorprendernos” que conserva el director argentino, de 72 años y con una amplia trayectoria en el cine y en la política. Solanas fue el primer sorprendido al escuchar su nombre pronunciado por el jurado, ya que su filme “Argentina latente” figuraba fuera de concurso, si bien había obtenido una acogida resonante por parte del público. Solanas ha participado en la competencia oficial de Festival de Cannes con “Tangos El exilio de Gardel” y “Sur”, ganando el premio al mejor director por la primera. Es también el autor de películas como “El viaje” o “La nube”.